UEPB

Gramsci por Gramsci: "Um homem de convicções profundas"

2012-02-01T16:47:00.000-03:00

Por Marcos César de Oliveira Pinheiro [Historiador], para o Diário da Liberdade

"Alguns me consideram um demônio, outros quase um santo. Não quero ser mártir nem herói. Acredito ser simplesmente um homem médio, que tem suas convicções profundas e não as troca por nada no mundo." Carta de Gramsci, do cárcere, a seu irmão Carlo, em 12 de setembro de 1927.

Gramsci morreu em 1937, vítima do ditador fascista Benito Mussolini. Em 1926, foi condenado por um tribunal fascista a 20 anos de detenção, num processo no qual o promotor, com a brutalidade típica dos fascistas, mencionava a necessidade de "evitar que esse cérebro continue funcionando". Apesar das duras condições da prisão, Gramsci deixou ao morrer uma obra de grande importância escrita no cárcere: 33 cadernos manuscritos, totalizando 2.848 páginas, conhecidos como os Cadernos do Cárcere.

Coube ao dirigente revolucionário italiano um papel extraordinário no que diz respeito à teorização do Estado, do poder e da política. Contudo, a leitura dos escritos de Gramsci não é uma tarefa fácil. Indiscutivelmente, nas reflexões dos Cadernos do cárcere está presente a proposição básica de que as classes sociais, o conflito de classes e a consciência de classe existem e desempenham um papel na história.

Para entender Gramsci

Para compreender um autor, é necessário conhecer profundamente o contexto histórico-político-cultural com o qual está envolvido. Um pensador da envergadura de Antonio Gramsci requer entender o processo de formação da sua personalidade política e intelectual. A vivência dos momentos mais dramáticos das lutas que agitaram a Europa e, particularmente, das mobilizações sociais, políticas e econômicas que levaram, ao menos na Rússia, à vitória da Revolução em 1917. O progressivo deslocamento de Gramsci da esfera de influência do neo-idealismo, destacando o distanciamento crítico e a superação em relação ao pensamento de Benedetto Croce e Giovanni Gentile. Seu referencial marxista assumido, que o leva a formular propostas interpretativas voltadas para a explicação de modos de dominação social em meio à dinâmica do conflito, da luta de classes. A espinhosa interlocução crítica de Gramsci no interior do próprio marxismo e os embates travados com as correntes mecanicistas, dogmáticas e messiânicas [1]. A problemática gramsciana de "explicar a dominação de classes, recusando determinismos de cunho mecanicistas e procurando explicitar mecanismos culturais (sem reivindicar-lhes exclusividade ou determinismo de pólo inverso) que alimentam a dominação, bem como espaços de resistência a esta dominação que se constroem em meio às lutas de classes" [2].

Tanto os leitores já familiarizados com Antonio Gramsci quanto os novos, a meu ver, dispõem da necessidade de contato com os chamados "especialistas" ou intérpretes dos escritos gramscianos. Justamente por apresentar-se – nas palavras do próprio autor – como um conjunto de notas "escritas ao correr da pena, como rápidos apontamentos para ajudar a memória" [3], a obra da maturidade de Antonio Gramsci – os Cadernos do Cárcere – tem proporcionado as mais variadas interpretações teóricas e políticas da mesma – e até contrastantes leituras [4]. Decerto, as condições peculiares nas quais os Cadernos foram escritos parecem corroborar para que muitos leitores acentuem além da conta o caráter fragmentário da obra, acarretando um instrumental gramsciano distorcido e, de todo, retirado do contexto em que faz sentido. Acaba-se, em muitos casos, contando menos o que Gramsci disse do que aquilo que os seus leitores julgam encontrar em sua obra – o anacronismo é frequente. Daí a necessidade de uma correta contextualização e um estudo filológico dos textos, ou seja, uma leitura "genética" dos Cadernos do Cárcere, considerando a riqueza de seus contrastes, de suas ambiguidades e até de seus limites [5]. Isso permite aos leitores de Gramsci, veteranos ou novatos, encontrar o trajeto unitário e coerente do seu pensamento, possibilitando ler os Cadernos como resultado de uma concepção de mundo orgânica e unitária.

O conjunto de categorias desenvolvidas por Antonio Gramsci constitui um campo aberto de criação histórica, apesar dos limites inerentes a qualquer conceito. Mas o que explica essa "adoção" de Gramsci é a análise da validade operatória de muitas de suas categorias para formular interpretações mais aprofundadas da realidade concreta no âmbito nacional ou internacional.

Notas do Autor

[1] Para compreender o processo de formação política e intelectual de Gramsci ver: LOSURDO, Domenico. Antonio Gramsci: do liberalismo ao "comunismo crítico". Rio de Janeiro: Revan, 2006; MAESTRI, Mário e CANDREVA, Luigi. Antonio Gramsci: vida e obra de um comunista revolucionário. 2 ed. São Paulo: Expressão Popular, 2007.

[2] MATTOS, Marcelo Badaró. "Os historiadores e os operários: um balanço". In: ____ . (coord.). Greves e repressão policial ao sindicalismo carioca: 1945-1964. Rio de Janeiro: APERJ / FAPERJ, 2003, p. 33.

[3] GRAMSCI, A. Cadernos do Cárcere. V. 1. Introdução ao estudo da filosofia. A filosofia de Benedetto Croce. 3 ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 2004, p. 85.

[4] Por exemplo, há muita polêmica em torno das interpretações dos usos de "sociedade civil", "sociedade política" e Estado em Gramsci.

[5] Muitos estudos atendem a esse propósito, entre eles: BARATTA, Giorgio. As rosas e os Cadernos: o pensamento dialógico de Antonio Gramsci. Rio de Janeiro: DP&A, 2004; BIANCHI, Álvaro. O laboratório de Gramsci: filosofia, história e política. São Paulo: Alameda, 2008; COUTINHO, Carlos Nelson. Gramsci: um estudo sobre seu pensamento político. 2 ed. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 2003; LIGUORI, Guido. Roteiros para Gramsci. Rio de Janeiro: Ed. UFRJ, 2007; SEMERARO, Giovanni. Gramsci e a sociedade civil: cultura e educação para a democracia. 2 ed. Petrópolis, RJ: Vozes, 2001.

PÓS-GRADUAÇÃO: Educação estendida

2012-01-31T13:42:00.000-03:00

Por Bianca Bibiano, para o Especial/Folha

O PNPG (Plano Nacional de Pós-Graduação) 2011-2020 divulgado pela Capes (Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior) no ano passado estabelece como objetivo para a década um crescimento de pouco mais de 15% a cada três anos no número de cursos de pós-graduação registrados no país.

Se a expectativa se cumprir, em 2013 serão 6.029 cursos formando mais de 60 mil mestres e doutores.

A projeção favorece quem procura cursos nos campos de tecnologias, ciências agrárias e da terra, engenharia e saúde, considerados prioritários para esses dez anos.

"O cenário da formação superior é positivo para todas as áreas, mas o Brasil carece de mão de obra especializada sobretudo nesses setores", explica Lívio Amaral, diretor de avaliação da Capes.

Pelos dados de 2009, a maior parte dos cursos são de ciências da saúde e ciências humanas, com respectivamente 725 e 588 registros. De 2004 a 2009, o número total de cursos passou de 2.970 para 4.101 -alta de 38,1%-, chegando, em 2010, a 4.757.

DISTRIBUIÇÃO DESIGUAL

Ana Lúcia Almeida Gazzola, relatora do PNPG e docente da UFMG (Universidade Federal de Minas Gerais), diz concordar que o quadro atual é positivo, mas ressalva que ele só será eficaz quando o crescimento for redimensionado, considerando-se a capacidade instalada do parque universitário brasileiro.

A especialista diz acreditar que a formação de centros de referência espalhados pelo território nacional possa direcionar as metas repassadas às instituições de ensino. A maioria dos cursos de pós se concentra no Sudeste e no Sul.

"Em 24,1% das mesorregiões brasileiras [subdivisões dos Estados que agrupam cidades pelo perfil econômico e social], há apenas um ou nenhum doutor, e essa ausência é maior no Norte, no Nordeste e no Centro-Oeste", situa Danilo Giroldo, pró-reitor de Pesquisa e Pós-Graduação da Furg (Universidade Federal do Rio Grande).

"É grave se pensarmos no destaque que essas regiões terão com a Copa de 2014."

Programas como a Rede Centro-Oeste, do governo federal, e a Renorbio (Rede Nordeste de Biotecnologia) buscam suprir a falta de pós-graduandos e de pesquisa científica em regiões como a do cerrado e o Pantanal.

"Criar cursos que tenham no corpo docente professores de diferentes faculdades é alternativa para se instituir um campo de pesquisa forte nessas regiões", frisa Giroldo.

MASSA CRÍTICA

Para 2013, as agências de fomento Capes e CNPq (Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico) estimam a distribuição de 105 mil bolsas para mestrado e doutorado.

"Teremos o resultado apenas daqui a quatro ou cinco anos, quando essa massa crítica estará formada e produzindo", destaca Amaral.

Diretores do cinema paraibano homenageiam Linduarte Noronha

2012-01-30T12:23:00.000-03:00

Por Krystine Carneiro, do G1 PB

“Não é apenas um cineasta, não é apenas um personagem famoso. É o símbolo da realização do cinema que busca ser brasileiro, que busca ser nordestino”. Foram essas as palavras usadas pelo presidente da Academia Paraibana de Cinema, Wills Leal, para descrever o cineasta Linduarte Noronha, que morreu na madrugada desta segunda-feira (30) em João Pessoa.

Precursor do movimento Cinema Novo com o documentário ‘Aruanda’, de 1960, Linduarte morreu aos 81 anos na Unidade de Terapia Intensiva (UTI) do Hospital Memorial São Francisco. Segundo informações da família do cineasta, ele sofreu uma parada respiratória. A morte dele foi repercutida por vários nomes do cinema paraibano na manhã desta segunda. “O falecimento do Linduarte é um marco, um acontecimento lamentável sobre todos os aspectos”, completou Wills Leal. O corpo está sendo velado no Parque das Acácias, na capital, onde também acontece o enterro às 18h.

Apesar de ser pernambucano, Linduarte construiu sua carreira na Paraíba. “Ele era uma referência maior do cinema paraibano, historicamente falando, e uma referência do cinema documental brasileiro e latino americano”, explicou o jornalista e cineasta Lúcio Vilar.

Para Lúcio, a importância dele não se restringia apenas ao Brasil. “'Aruanda' teve uma alcance que extrapolou as fronteiras nacionais”. Como estudioso do cinema, Lúcio Vilar explicou que o documentário influenciou diretamente jovens cineastas brasileiros, como Glauber Rocha e Nelson Pereira dos Santos, na década de 60 e que essa influência deu força para que o Cinema Novo passasse a existir.

Glauber Rocha chegou a publicar um artigo elegendo ‘Aruanda’ como o filme que introduziu o ‘Moderno Documentário Brasileiro’. “Esse é o legado. Nosso reconhecimento não é ufanismo, é reconhecido por especialistas”, disse Lúcio.

Em 2005, o jornalista batizou o principal festival de cinema da Paraíba com o nome do documentário Aruanda de Linduarte. “Ele era muito generoso. Quando decidimos mudar o nome para Aruanda, fui perguntar se ele autorizava. Ele riu muito e disse que aquilo já era domínio público, que não tinha nada que pedir autorização. Ele já tinha noção que o filme dele não era mais dele, era do público, dos estudiosos, dos pesquisadores”.

A jovem jornalista Larissa Claro também lamentou a morte de Linduarte nesta manhã. Larissa é diretora do documentário ‘Lição de Fogo’, de 2007, que mostra o processo de produção do filme ‘Salário de Morte’, filmado no início da década de 70 em Pombal, a 377km de João Pessoa. “Tive a grande honra e privilégio de bater na porta de Linduarte e ouvi-lo dizer que aquela seria última vez que ele iria falar sobre ‘Salário de Morte’, que é um filme muito polêmico”, disse Larissa. “Todo mundo que teve algum trabalho ligado ao cinema paraibano lamenta a morte dele. É uma perda irreparável”.

O Tratamento pela Escrita - Reescrevendo sua história

2012-01-27T11:58:00.004-03:00

REGISTRO - Izabel escreve até hoje sobre as emoções que

sente após ter sido tratada de um tumor cerebral

Por Monique Oliveira, da Revista Istoé

Há muito a psicologia clínica indica que mudar as emoções diante de um evento é uma maneira eficaz de conseguir viver em paz com uma experiência dolorosa. Agora, a ciência confirma que a escrita não só é uma ferramenta importante nesse processo como pode alterar as respostas fisiológicas a doenças crônicas, melhorando o quadro de saúde de pacientes. Ao escrever os doentes tornam suportável uma experiência tida anteriormente como pesada demais. Ela passa a integrar a biografia de quem vive o trauma, abrindo o caminho para a recuperação, como se cada um reescrevesse sua história.

Por essa razão, a chamada “expressive writing” (algo como expressão pela escrita, em inglês) ganha cada vez mais espaço na medicina. Na última semana, por exemplo, dois novos estudos reforçaram o poder do método. O primeiro, aliás, apontou uma evolução interessante. Cientistas da Universidade de Haifa, em Israel, descobriram que a técnica, quando usada em blogs pode ser tão ou mais eficaz que no papel. Os pesquisadores chegaram à conclusão após analisar a reação ao experimento por eles organizado com a participação de 161 adolescentes com ansiedade e fobia social. Os jovens foram divididos em grupos que receberam orientações distintas. Alguns, por exemplo, deveriam escrever em blogs abertos, com comentários, e outros, em blogs fechados.

Depois de dez semanas escrevendo pelo menos duas vezes semanalmente, todos apresentaram melhora na autoestima, na autoconfiança e na capacidade de se sentir confortável em situações sociais que evitavam antes de iniciar a prática da escrita. Mas aqueles que escreveram em blogs com espaço para comentários manifestaram melhora mais significativa. De acordo com os autores do estudo, as características da internet e das qualidades da “expressive writing” podem ser potencializadas no blog. “Ele fornece uma combinação única de espaço confortável para a autoexpressão com um ambiente de interação social”, escreveram.

O segundo trabalho, da Universidade de Waterloo, no Canadá, mostrou a eficiência da técnica no controle do peso. Nele, a psicóloga Christine Logel demonstrou que as mulheres convidadas a escrever sobre seus sentimentos e valores perderam, em média, 3,4 quilos, enquanto as que não participaram da oficina ganharam cerca de 2,7 quilos. “Escrever funcionou como um incentivo”, disse Christine à ISTOÉ. A pesquisadora observou que a escrita ajudou as participantes a se sentir bem com elas próprias na medida em que descreviam o que consideravam importante em suas vidas. “E elas não utilizaram a comida como escape”, explicou Christine.

De fato, um estudo da Universidade de Baylor (EUA) com 48 portadores de câncer de testículo revelou que escrever sobre as emoções relacionadas à doença acelerou a recuperação dos participantes. Como justificativa, os cientistas levantaram a hipótese de que, como a escrita auxiliou no controle do estresse ocasionado pela enfermidade, o sistema imunológico entrou em equilíbrio. Resultado: ele deixa de reconhecer como nocivos agentes inofensivos, causando complicações como alergias, e continua a luta contra a doença.

Outras pesquisas também demonstraram os efeitos positivos da escrita no tratamento de doenças infecciosas, como a Aids, e diversos tipos de câncer. A dona de casa Izabel Modesto de Araújo, 47 anos, de São Paulo, por exemplo, encontrou na escrita uma maneira de amenizar o sofrimento após passar por três cirurgias para retirar um tumor cerebral. No processo de recuperação, ela começou a escrever já na cama do hospital. Acabou escrevendo dois livros e mantém o hábito da escrita até hoje, já recuperada. “Mesmo nos momentos mais difíceis não precisei tomar antidepressivo”, conta. “Escrever é minha terapia.”

No Rio Grande do Sul, a psicóloga Ana Maria Rossi, presidente da seção brasileira da International Stress Management Association, organização internacional para o controle do estresse, indica a escrita terapêutica para pacientes que não conseguem lidar com o acesso de raiva. “Ela tem efeitos positivos naquelas pessoas com dificuldade de descrever a experiência sem se descontrolar ou ficar extremamente emocionadas.”

Não basta, entretanto, apenas escrever. “É preciso ter um propósito. A escrita organiza o pensamento e facilita o autoconhecimento”, diz a professora Solange Pereira Pinho, que comanda uma oficina de escrita terapêutica em Brasília. Isso é possibilitado porque, sob orientação correta, o paciente não somente descreve a reação ao evento, mas o que foi sentido no momento.

Também não é qualquer conteúdo que surtirá resultados positivos. Na literatura médica, as investigações do pesquisador americano James Pennebaker, que descreveu o poder da escrita terapêutica em “Abra o Seu Coração: O Poder da Cura Através da Expressão das Emoções” (Editora Gente), apontaram que escrever sobre os aspectos emocionais afeta a saúde positivamente, mas descrever apenas os fatos da experiência traumática pode surtir o efeito contrário.

O Tratamento pela Escrita - Reescrevendo sua história

2012-01-27T11:58:00.002-03:00

REGISTRO - Izabel escreve até hoje sobre as emoções que

sente após ter sido tratada de um tumor cerebral

Por Monique Oliveira, da Revista Istoé

O Tratamento pela Escrita - Reescrevendo sua história

2012-01-27T11:57:00.002-03:00

REGISTRO - Izabel escreve até hoje sobre as emoções que

sente após ter sido tratada de um tumor cerebral

Por Monique Oliveira, da Revista Istoé

O Tratamento pela Escrita - Reescrevendo sua história

2012-01-27T11:54:00.002-03:00

REGISTRO - Izabel escreve até hoje sobre as emoções que

sente após ter sido tratada de um tumor cerebral

Por Monique Oliveira, da Revista Istoé

O Tratamento pela Escrita - Reescrevendo sua história

2012-01-27T11:54:00.000-03:00

REGISTRO - Izabel escreve até hoje sobre as emoções que

sente após ter sido tratada de um tumor cerebral

Por Monique Oliveira, da Revista Istoé

O Tratamento pela Escrita - Reescrevendo sua história

2012-01-27T11:53:00.000-03:00

REGISTRO -

Izabel escreve até hoje sobre as emoções que

sente após ter sido tratada de um tumor cerebral

Por Monique Oliveira, da Revista Istoé

Lévi-Strauss - Grande escritor na arte da retórica

2012-01-26T14:24:00.000-03:00

Por Perry Anderson, da Revista Piauí

O antropólogo mais famoso do século XX poderia intimidar qualquer candidato a biógrafo. Claude Lévi-Strauss, que morreu há dois anos, negava que sua pessoa tivesse qualquer interesse. Dizia que lembrava pouco de seu passado e tinha a sensação de que não havia escrito os próprios livros. Segundo suas palavras, ele era apenas uma “encruzilhada passiva” onde “coisas aconteciam”: “Eu nunca tive, e ainda não tenho, a percepção de sentir minha identidade pessoal. Eu me vejo como o lugar onde alguma coisa está acontecendo, mas não existe um ‘eu’.”

Essas afirmativas tampouco eram meras confissões pessoais. Seu sistema intelectual baseava-se numa rejeição radical da significação do sujeito e até mesmo de sua realidade. Essa dupla barreira seria obstáculo suficiente para uma biografia. Mas há outro obstáculo, ainda mais difícil: paradoxalmente, Lévi-Strauss é também autor de um livro de memórias, Tristes Trópicos, uma obra-prima literária incontestável, na qual ele definiu as experiências que considerava decisivas de sua vida. Quem poderia fazer melhor? Com certeza, nenhum cronista convencional. Na cultura francesa, onde há muito tempo a arte da biografia é notoriamente fraca, a única tentativa de traçar um retrato de corpo inteiro do antropólogo, feita por Denis Bertholet em 2003, é testemunho suficiente dessa deficiência.

Patrick Wilcken desafiou todas as dificuldades. A obra "Claude Lévi-Strauss: O Poeta no Laboratório" é ao mesmo tempo uma biografia e um estudo crítico do pensador do mais alto nível. Gracioso e vívido como narrativa, é também um modelo de apreciação intelectual. Livre tanto do impulso reverencial como da tentação de desmascarar, Wilcken produziu um relato maravilhosamente tranquilo e lúcido da vida e do pensamento de seu biografado.

A história que ele conta pode ser dividida em cinco partes. Nascido em 1908, filho de um pintor – que logo ficou démodé– e apreciador de música, Lévi-Strauss foi um socialista militante em sua juventude. Atraído pelas artes, formou-se em filosofia numa época de fermento vanguardista e ausência de fronteiras disciplinares rígidas. Seu primeiro artigo publicado foi sobre Babeuf, o precursor do comunismo, e sua dissertação, sobre o marxismo. Aos 26 anos, era professor de um liceu provincial quando lhe ofereceram subitamente a oportunidade de se juntar a um pequeno grupo de estudiosos franceses, do qual fazia parte Fernand Braudel, que iria dar aulas na recém-fundada Universidade de São Paulo. O patrono deste convite foi seu ex-orientador, o sociólogo Célestin Bouglé, colaborador de Émile Durkheim, e a matéria que escolheu para lecionar em São Paulo foi sociologia.

Mais tarde, ele iniciaria Tristes Trópicos, com as célebres palavras: “Odeio as viagens e os exploradores.” Mas isso era pura provocação. Entediado e inquieto na França, como muitos intelectuais de sua geração (André Malraux e Paul Nizan já tinham feito seus nomes com façanhas no exterior), Lévi-Strauss confessou honestamente em entrevista a Didier Eribon: “Eu estava em um estado de excitação intelectual intensa. Sentia-me revivendo as aventuras dos primeiros viajantes do século XVI. Por minha conta, descobria o Novo Mundo. Tudo me parecia fabuloso: as paisagens, os animais, as plantas.”

Nesse ponto, Wilcken, autor de um belo estudo sobre a corte portuguesa no Rio de Janeiro, tem a enorme vantagem de ter um conhecimento profundo do país em que Lévi-Strauss desembarcou. Pela primeira vez, a experiência que o transformou em antropólogo é contextualizada de forma mais adequada. Na França, a sociologia de Durkheim, e depois a de Mauss, tratava indiferentemente de sociedades modernas e “primitivas” – isto é, pré-letradas –, de um modo que o trabalho de mentalidade mais histórica de Weber ou Sombart na Alemanha não se permitia. A etnologia era mais um campo frouxo da sociologia do que uma disciplina distinta. Desse modo, o estudo de tribos locais era, em certo sentido, o caminho óbvio para Lévi-Strauss, se ele quisesse capitalizar seu tempo no Brasil para avançar sua carreira na França. Também se sentia atraídopelas artes – não demorou para que ele e sua esposa passassem a frequentar a roda em torno de Mário de Andrade, poeta líder do Brasil modernista, de quem o casal se tornou amigo – e alimentava ambições políticas – embora indiferentes à cena local, onde um levante comunista explodiu após sua chegada e uma ditadura modelada nos regimes de Salazar e Mussolini se instalou não muito tempo depois. Em 1936, quando a Frente Popular chegou ao poder na França, ele ficou decepcionado por não ser chamado pelo Ministério socialista. Foi então que decidiu abandonar a ideia de uma carreira política. A exploração etnográfica do interior do Brasil tornou-se a alternativa.

Vinte anos mais tarde, com a publicação de Tristes Trópicos, as incursões aos kadiwéu, bororo e nambikwara se tornaram lendárias. A reconstrução meticulosa que Wilcken faz dessas incursões, objetiva mas nunca insensível, mostra a realidade. Pelos padrões contemporâneos, foram visitas breves, itinerantes, que envolveram tanto um trabalho de conjectura quanto de pesquisa de campo, num sentido moderno. Pouco familiarizado com o português, Lévi-Strauss não conhecia nenhuma língua indígena e não passou muito tempo com qualquer dos grupos nativos que encontrou. Tampouco sua expedição principal, em 1938, teve alguma semelhança com a peregrinação solitária implicitamente sugerida por seu livro de memórias. Nas palavras de Wilcken:

Quando o grupo e os equipamentos foram finalmente reunidos em campos dos arredores de Cuiabá, os animais de carga, as caixas, os sacos e as selas, os homens barbudos de calções folgados de algodão e botas de couro pareciam mais uma feira ambulante de interior do que uma expedição científica. Nas páginas de Tristes Trópicos, esse grande elenco de apoio muitas vezes desaparece no fundo da cena. Na realidade, a expedição da serra do Norte estava tão longe do padrão etnográfico de Malinowski – o solitário do início do século xx que aprendia meticulosamente a língua local e mergulhava em sua cultura – quanto possível. Em contraste com a jornada conradiana aos extremos da humanidade, na maior parte do tempo, o séquito de Lévi-Strauss era mais numeroso do que os nativos que ele tentava estudar.

Mas o tom de Wilcken não é reprovador. Quaisquer que sejam suas falhas, a expedição não foi somente complicada e perigosa, mas produtiva, fornecendo a Lévi-Strauss uma quantidade de hipóteses imaginativas que lhe seriam muito úteis quando chegou ao seu verdadeiro campo de pesquisa, milhares de quilômetros longe dos arbustos ou da selva.

De volta à França na primavera de 1939, com 30 anos recém-completados e o cérebro ainda ocupado com o que tinha visto, estava tão despolitizado que não percebeu a iminência da guerra na Europa, nem se deu conta das realidades da vitória nazista e do governo colaboracionista de Vichy: em 1940, tentou – e felizmente não conseguiu – voltar para a Paris ocupada como professor, quando os judeus já estavam em risco. Demitido pelo regime de Pétain, teve o visto de regresso ao Brasil negado, mas conseguiu um convite da New School for Social Research de Nova York, e (ajudado pelas conexões de uma tia rica nos Estados Unidos) partiu de Marselha em um navio onde estavam, entre outros refugiados, André Breton e Victor Serge, aventura retratada em um dos episódios mais saborosos de Tristes Trópicos. Ao chegar finalmente a Nova York, Manhattan foi, nas palavras de Wilcken, mais do que o Mato Grosso, “seu verdadeiro choque cultural”.

Ali, em meio a uma comunidade de expatriados franceses bem maior do que a de São Paulo, ele se incorporou ao ambiente vanguardista dos surrealistas – Max Ernst, Yves Tanguy, André Masson, Roberto Matta, para não falar do próprio Breton – para os quais a antropologia e a psicanálise eram as chaves para as fontes inconscientes da existência. Ele havia pintado quando menino; no Brasil, começara a escrever uma peça no espírito de Corneille; na França, iniciara um romance no estilo de Conrad. Em Nova York, desistiu dessas ambições, mas aprendeu a investir a sensibilidade que estava por trás delas (agora moduladas pelo novo cenário: “Os surrealistas enriqueceram e refinaram meu gosto estético”) em formas que seriam discursivas, em vez de criativas.

A mudança decisiva, no entanto, veio de duas outras direções: o encontro com a riqueza empírica da etnologia americana, em grande parte reunida por Franz Boas, que ainda estava vivo em Nova York, e as perspectivas teóricas do círculo linguístico de Praga, trazidas para a América por Roman Jakobson, que se tornou seu amigo íntimo. Nada disso era conhecido na França. Enquanto dominava a primeira na Biblioteca Pública de Nova York, Lévi-Strauss absorvia a segunda, que passou a ser a estrutura fundamental de seu pensamento a partir de então.

Cerca de sete anos mais tarde – era então adido cultural francês, instalado numa mansão da Quinta Avenida – sua fusão das duas rendeu As Estruturas Elementares do Parentesco, publicado logo após seu retorno a Paris, em 1948. Nesse enorme compêndio, que procurava sistematizar em um conjunto de padrões inter-relacionados uma vasta gama de sistemas de matrimônio do mundo pré-letrado conhecido, ele sustentava que o tabu do incesto era um universal antropológico que marcava a ruptura entre a natureza e a cultura que tornava possível a sociedade humana. Embora nem todos os achados sobre os quais o livro se baseava fossem corretos, e nem todas as suas interpretações fossem sempre confiáveis, nada como as Estruturas Elementares havia sido tentado antes. Nas palavras de Wilcken: “Sua originalidade, a firmeza de suas afirmações, o senso de uma reorientação teórica há muito tempo necessária fizeram dele um ponto de referência de seu tempo.”

A maior parte dessa obra talvez fosse impenetravelmente técnica, mas sua tese central era de fácil compreensão, por incrível que pareça. Demoraria algumas décadas para que sua premissa básica se mostrasse errada: historicamente, não houve proibição universal do incesto e algumas sociedades, como a Pérsia e os Egito antigos, até mesmo o fruíam.

Quando Estruturas Elementares foi publicado, Lévi-Strauss ainda era, do ponto de vista acadêmico, um estranho na França. O livro ganhou fortuna pública graças a uma resenha brilhante feita em Les Temps Modernes por Simone de Beauvoir, outrora colega de Lévi-Strauss, que havia consultado o manuscrito ao escrever O Segundo Sexo. Sua aceitação acadêmica foi mais lenta. Tendo sido rejeitado duas vezes pelo Collège de France, Lévi-Strauss mudou seu foco do parentesco para os mitos e, em 1952, publicou seu primeiro ensaio voltado diretamente para um público mais amplo, Raça e História. Nele, esvaziava a pretensão ocidental de superioridade cognitiva sobre as sociedades pré-letradas; a chegada da indústria e da ciência modernas era resultado de combinações aleatórias na mesa de roleta do tempo, em vez de consequência de alguma dinâmica interna histórica.

Três anos depois, veio a revelação de seu excepcional talento literário, com os soturnos fogos de artifício de Tristes Trópicos– uma meditação filosófica tanto quanto, ou mais do que, um livro de memórias antropológicas. Sob o signo de Lucrécio e Rousseau, em vez de Durkheim, ele mostrava seu período no Brasil como uma destruição implacável de ilusões românticas, mas que era também um rito de passagem fabuloso para verdades sobre a humanidade e seu lugar no universo, reprimida pela húbris metropolitana. De sua segunda e mais significativa formação como etnólogo, em Nova York, ele não dizia nada. Para o método, reconhecia três “amantes”: Marx, Freud e a geologia, cada um explorando estratos escondidos sob a superfície da realidade. Em 1955, tratava-se de um credo que não diminuía o charme de seu livro. Por unanimidade, e compreensivelmente, Tristes Trópicos foi saudado como um clássico das letras francesas.

Naquela época, impressiona como eram íntimos os laços – por mais paradoxal que possa parecer, tendo em vista o antagonismo entre o estruturalismo e o existencialismo – que ligavam Lévi-Strauss à usina da cultura de esquerda liderada por Sartre. Não foi somente Simone de Beauvoir que se esforçou para pôr Estruturas Elementares no mapa. O Les Temps Modernes publicou um capítulo prévio de Tristes Trópicos, assim como textos posteriores bem conhecidos, como “A gesta de Asdiwal”.

A entrada de Lévi-Strauss no Collège de France, dez anos após sua primeira tentativa, foi orquestrada por Merleau-Ponty. A sensibilidade de Lévi-Strauss para perceber de onde sopravam os ventos desempenhou sem dúvida um papel nisso. Mas era também uma configuração intelectual não rara da Quarta República, marcada por alianças muitas vezes imprevisíveis e debates calorosos, que cairiam abruptamente em declínio com a instauração da Quinta República e a ascensão de De Gaulle ao poder.

Com essa mudança de regime, nasceu o estruturalismo propriamente dito. Em 1958, Lévi-Strauss publicou seu manifesto, na coletânea de ensaios intitulada Antropologia Estrutural. “Durante séculos as humanidades e as ciências sociais se resignaram a contemplar o mundo das ciências naturais e exatas como uma espécie de paraíso onde nunca entrariam”, ele declarou, mas “de repente, há uma pequena porta que se abre entre os dois campos, e é a linguística que fez isso”. Não apenas mitos ou lendas populares, mas, em princípio, qualquer fenômeno do mundo social ou cultural poderia ser mapeado e decodificado com o rigor dos fonemas. Desde Comte, o pensamento francês sempre teve uma vertente significativa de cientificismo. Ao anunciar uma antropologia equipada com a autoridade da linguística, Lévi-Strauss tentava torná-la dominante.

Por um tempo, ele fez isso com considerável sucesso, enquanto espíritos empreendedores se esforçavam para emular ou estender seu programa a uma ampla gama de áreas do conhecimento, enquanto ele consolidava sua hegemonia a partir de seu posto de comando no ápice da erudição francesa. Em uma performance de virtuose, O Pensamento Selvagem (1962) pretendia mostrar, simultaneamente, o estruturalismo inato dos sistemas classificatórios das sociedades pré-letradas e a futilidade das pretensões do marxismo – para não falar do existencialismo –, na pessoa de Sartre. Tratava-se, no entanto, de um edifício teórico que repousava sobre um alicerce frágil: a noção de que a linguagem oferecia uma analogia para o estudo de qualquer outro campo da vida social. O próprio Saussure, criador da linguística estrutural, havia expressamente advertido contra essa ilusão. Assim como a genética de hoje gerou esperançosos aplicadores da teoria da evolução a todos os campos imagináveis das humanidades e ciências sociais, independentemente da falta de qualquer outra conexão entre elas que não seja metafórica, do mesmo modo, há meio século, a linguística cativou uma ampla gama de entusiastas que viram nela o “abre-te, sésamo” para a compreensão do mundo.

A contribuição do próprio Lévi-Strauss para essa expansão foi Mitológicas (1964-71), sua monumental tetralogia sobre os sistemas de mitos nas Américas: cerca de 2 mil páginas que supostamente põem a nu as propriedades universais da mente humana, idênticas nos mitos e seus analistas, desdobradas por ele em uma composição científica, melódica e autorreferente como a música.

No final dos anos 70, a onda estruturalista havia refluído e, por fim, Lévi-Strauss recuou das extravagâncias que havia ajudado a lançar, observando – quinze anos depois de O Pensamento Selvagem– queo estruturalismo não era mais que uma “imitação muito fraca e pálida do que as ciências duras estão fazendo”. E afirmou que havia simplesmente tentado encontrar algum tipo de ordem por trás da aparente desordem de seus materiais, sem impor quaisquer conclusões a eles.

Mais proeminente do que a retração teórica, talvez apenas tática, foi seu retrocesso político e cultural. Na velhice, o outrora simpatizante do socialismo e do surrealismo tornou-se cada vez mais conservador – um dos pilares da Académie Française, inimigo da arte moderna, eleitor moderado, admirador de Gobineau. Ainda assim, eram preferências de fundo, nas quais Lévi-Strauss não insistia muito. A estrela subsequente do estruturalismo inverteu essa trajetória, mas sem efeito intelectual melhor: Michel Foucault passou quase sem intervalo de uma “nova filosofia” bem-vista no Palácio do Eliseu [sede da Presidência da República] a uma “justiça popular” pregada pela Gauche Prolétarienne. Lévi-Strauss certamente sabia como promover a divulgação de suas ideias e defender seus próprios interesses, mas fazia isso dentro dos limites de certa reserva tradicional e dignidade antiquada. As piruetas do jovem exibicionista e sua sede de publicidade eram estranhas a ele. Consciente de como eram arbitrárias as arqueologias de Foucault, ele negou qualquer apoio institucional ao seu admirador.

O veredicto final do delicado e comovente livro de Patrick Wilcken é impecável. “Em um mundo de áreas do conhecimento cada vez mais especializadas, talvez não venha nunca mais a existir um corpo de trabalho de alcance e ambição tão estimulantes”; mas embora “as ideias de Lévi-Strauss tivessem grande amplitude e abrangência”, elas estavam em última análise instaladas em um “espaço intelectualmente claustrofóbico” – um “empreendimento de um único homem que se tornou tão absolutamente idiossincrático que era impossível se basear nele”. Como sistema, “o estruturalismo implicava profundidade, mas com seu jogo de signos sem referência, muitas vezes se parecia com derrapagem sobre vidro polido”. No entanto, “o que dava vida à produção de Lévi-Strauss, e introduzia o lirismo que confundiu seus críticos anglo-saxônicos, era um profundo interesse pela expressão e apreciação estética que corria em paralelocom o lado cognitivo de seu trabalho”. O antropólogo se via como um artista manqué. Mas Lévi-Strauss não era apenas um grande colecionador e tecelão de narrativas – “os mitos são objetos muito lindos”, observou ele, “e nunca nos cansamos de contemplá-los, manipulá-los”. O segundo verbo fala por si mesmo. Ele foi também um grande escritor na arte, longe de ser menor, da retórica.

Gal Costa - A Voz e o Computador

2012-01-25T11:58:00.000-03:00

Por Pedro Alexandre Sanches, da Revista Bravo

Crédito da Foto: Gabriel Rinaldi

Até 2011, o mais célebre duelo com a tecnologia protagonizado por Gal Costa se chamava Meu Nome É Gal. A canção, de Roberto e Erasmo Carlos, está gravada na última faixa de seu disco de 1979, Gal Tropical. Então com 34 anos, ela usava a composição para esgrimir a própria voz com os acordes da guitarra de Robertinho de Recife, a garganta humana desafiando e superando os sons agudos produzidos pelo instrumento. Hoje com 66 anos, a cantora baiana atualiza a batalha de Meu Nome É Gal em seu novo trabalho, Recanto, um álbum todo tomado pelo confronto entre mulher e computador. Onde a guitarra elétrica esteve um dia, agora se encontram softwares como o Auto-Tune (um programa afinador de vozes e instrumentos), sintetizadores e baterias eletrônicas. Das 11 faixas que integram o CD, apenas uma não se utiliza desses recursos.

Mas a mais poderosa das máquinas com que Gal digladia é um homem: Caetano Veloso. Principal porta-voz do compositor conterrâneo desde as primeiras gravações, em 1965, ela havia registrado até aqui mais de oito dezenas de canções do amigo. Recanto expande a parceria: é o primeiro álbum de Gal formado exclusivamente por criações inéditas de Caetano. Aos 69 anos, o músico também atua como diretor artístico e produtor do projeto, dividindo a segunda função com seu filho mais velho, Moreno Veloso. Só havia ocupado tais posições num disco anterior de Gal, em 1974, o hippie e idílico Cantar.

De sonoridade bastante contemporânea, Recanto conduz a intérprete a um ambiente parecido com o que Caetano construiu em seus dois discos solo de estúdio mais recentes, Cê (2006) e Zii e Zie – Transambas (2009), invadidos por músicos da geração de seus filhos. Entre os jovens alquimistas que acompanham e modernizam a voz da “Vaca Profana” (como Caetano a nomeou em 1984), estão Moreno e Zeca Veloso (outro filho do baiano), Kassin, Pedro Sá, Davi Moraes (filho do cantor Moraes Moreira) e Donatinho (filho do pianista João Donato). Na seção “velha guarda”, bem mais discreta do que a outra, figuram instrumentistas de gerações anteriores, como Jaques Morelenbaum, ao violoncelo.

Quatro décadas e meia atrás, a guerra entre as violas enluaradas e as guitarras envenenadas marcou a geração heroica da MPB universitária. Ao se centrar no embate voz-computador, Recanto alude àquele período. Mas os tempos de 1967 estão mortos, e o novo confronto evoca mais uma proposta de pacto do que uma declaração de guerra. Por isso, talvez seja mais preciso falarmos em diálogo, e não em duelo, batalha, embate ou confronto.

A faixa Autotune Autoerótico é a que melhor traduz o espírito do disco. Gal a inicia forçando a voz, de modo a lembrar uma matrona do Recôncavo Baiano. A garganta experimenta andar na corda bamba entre a afinação e a desafinação e termina reprocessada pelo Auto-Tune, num efeito robótico que a veterana cantora norte-americana Cher inaugurou em 1998, no álbum bem mais deslavadamente pop Believe. “Não, o Autotune não basta pra fazer o canto andar/ pelos caminhos que levam à grande beleza”, avisa Gal, de maneira espertamente contraditória. Por um lado, desanca o afinador de voz. Por outro, faz uso dele para obter efeitos que não alcançaria naturalmente.

Há, no entanto, muitos outros núcleos de tensão criativa em Recanto, e dois dos maiores são Miami Maculelê e Neguinho. O primeiro obriga Gal a brincar com os sons eletrônicos e extremamente pop do funk carioca e dos fliperamas, enquanto a voz faz malabarismos com as sílabas de “são Dimas, Robin Hood e o anjo 45/ todos dançando comigo”. As citações conectam o Jorge Ben de 1969 (“Charles, anjo 45/ protetor dos fracos e dos oprimidos/ Robin Hood dos morros, rei da malandragem”) com os Racionais MC’s de 2002 (“aos 45 do segundo, arrependido/ é Dimas, o bandido/ primeiro vida loka da história”). O compositor baiano segue Mano Brown e equipara são Dimas, “o bom ladrão” do imaginário cristão, aos meninos das favelas brasileiras, enquanto prega a reconciliação entre o hip-hop paulistano e o funk carioca.

Neguinho é provavelmente o maior pulo do gato de Caetano no novo disco. A princípio, os versos parecem se referir a alguém que não é nem o compositor, nem a cantora, nem o público supostamente refinado que costuma acompanhá-los – uma referência muitas vezes crítica: “Neguinho compra três TVs de plasma, um carro GPS e acha que é feliz/ (...) neguinho vai pra Europa, States, Disney e volta cheio de si/ neguinho cata lixo no Jardim Gramacho”. Ao final, esclarece-se o enigma (“neguinho que eu falo é nós”) e a crítica vira autocrítica.

Outro ponto que aguça a reflexão em Recanto diz respeito tanto ao autor quanto a Gal (ou a qualquer um que os ouve). No disco Cê, Caetano despistava as dores de envelhecer com afirmações de potência sexual. Desta vez, porém, tais dores aparecem explícitas. “Tudo dói”, frase repetida inúmeras vezes pela cantora na faixa de mesmo nome, é exemplo que soaria quase engraçado, não fosse o tom soturno da gravação e os versos amaros: “Viver é um desastre que sucede a alguns”.

Tristeza Profunda

Se em 2005 a intérprete gravara uma composição de Caetano denominada Luto, hoje a canção Madre Deus vai mais longe. Mira a morte de frente, sem meios-tons, sob melodia monótona revestida de ruídos ríspidos, desagradáveis: “Meu corpo todo desmede-se/ despede-se de si”, “frente ao infindo/ costas contra o planeta/ já sou a seta sem direção/ instintos e sentidos extintos/ mas sei-me indo”.

Os temas de morte e envelhecimento são os mais nítidos, mas não os únicos a afirmar que a tristeza é um dos (muitos) legados tropicalistas – não estamos mais nos anos 1990, quando músicas como A Luz de Tieta (1996) diluíam a melancolia em profissão de fé na alegria feroz da axé music. Nessa linha, Recanto Escuro constitui outro dos núcleos nervosos do CD. A voz potente de Gal e a linda e grave melodia são perturbadas o tempo todo por interferências de rádio, ou agulhas raspando no vinil, ou coisa que o valha. “Eu venho de um recanto escuro”, “o álcool me faz chorar”, “só Deus sabe o duro que eu dei”, assume a voz sofrida da cantora.

“Tristeza profunda” é um termo que surge explícito em Segunda, a faixa de encerramento. É o único recanto totalmente orgânico, analógico de Recanto, com Moreno Veloso solando no violão, no violoncelo, no prato e na faca, num arranjo sertanejo-urbano, profundamente nordestino. A letra adota perspectiva proletária, de um(a) protagonista egresso(a) do processo de ascensão das classes C e D no Brasil. “Não vejo o nascer do dia/ mas pela Virgem Maria/ tenho dinheiro e patrão”, “eu mesmo sou mei galego/ o meu chefe no emprego/ é que é mulato pra negro:/ só ecos da escravidão”, “mas agora a minha sala/ tem geladeira de gala/ à dele quase se iguala/ muda o mundo em barafunda”.

Neguinho pode padecer de tristeza profunda, mas também luta bravamente para compreender a sociedade em que vive e para se transformar, como já fazia antes mesmo de se inventar tropicalista. Neguinho é Gal, é Caetano, é nós.

A querela psicanalítica do consumo

2012-01-24T14:08:00.000-03:00

Por Christian Dunker, da Revista Cult

A ideia de consumo conspícuo foi introduzida por Veblen em 1899 para designar a atitude da classe média norte-americana interessada em adquirir produtos e bens com a função de assinalar sua posição social como classe “emergente”. O consumo conspícuo é um tipo de patologia do reconhecimento. O processo de escolha soa vulgar, a decisão de compra figura imprópria, a performance de uso é inautêntica, e o conjunto cai como “mostração”. Essa demanda de diferenciação realiza um esforço de ajustamento e o legítimo desejo de ser reconhecido como “alguém”. Ela é um apelo ético para suspender a indiferença ressentida que nos transforma em apenas “mais um indivíduo”. Uma aspiração estética genuína a sermos reconhecidos como “únicos” em nossa relação de consumo singular.

O que fazer quando o lugar de onde viemos não combina mais com a posição na qual nos encontramos? Esse é o elemento histórico decisivo na mudança do papel social da cultura na modernidade. Quando pessoas sem origem precisam tomar posição em meio a outras percebidas como donas do lugar, a cultura torna-se signo de ascensão social e terreno real da luta por reconhecimento. Começa a tensão entre cultura popular e erudita. Instala-se a querela do luxo, na qual o consumo é percebido como um mal necessário. A parábola da colmeia (Mandeville, 1714) estabelece a relação liberal canônica entre vícios privados e benefícios públicos. A falsa escolha forçada entre o consumo progressivo de bens inúteis e o entrevamento regressivo em uma cultura de subsistência.

Pelo consumo, três exigências se expressam: autenticidade, autonomia e não dependência. Daí que ele envolva três “soluções típicas” atinentes à forma como nos desligamos de um lugar de origem (não dependência), subjetivamos um complexo de desejos (autonomia) e destinamos o resíduo que acompanha a operação de consumo (autenticidade). Lacan argumentou que a psicanálise precisa fazer a crítica desses três ideais modernos: autonomia, independência e amor concluído (autenticidade). Mas ele pensava o problema do ponto de vista da produção e da autoridade simbólica necessária para sustentar as inversões entre desejo de reconhecimento, reconhecimento de desejo, assim como o destino do que sobra. Quando passamos da produção para o consumo, o terceiro termo ganha primazia. Na querela psicanalítica sobre o luxo, há os que consideram o consumo expressão maior de nossa orientação liberal subjetiva (autonomia), os que resistem de forma romântica a reduzir nossa liberdade a opções de compra (não dependência) e os que acreditam na mutação do supereu como expressão maior do empuxo ao consumo (inautenticidade).

À luz das querelas

Às vezes, o sentido das querelas é iluminar a posição do problema, mais do que decidir os termos de sua solução. Argumento que a controvérsia do consumo admite de uma falsa unidade de seu objeto. Por exemplo, o consumo conspícuo é uma marca dos que preferem “queimar pontes”, deixar as origens para trás, criando uma fuga para a frente como experiência compulsoriamente definida pela necessidade de inventar novos começos. O temor ao passado denuncia a iminente tragédia ou farsa. A coleção de signos funciona como certidão de acesso e antídoto contra a vergonha das origens – como se vê na trajetória de Kurt Cobain, que, apesar da carreira de sucesso, ressentia-se com a solidão.

Mas há o consumo que funciona para reforçar ou comemorar o reconhecimento da origem, impondo-a como decoração obrigatória da nova morada. Atormentados pela ideia de que o triunfo se tornará fracasso, encontram na solidez e permanência do lugar de onde vieram um antídoto para o sentimento de vazio. É o caso de muitos pais demasiadamente protetores, em seu esforço para recriar uma realidade artificial exclusiva para o “consumo interno”, tal qual se viu no caso de Michael Jackson.

Finalmente, há os que tomam como centro de gravidade narcísica o resíduo. Identificam-se com a própria contradição que define seu estilo errante e desprendido. Sem passado nem futuro, desdenham tanto dos ideais de progressivo ajustamento quanto das aspirações de inovação regressiva. São os autênticos que duplicam sua satisfação no consumo pela inveja que inspiram ou imaginam no outro. Consumo conspícuo, críptico e autêntico são modalidades do que Lacan chamou de semblante. Se os primeiros partilham das aparências e os segundos apegam-se à essência das imagens, os autênticos são os que entenderam o verdadeiro conceito de atitude, ou seja, de que a essência da relação de consumo é tomar a aparência como aparência, de acordo com a lição trazida por Lady Gaga.

Do mosteiro ao picadeiro - Umberto Eco, 80, e sua mente plural

2012-01-23T14:12:00.005-03:00

Por Francesca Angiolillo, da Ilustríssima

"Todas as perguntas possíveis já me foram feitas", diz Umberto Eco, após terminar o café, afundado numa poltrona da sala de visitas de sua casa, em Milão. A cigarrilha apagada, hábito de ex-fumante, pende de um lado da boca. "Só não me perguntam, sei lá, quais são os sete anões. Eu responderia que, quando tento me lembrar, sempre são seis."

Ao fundo, atrás de sua calva, vê-se, de um lado, uma coleção de conchas do mar, escrupulosamente organizadas; de outro, em atris, livros ilustrados do fim do século 19. São alguns dos originais de onde saíram as ilustrações de seu mais recente romance, "O Cemitério de Praga".

O "Cemitério" foi recebido como a volta de um mestre ao gênero que o consagrou (após um romance nostálgico e de fundo autobiográfico, "A Misteriosa Chama da Rainha Loana"): uma trama de mistério, com crimes sangrentos e um protagonista que chega a ser comovente em sua pusilanimidade.

A entrevista tem por mote o lançamento do livro no Brasil mas também os 80 anos do escritor, nascido em 5 de janeiro de 1932, na piemontesa Alessandria, cuja fama vem dele e dos chapéus Borsalino. Em várias fotos para a imprensa, ele ostenta, com elegância algo zombeteira, um modelo negro da marca.

ROMANCE

Eco, o romancista, nasceu em 1980, após sobrevir-lhe o desejo de envenenar um monge: assim o escritor define o motor inicial de seu "O Nome da Rosa", best-seller de cifras milionárias, levado ao cinema em 1986 por Jean-Jacques Annaud, com Sean Connery e Christian Slater.

Àquela altura, o nome do professor italiano era já conhecido: foram muitos ensaios e títulos de teoria, da poética do escritor irlandês James Joyce ("Sou joyciano, não proustiano", diz, e exibe uma estante forrada de primeiras edições de "Ulysses" em diferentes idiomas) a análises da comunicação de massa (seu primeiro emprego pós-doutoramento em filosofia, em 1954, foi como editor de cultura num dos canais da rede televisiva RAI).

O manual "Como se Faz uma Tese", de 1977, ainda hoje é referência em cursos de ciências humanas. Mas o currículo de Eco faz com que ele frequente as bibliografias de muitas disciplinas que não só as de metodologia.

Umberto Eco navegou nas principais ondas que atravessaram os estudos da linguagem na segunda metade do século 20, do estruturalismo à teoria da recepção e à narratologia, parando às margens do pós-estruturalismo; cobriu da filosofia às tirinhas do Snoopy.

Cunhou expressões que se tornaram muletas do discurso universitário: atire a primeira pedra quem nunca disse que toda obra é "uma obra aberta" ou aquele que não juntou numa frase, dita à mesa do bar, "apocalípticos" e "integrados".

Foi a ficção, porém, que levou seu nome aos píncaros da cultura de massa.

No Brasil, "O Nome da Rosa" saiu em 1984 pela Nova Fronteira. A diretora editorial da casa, Leila Name, qualifica o livro como "uma bomba de sucesso" cujo efeito se multiplicou com o filme. Pelos registros da Nova Fronteira, a primeira investida de Eco na ficção teve no Brasil mais de 45 reimpressões e vendas acima de 600 mil exemplares.

Hoje, sua obra ficcional está toda na Record, que também lança alguns de seus livros de ensaios, como "A História da Beleza" e "A História da Feiura", almanaques eruditos de popularização da história cultural. Somados, seus títulos na casa venderam cerca de 550 mil exemplares -91 mil deles de "O Cemitério de Praga".

Sergio Machado, presidente do Grupo Editorial Record, lembra a aquisição de "O Pêndulo de Foucault", segundo romance de Eco, em um leilão -"via fax, telex"- comandado por seu pai, Alfredo Machado nos idos de 1988. A quantia acertada pelos direitos do segundo romance de Eco era uma cifra "inédita", US$ 130 mil (cerca de US$ 237 mil, em números corrigidos, o equivalente a R$ 420 mil).

"Na época, US$ 20 mil eram um absurdo", situa Machado. O editor se esquiva de fornecer valores atuais, mas diz que a soma paga por um livro de Eco "não anda para trás" e "vem subindo de forma consistente".

Dali em diante, tudo o que Eco escreveu atingiu números superlativos -inclusive o que menos vendeu na Record, "A Misteriosa Chama da Rainha Loana", com "apenas" 48 mil exemplares. "Este foi um pelo qual a gente pagou mais do que devia", diz o editor. "As pessoas querem mais do mesmo."

Eco não discorda. "Todos falam que escrevo romances eruditos, difíceis", diz o escritor. "Quando escrevi um fácil, que todo mundo entende, 'A Misteriosa Chama da Rainha Loana', foi o que menos vendeu. Dá para ver que sou um autor para masoquistas."

DAN BROWN

Muitos intelectuais, porém, não engolem a combinação de sucesso comercial e erudição de Eco, tachando-o de uma espécie de Dan Brown mais cultivado. O raciocínio é um velho conhecido no Brasil, onde serve para desqualificar, por exemplo, os romances de Chico Buarque: se o autor vende bem e é pop, mau sinal -só pode ser um picareta.

"Ter Umberto Eco nas estantes da sala é, para muitos, inclusive os que jamais leram uma linha desses livros, uma questão de 'status cult'", diz a professora Lucia Santaella, da PUC-SP, colega em semiótica de Eco, a quem tece "críticas até mesmo bastante severas". Para ela, o italiano é uma espécie de grife, que "compõe bem a pose dos pseudointelectuais que brilham nas grandes praças dos lançamentos do 'big show business'".

Um de seus detratores contumazes na Itália, o romano Alfonso Berardinelli, estrela da crítica italiana atual, diz -citando Kafka- que Eco está no centro do mundo, onde se acumula toda a sua imundície, "a prodigiosa escória".

"Escrevi pelo menos quatro ou cinco artigos e ensaios contra Eco", rememora à Folha. "Não posso dizer nada de novo; Eco me aborrece faz tempo, e o que eu tinha a dizer já disse há 20 ou 30 anos. Fico maravilhado em ver como agrada", afirma o autor de "Da Poesia à Prosa" (Cosac Naify).

"Parece engraçado e brilhante, mas na realidade é um professor que não cessa de mesclar erudição e piadas com veia estudantil. E sem fazer rir. É quase uma ofensa à literatura italiana que ele seja seu autor mais notável."

Berardinelli diz ainda não conhecer nenhum escritor -"nem na Itália, nem fora"- que goste mesmo de Eco. "Sua fama é puramente comercial. É um fenômeno de circo, um autor que impressiona professores de escola."

PICADEIRO

No meio do picadeiro pós-lançamento, Eco segue imperturbável: profere pausadamente um discurso que soa familiar, pois volta e meia as palavras se repetem em manifestações públicas e entrevistas.

Pudera: a vida literária muitas vezes rivaliza com a de um roqueiro, com cansativas turnês de lançamentos ("Voltei dos EUA com o ombro arruinado, depois de autografar 3.000 livros", conta) e solicitações para opinar publicamente sobre todo e qualquer fato relevante (menos sobre os sete anões).

Seu apartamento é uma grande biblioteca -são 30 mil volumes; outros 20 mil, estima, estão em sua casa de campo-, mas nada de labirintos compartimentados, apesar de o edifício ser um antigo hotel. À entrada, mapas antigos recebem o visitante; a sala é luminosa e ordenada, com móveis discretos e claros; nas paredes, arte contemporânea; pela janela vê-se a torre do castelo Sforzesco, famoso marco turístico milanês.

A antiga residência dos duques de Milão remonta à Idade Média, período dileto de Eco, que se doutorou pela Universidade de Turim em 1954 com uma tese sobre a questão estética em São Tomás de Aquino. Mas da fortaleza que foi, após múltiplos ataques e sucessivas reconstruções, praticamente nada de original resta.

"Os turistas vêm aqui ver o castelo, onde é tudo falso, e não vão a Brera, onde tem Rafaello, o Cristo de Mantegna, Piero Della Francesca", lamenta o escritor.

FALSÁRIO

O falso e o verdadeiro são um tópico da obra de Eco. Simone Simonini, o protagonista de "O Cemitério de Praga", é um falsário. Ou melhor, "o" falsário: Eco atribuiu a ele os grandes crimes contra a verdade que marcariam a virada para o século 20 e, mais que todos, os apócrifos "Protocolos dos Sábios de Sião", conjunto de escritos antissemitas que teriam servido a Hitler para a fundamentação do nazismo.

"Havendo-me ocupado de problemas de linguagem e comunicação desde 1975, escrevi que o que caracteriza toda forma de signo e de linguagem humana é a possibilidade de mentir. Um cão não mente jamais. Quando late, é porque tem alguém lá fora: nunca aconteceu de um cão latir para que se pense que há alguém lá fora, sem que haja -o homem sim."

"O problema da mentira implica o problema da falsificação. Entre as falsificações mais trágicas, eis os 'Protocolos dos Sábios de Sião', aos quais dediquei vários escritos. Acho que fiz também algumas descobertas -como a de que trata o romance, que uma das fontes era 'Joseph Balsamo', o livro de Dumas."

O romance de Alexandre Dumas, pai, de 1849, se inicia com uma cena em que maçons entronizam o protagonista em sua seita secreta. A descrição teria inspirado a conspiração de rabinos dos "Protocolos", forjada no cemitério judaico da capital tcheca, que se teriam congregado para tramar a dominação do mundo.

O "documento" (que difama os semitas "num patchwork contraditório que não se poderia levar a sério, mas que foi muito levado a sério") justificaria o ódio aos judeus e seu extermínio preventivo.

"Ninguém sabe como surgem os 'Protocolos': como nasceram, quem os fez, em quantas fases. Por isso fiquei livre para atribuir tudo a Simonini", diz. E explica que Simonini é o único personagem fictício no romance, um "feuilleton" oitocentista.

Ele frisa, porém que, Simonini, apesar de inventado, "é mais verdadeiro que os demais".

"Eu estava sempre pensando em pessoas que conhecemos, falsários, jornalistas vendidos, que sabemos quem são, até o nome e o sobrenome. Minha ambição seria que os leitores usassem o livro como um guia para visitar o mundo dizendo 'lá vai um Simonini'."

Eco arrisca uma leitura psicológica das motivações para a obsessão central de Simonini, que é o ódio aos judeus fomentado nele pelo avô desde a infância.

"Descobri que algumas pessoas acabam odiando alguém porque lhe fizeram mal -veja bem, não odeio alguém porque alguém me fez mal, mas porque eu lhe fiz mal e depois o odeio. Mas por quê? Porque tento esquecer que eu sou o culpado e tento me convencer de que ele merecia meu ódio."

E garante: "Aconteceu comigo também: gente que aprontou comigo depois escreveu artigos contra mim. Mas entendi que tinham sido desrespeitosos comigo e depois precisavam se justificar".

Como reza o título da mais recente coletânea de ensaios de Eco -o ainda inédito em português "Costruire il Nemico" (2011), no qual se reconhecem temas e aspectos de "O Cemitério de Praga": é preciso construir o inimigo.

CRÍTICA

Eco diz "desconfiar muito da chamada crítica militante, a que se faz nos jornais, em comparação com a crítica acadêmica".

"Antes, quando saía um livro, o diretor do jornal dava seis meses ao crítico para ler; não havia necessidade de falar dele no dia seguinte. Hoje o crítico lê sempre numa situação de pressa e fica sujeito à estação, à dor de cabeça, ao que comeu na noite anterior. Se tivesse tido seis meses, comendo cada dia algo diferente, a sua leitura seria mais equilibrada."

E, como que a precaver-se de um ataque, emenda: "Note-se que eu acho desequilibradas não só as críticas que falam mal de meus livros mas também as que falam bem; elas às vezes me irritam porque falam bem pelos motivos errados."

Ele se irrita, também, quando inquirido se existem de fato "motivos errados". Parece condenado a relembrar que a obra é aberta, sim, mas que a interpretação tem limites: "A minha posição é muito clara: não sou um desconstrutivista que acha que um texto pode ter qualquer significado e que cada um pode ler como quiser. A liberdade da leitura é sempre determinada pelo objeto que está lá."

SEMIÓTICA

Se a semiótica foi devorada por outros estudos e devolvida sob outros avatares acadêmicos, a culpa é em parte de Eco.

Com rara clareza numa ciência em que a obscuridade volta e meia era confundida com argúcia, o italiano aplicou conceitos da ciência dos signos em estudos amplamente difundidos e citados (mesmo que muitas vezes de orelhada) fora do âmbito dos semioticistas, alastrando-os para campos mais diversos e talvez menos cerebrais.

Sempre evocada quando se pensa em semiótica, sua produção, porém, não empolga seus pares. Para Lucia Santaella, o pensamento que ele produziu é "miscigenado": "Ele mistura indiscriminadamente correntes, autores, teorias, criando uma salada complexa e difícil de entender."

A professora não nega a Eco o papel de "intelectual engajado", que, "alerta, marca sua posição acerca dos eventos", "como um jornalista bem dotado".

"Ele é escritor prolífico. Nos inúmeros congressos de que participei em que ele estava presente, comentava-se que ele escrevia até nos táxis. De fato, ele tem a veia dos gênios. Sua genialidade é a do discurso", concede Santaella.

PARÓDIA

O discurso de Eco tem um aspecto brincalhão que parece atiçar parte da crítica contra ele e marca, por exemplo, seus dois "Diários Mínimos", divertidas coletâneas de paródias e pastiches intelectuais, que em maio ganham nova edição [Record, trad. Joana Angélica D'Avila Melo e Sergio Duarte, 560 págs., R$ 62,90; leia trecho de "Nonita" à pág. 10].

A despeito do lado gracioso, Eco tem para sua literatura pretensões nada triviais. Seus diversos ensaios sobre a leitura, como "O Papel do Leitor", e livros sobre o tema, como "A Obra Aberta" e "Lector in Fabula", talvez sejam o retrato do que o Eco ensaísta esperava do Eco romancista: a forja, no mundo real, de um leitor modelo.

"Que leitor modelo eu queria quando estava escrevendo?", inquire retoricamente Eco em seu "Pós-escrito a 'O Nome da Rosa'" (Nova Fronteira, 1985). "Um cúmplice, claro, que entrasse no meu jogo. Eu queria tornar-me completamente medieval e viver na Idade Média como se esta fosse minha época (e vice-versa)", escreve.

"Mas, ao mesmo tempo, eu queria, com todas as minhas forças, que se desenhasse uma figura de leitor que, superada a iniciação, se tornasse meu prisioneiro, ou melhor, prisioneiro do texto e pensasse não querer nada mais do que aquilo que o texto lhe oferecia."

Questionado se o teórico transparece no romancista, ele nega. Diz que, se é que se encontram reflexos de sua teoria na sua ficção, é "porque evidentemente eu não sou esquizofrênico": "Até os ginecologistas se apaixonam. Sustento que você pode ter a teoria que for, mas, quando lê, se aquilo o cativa, ao menos numa primeira fase da leitura esquece a teoria."

Berardinelli, seu crítico mais feroz, faz uma descrição tão ácida quanto acertada do que é tentar definir a produção de Eco.

Assim diz, no texto "Umberto Eco e Seu Pêndulo", publicado aqui em edição da revista "Remate de Males" organizada pela professora Maria Betânia Amoroso no primeiro semestre de 2005:

"Toda vez que se cai na armadilha de seguir enumerativamente a vertiginosa pluralidade da mente de Eco, se acaba por ter que desistir derrotado: estamos frente ao inesgotável [...]. Se eu também me pusesse a enumerar tudo aquilo que ele enumera não faria nada mais do que lhe fazer eco."

Quando dá branco

2012-01-20T14:54:00.000-03:00

Por Juliana Vines, da Revista Equilíbrio

Esqueceu uma coisa importante? Normal. Qualquer pessoa saudável, em qualquer idade, pode ter lapsos.

"Não existe memória absoluta", diz Iván Izquierdo, neurocientista argentino radicado no Rio Grande do Sul, autor de "Memória".

"Brancos" acontecem por motivos comuns: nervosismo, estresse, insônia, cansaço, excesso de informações.

"O estresse faz com que seja liberado o hormônio cortisol, que age no cérebro impedindo a evocação de memórias", explica Izquierdo. São exemplos cantores que se esquecem das letras e estudantes que não se lembram de nada na hora da prova.

Se for crônico, o estresse também pode atrapalhar a aquisição de informações.

"A memória é uma função cognitiva dependente dos processos de atenção. Qualquer coisa que interfira na concentração pode prejudicá-la", afirma Mônica Sanches Yassuda, neuropsicóloga e pesquisadora.

A falta de sono é uma das principais inimigas da boa memória. De acordo com o neurologista Luciano Ribeiro Pinto Júnior, dormir pouco resulta em perda de atenção no dia seguinte, além de atrapalhar no armazenamento de informações anteriores.

"As lembranças são consolidadas quando dormimos, principalmente no terço final da noite, no sono REM [em que acontecem os sonhos]."

O problema é que muitas pessoas têm cada vez menos episódios de sono REM. "Dormimos mais tarde e acordamos mais cedo. Isso faz com que sejamos privados desse tipo de sono. A longo prazo, isso pode até causar perda irreversível da memória."

O consumo de álcool também pode prejudicar as funções cerebrais de forma irreversível. É a chamada demência alcoólica, diferente daquela "amnésia" que acontece depois de uma bebedeira.

A demência aparece ao longo dos anos e é comum entre dependentes químicos, explica a psiquiatra Carla Bicca, da Abead (Associação Brasileira de Estudos do Álcool e Outras Drogas).

Já a "amnésia alcoólica" aparece uma vez ou outra. "Nem todo mundo tem esse apagão, ele não deve ser comum. Se você tem sempre, é um alerta: ou é mais vulnerável ou está exagerando."

AMNÉSIA PROTETORA

O esquecimento não é ruim. Para a neurologia, é tão importante quanto a lembrança. "Para recordar seletivamente o que interessa você tem que inibir, bloquear ou esquecer certas coisas. É inútil lembrar-se de tudo", diz o neurologista Benito Damasceno.

A inibição de uma lembrança pode acontecer quando o fato é perturbador ou traumático. "É uma forma de a pessoa seguir em frente", afirma Damasceno.

A amnésia de fatos ruins também é vista pela psicanálise como normal. "Faz parte do equilíbrio da mente deixar alguns fatos no âmbito do inconsciente. Mas, se houver um esquecimento grande, pode indicar um desequilíbrio que precisa ser trabalhado em terapia", diz a psicanalista Giselle Groeninga.

Às vezes, esquecer parece com mentir. Mas, nos casos mais comuns, é tudo culpa do cérebro, que não só não grava com perfeição (daí os lapsos), como nos engana criando falsas lembranças.

Isso tudo só é preocupante quando os apagões são frequentes e interferem no cotidiano -e você se esquece de pagar uma conta, digamos.

Esse lapso é mais comum depois dos 45 anos e pode ser sinal de perda cognitiva, diz a neuropsicóloga Ivanda Tudesco. "O alerta é a mudança de comportamento: a pessoa que nunca esquecia panela no fogo e passa a esquecer."

Em pessoas mais jovens, é comum que os esquecimentos sejam causados por excesso de tarefas e desorganização. "Passar a usar lembretes e agenda já ajuda. Todo mundo precisa de lembrete, é um recurso saudável e fácil."

SEM RECEITA

Não tem uma fórmula para melhorar a memória. Mas sempre é bom reforçar quegravar um fato depende de concentração e interesse.

"Estar motivado aumenta o tônus cerebral, criando uma situação ótima para que informações sejam registradas", diz Benito Damasceno.

Uma dica é pensar no significado da informação e tentar fazer o maior número de associações possíveis. "Se associarmos vários sentidos, fica mais fácil de lembrar."

Usar as informações várias vezes também faz com que exista mais chances de aquela memória ser consolidada.

Jogos e exercícios de treinamento ajudam, mas não resolvem o problema, segundo a neuropsicóloga Gislaine Gil, do Hospital Alemão Oswaldo Cruz.

"Não adianta a pessoa ficar boa em um jogo e continuar perdendo a chave de casa. É mais útil você tentar lembrar antes de dormir o que fez durante o dia do que jogar jogo da memória."

Ela dá algumas orientações de organização. "Faça uma lista do que você precisa fazer no dia, organize a gaveta e a mesa de acordo com o uso dos objetos e guarde coisas que somem (óculos, chave) no mesmo lugar."

EUA: projeto antipirataria perde força após protesto virtual

2012-01-19T11:54:00.000-03:00

Manifesto - Apagão da Wikipédia liderou protestos contra projetos de lei antipirataria

Do Portal Terra

Proeminentes congressistas americanos retiraram, ontem (19), o apoio à lei antipirataria discutida no Senado dos Estados Unidos após forte pressão de sites como Google e Wikipedia. Entre os que mudaram de posição estão dois dos propositores dos projetos de lei, os senadores Marco Rubio, da Flórida, e Roy Blunt, do Missouri. Vários outros senadores e deputados também retiraram o apoio às propostas.

Na quarta, a enciclopédia eletrônica Wikipédia tirou do ar sua versão em inglês por 24 horas, deixando na página inicial os dizeres: "Imagine um mundo sem conhecimento". O Google não saiu do ar, mas inicialmente colocou uma tarja preta na homepage de seu site americano; depois, postou, abaixo da linha de busca, o link "Diga ao Congresso: Por favor, não censure a internet!".

O protesto é direcionado aos projetos de lei Sopa (Stop Online Piracy Act, ou Lei para Parar com a Pirataria Online) e Pipa (Protect Intellectual Property Act, ou Lei para Proteger a Propriedade Intelectual), que estão sendo debatidos, respectivamente, na Câmara dos Representantes (deputados federais) e no Senado dos Estados Unidos.

As propostas opõem produtores de conteúdo - como emissoras de TV, gravadoras de músicas, estúdios de cinema e editoras de livros, que se sentem lesadas pela pirataria - às empresas de tecnologia do Vale do Silício, que alegam que os projetos ferem a liberdade inerente à internet e dão excessivo poder para quem quiser tirar websites de circulação.

Outros sites, como o o blog tecnológico Boing Boing, também participaram do "apagão", o maior em envergadura de que se tem notícia no mundo digital. O portal de notícias Politico estima que 7 mil sites participaram do protesto. No outro lado, o presidente da Motion Picture Association of America (MPAA), Chris Dodd, classificou o protesto como "irresponsável".

"Empresas de tecnologia estão recorrendo a manobras que punem seus usuários para transformá-los em seus peões corporativos, ao invés de vir para a mesa a fim de encontrar soluções para um problema que todos agora parecem concordar que é real e muito prejudicial ", disse Dodd.

Falta de consenso

Os projetos seriam examinados pelo Senado na próxima semana. O presidente da Câmara dos Representantes (equivalente à Câmara dos Deputados), o republicano John Boehner, já reconheceu, no entanto, que "falta consenso" nesse momento para os projetos terem seguimento no Congresso.

O porta-voz da Casa Branca, Jay Carney, admitiu que o problema da pirataria virtual precisa ser encaminhado, mas "de forma que não infrinja a liberdade e a internet aberta". A ONG Repórteres Sem Fronteiras se juntou ao protesto, dizendo que tais leis "sacrificam a liberdade de expressão online em nome de combater a pirataria".

Outros gigantes da internet como a rede social Facebook e o microblog Twitter também manifestaram sua oposição. O cofundador do Twitter, Jack Dorsey, pediu a seus 1,8 milhão de seguidores para dizer "Não ao Congresso". O cofundador do Facebook, Mark Zuckerberg, disse que "continuará a se opor a qualquer lei que fira internet".

Penas para pirataria

Os projetos, que tentam combater especialmente a proliferação de cópias piratas de filmes e programas de TV e outras formas de pirataria de conteúdo midiático em servidores internacionais, propõem penas de até cinco anos de cadeia para pessoas que sejam condenadas por compartilhar material pirateado dez ou mais vezes ao longo de seis meses.

As propostas também preveem punições para sites acusados de "permitir ou facilitar" a pirataria. Estes podem ser fechados e banidos de provedores de internet, sistemas de pagamento e anunciantes, em nível internacional. Em tese, um site pode ser fechado, a pedido do governo dos EUA ou de geradores de conteúdo, apenas por manter laços com algum outro site suspeito de pirataria.

Além disso, o Sopa, se aprovado, também exigiria que ferramentas de busca removessem os sites acusados de pirataria de seus resultados

Jogos políticos

Analistas dizem que o "apagão" da quarta é o primeiro grande teste das empresas do Vale do Silício em uma batalha contra uma indústria muito mais organizada, a de mídia e entretenimento. Para o New York Times, a amplitude do protesto da quarta marca uma "maturidade política" de um setor - o de internet - que é "relativamente novo e desorganizado e que em geral se manteve distante de lobbies e outros jogos políticos de Washington".

"Pela primeira vez, está claro que a legislação pode ter um impacto direto na habilidade da indústria (de internet) em funcionar", disse ao jornal nova-iorquino a diretora-gerente da organização New York Tech Meetup, Jessica Lawrence. "Foi um chamado de alerta."

Ao mesmo tempo, o senador Patrick J. Leahy, democrata e autor de projetos de proteção de direitos autorais na web, acusou os opositores do Pipa e do Sopa de tentarem "criar (clima de) medo" ao realizar o "apagão digital". "Proteger criminosos internacionais (em referência aos piratas de conteúdo) em vez de proteger os direitos autorais americanaos é irresponsável e custará empregos", afirmou em comunicado.

Como nasce uma ditadura

2012-01-18T12:41:00.001-03:00

Por Eleonora de Lucena, da Ilustríssima

RESUMO Coletânea em três volumes, estruturados por regiões do planeta, busca explicar de que maneira regimes autoritários são legitimados e como seus valores transparecem nas sociedades. Ensaios abrangem da Alemanha nazista à Tunísia que, nos últimos anos, tornou-se precursora da Primavera Árabe.

NOS ÚLTIMOS MESES, a democracia tem sido colocada em xeque de forma explícita pelos mercados financeiros. Na Europa, a simples ideia de um plebiscito para aprovar medidas de arrocho à sociedade levou as finanças ao chilique. Governos foram derrubados, e os novos indicados prometem cumprir a cartilha para garantir os ganhos privados e os sacrifícios públicos.

Lideranças à direita ganham relevo. Manifestações e greves se esparramam. Nos Estados Unidos, os protestos contra a desigualdade -os vários Ocupe Wall Street- são enxotados dos espaços públicos. A Primavera Árabe apenas engatinha: as eleições começam, mas não esvaziam as praças nem detêm confrontos violentos.

No Brasil, foi criada a Comissão da Verdade para investigar os crimes das ditaduras. Enquanto isso, muitas empresas estão preocupadas com o crescimento na China. Uma desaceleração econômica e/ou uma desestabilização política puxada pela classe média ascendente poderia ter impacto significativo por aqui.

Todos esses temas encontram algum tipo de reflexão histórica na leitura de "A Construção Social dos Regimes Autoritários - Legitimidade, Consenso e Consentimento no Século 20", coletânea organizada por Denise Rollemberg e Samantha Viz Quadrat. , ambas professoras.

São três volumes, estruturados por regiões do planeta, que trazem 39 artigos, totalizando 1.340 páginas. Tratam da Alemanha nazista, da Espanha franquista, da Itália fascista. Falam da extinta URSS, da Coreia do Norte, do Uruguai. Discutem os papeis desempenhados por Alfredo Stroessner, António Oliveira Salazar, Alberto Fujimori. Debatem a ditadura militar no Brasil.

Na tentativa de costurar dessa colcha de retalhos, as organizadoras lançam duas perguntas: 1) Como um regime autoritário/uma ditadura obteve apoio e legitimidade na sociedade?; e 2) Como os valores desse regime autoritário/ditatorial estavam presentes na sociedade e, assim, tal regime foi antes resultado da própria construção social?

O resultado é irregular e incompleto. Alguns textos partem de aspectos laterais para buscar esse todo articulado da tese do autoritarismo como produto social. Poucos reúnem informações detalhadas sobre o país focado. Faltam dados sobre os autores escolhidos (38 no total). No conjunto, apesar das falhas, o mosaico é interessante.

CARICATURA O volume "África e Ásia" [392 págs.], por exemplo, traz dois artigos sobre a Tunísia. O mais vigoroso é de Michel Camau. Professor de ciência política da Universidade de Aix-en-Provence, na França, ele argumenta que o país africano, precursor da Primavera Árabe, transformou-se numa caricatura das "contradições da suposta democratização do mundo no contexto da intensificação e da liberalização do comércio".

Partindo da herança colonial na formação das elites do país, o autor desenvolve o conceito de "autoritarismo de mercado", que mescla repressão, mercado aberto aos produtos europeus, liberdade para os capitais e controle das migrações. Uma estratégia que Camau resume assim: "Os mercados, agora; a democracia, depois".

No outro artigo, a pesquisadora francesa Béatrice Hibou mostra as ligações entre o Estado de Ben Ali e os empresários, que receberam financiamentos e outras benesses no "milagre econômico" tunisiano. Os dois capítulos foram escritos antes da revolta que derrubou o ditador e destampou a panela de pressão de toda a região. Mas ajudam a entender as razões da revolta.

Já para compreender a situação chinesa, Jonathan Unger se debruça nos motivos que levam a classe média urbana do país a aderir ao regime. Diretor do Centro da China Contemporânea da Universidade Nacional da Austrália, ele descreve como o crescimento viabilizou aumentos de salários para professores, médicos, engenheiros e funcionários públicos.

Lembra que, num único ano, no final dos 1990, o salário de todos os professores das universidades públicas mais prestigiadas dobrou. "Se houver outra explosão como a de Tiananmen, muitos deles [os instruídos urbanos] vão preferir o outro lado das barricadas -o lado do governo", prevê.

ESFACELAMENTO Urger tem a avaliação de que a classe média chinesa se tornou um bastião do regime e passou a rejeitar a liberalização política ao olhar o exemplo da União Soviética de Mikhail Gorbatchov. Ali o esfacelamento, que acaba de completar 20 anos, trouxe queda vertiginosa do padrão de vida e corrupção. Por isso, para ele, não há espaço para mudanças.

A trama entre política e economia também aparece com força no artigo sobre o controvertido Jean-Bedel Bokassa, presidente da República Centro-Africana de 1966 a 1979. Brian Titley, professor da Universidade de Lethbridge em Alberta, no Canadá, descreve como os interesses coloniais, da elite local e do Estado se entrelaçaram.

Quando essa costura se rompeu e Bokassa nacionalizou petrolíferas e empresas francesas, passou a ser pintado como extravagante e monstruoso: seus inimigos eram jogados aos crocodilos e ele comia carne humana. Histórias inventadas pelo serviço secreto francês, conta Titley, para quem "só destruindo a reputação de Bokassa seria possível justificar a invasão que o derrubou".

Não há nada sobre Muammar Gaddafi na coleção.

O volume "Europa" [309 págs.] traz análise de Robert Gellately, professor de história da Universidade da Flórida, sobre a Alemanha. Ele aponta como "o desemprego minou a força dos trabalhadores organizados e muitos começaram a achar que deveriam dar uma oportunidade a Hitler".

Gellately recorda que os primeiros campos de concentração foram criados em 1933, saudados pela imprensa como "lugares para onde mandar os comunistas e outros inimigos do povo". Lembra a perseguição do regime a minorias e a campanha de esterilização em massa, que não teve resistência da Igreja Católica.

No mesmo volume, Marc Ferro, em texto de 1985, aborda a URSS. Já o regime de Vichy é avaliado por Marc Olivier Baruch. Professor da Escola de Altos Estudos em Ciências Sociais de Paris, ele destrincha como as elites francesas se acomodaram ao sistema de capitulação aos nazistas. Enfatiza as ambiguidades e de como esse lado da história teima em ser esquecido. Afinal, nem todos que alegaram ter participado da resistência a Hitler de fato estiveram nessa luta.

AMBIGUIDADES Questão semelhante é levantada em relação ao combate ao regime militar no Brasil: se todos se tornaram resistentes e democratas, como a ditadura durou 21 anos?, perguntam as organizadoras da obra. Na busca de respostas, há artigos sobre as marchas da Família com Deus pela Liberdade (foram 69, 80% delas após o golpe militar), a Associação Brasileira de Imprensa (que teve comportamento ambíguo em alguns momentos), a Arena (o partido da ditadura).

Mas o forte sobre esse período no volume "Brasil e América Latina" [606 págs.] é o enfoque cultural. Marcos Napolitano, professor de história da USP, tenta escapar da dicotomia entre resistência e cooptação e descreve uma produção artística cheia de meandros e contradições.

Napolitano mostra como a ditadura no início buscou dissolver as conexões entre a cultura de esquerda e os movimentos populares. Depois, com o Ato Institucional n° 5, ampliou a repressão, tentando atacar a mobilização da classe média. A partir de 1979, com a Anistia, quis controlar a desagregação do regime.

Usando conceitos do nacionalismo, a ditadura se aproximou de artistas e intelectuais de esquerda e financiou projetos (cinema, teatro, folclore etc.). A música popular dos festivais era uma válvula de escape para as críticas ao regime, que sonhava com uma reconciliação com a classe média. No final dessa época, o Estado atuou no processo de mercantilização cultural, nota o autor.

Seria bom acrescentar à análise o papel-chave que a televisão desempenhou durante todo o período. Também as conexões com o meio empresarial pouco aparecem nos textos.

No conjunto, os três volumes fazem um inesperado e difuso turbilhão de informações. Demonstram que não é possível explicar autoritarismos pela simples existência de populações infantilizadas ou medrosas. Apontam para os consensos e legitimidades -sem defendê-los, pedem as organizadoras. Registram nacos de "um século marcado por muitas ditaduras, em diversos países e continentes, com culturas, tradições e passados diversos, que tiveram apoio da sociedade".

William Shakespeare - Inspiração sem fim para o cinema

2012-01-17T11:53:00.000-03:00

Por José Geraldo Couto, da Carta Capital

William Shakespeare (1564-1616) viveu três séculos antes da invenção do cinema, mas não existe outro autor que tenha sido levado tantas vezes às telas: o Internet Movie Database (IMDb) registra nada menos que 858 títulos, entre longas-metragens, telefilmes e minisséries.

A primeira adaptação cinematográfica de Shakespeare de que se tem notícia é o curta britânico King John, de 1899, que mostrava apenas a cena da morte do protagonista. De lá para cá, cineastas de todos os cantos do mundo mergulharam no universo shakespeariano em busca de inspiração.

As peças mais revisitadas do bardo foram Hamlet, Macbeth e, claro, Romeu e Julieta. Alguns diretores de primeiro time, como Laurence Olivier, Orson Welles e Akira Kurosawa, têm vários Shakespeares em sua filmografia.

Do homem William Shakespeare não há muito o que dizer, até porque sua biografia é repleta de sombras e pontos cegos. Sabemos que nasceu em Stratford-upon-Avon e aos 18 anos engravidou a amante Anne Hathaway, oito anos mais velha, com quem casou e teve três filhos.

Aos 28 anos, já era um ator e dramaturgo conhecido em Londres. Em 1599 se tornou sócio do Globe Theatre, que ganhou patrocínio real quando o rei James subiu ao trono, em 1603.

O fato de Shakespeare ter suas obras saqueadas das mais diversas maneiras em nossa época não deixa de ser irônico, já que ele próprio se servia sem cerimônia das fontes mais variadas, inclusive da literatura de seus antecessores e contemporâneos. “Somos da mesma substância de que são feitos os sonhos”, escreveu em A Tempestade. Parecia estar falando, profeticamente, do cinema.

Conheça algumas produções baseadas na obra shakespeariana:

Henrique V (1944)

Realizada no calor da luta contra o nazismo, a versão de Laurence Olivier do épico patriótico de Shakespeare sobre a Batalha de Agincourt (1415) começa com uma encenação da peça no Globe Theatre e ganha aos poucos a liberdade do cinema. Olivier dirigiu e protagonizou também Hamlet (1948) e Ricardo III (1955).

Macbeth (1948)

Macbeth (Orson Welles), nobre escocês do século XI, mata seu soberano e seus rivais para realizar a profecia ouvida de bruxas de que se tornaria rei. A versão de Welles, de baixo orçamento e com elenco teatral, tem uma ambientação selvagem e fantasmagórica. O diretor voltaria a Shakespeare com Otelo (1952) e Falstaff (1965).

Ran (1985)

Ao transpor a tragédia Rei Lear para o Japão medieval, Kurosawa fez uma mudança: em vez de filhas, o protagonista (Tatsuya Nakadai) tem três filhos que se digladiam pelo poder e pelas terras. Um dos filmes mais exuberantes de Kurosawa, é também um libelo pacifista. O diretor já adaptara Macbeth em Trono Manchado de Sangue (1957).

Clint Eastwood: "O trabalho me mantém jovem"

2012-01-16T10:07:00.000-03:00

Por Elaine Guerini, da Revista Época

Aos 81 anos, o ator e cineasta Clint Eastwood não dá sinais de cansaço. Apesar da pele envelhecida e da voz mansa, ele conserva o charme e a determinação dos caubóis que interpretou no passado. E tem uma receita: levanta pesos todos os dias de manhã, antes de encarar um dia de filmagem. Mas é o trabalho, mais do que tudo, que para ele o mantém com espírito jovial e ainda em atividade. Na semana passada, aceitou ser capa da revista do jornal francês “Le Monde”, sob a condição de não ter suas rugas apagadas pelo Photoshop. “Esperava ter me aposentado 30 anos atrás. Como não aconteceu, será preciso mais que uma dor nas costas para me fazer parar’’, brincou Eastwood, em entrevista à ISTOÉ em Los Angeles. Ele está lançando “J. Edgar”, protagonizado por Leonardo DiCaprio, com estreia agendada para a sexta-feira 27 nas telas brasileiras. A cinebiografia reconstrói a trajetória profissional e pessoal de J. Edgar Hoover, chefe do FBI (Federal Bureau of Investigation) por 48 anos. Eastwood quis contar a história dessa lendária figura pública dos EUA porque, além de fascinante, a sua vida permite traçar paralelos com personalidades atuais. “O fato de ninguém conseguir tirá-lo do cargo me lembra alguns figurões de hoje, pessoas que se recusam a perder o poder, seja o presidente de um estúdio de Hollywood, seja um magnata das comunicações”, diz o cineasta na entrevista a seguir.

O sr. está lançando “J. Edgar”, mais um filme em que apenas dirige. Não sente falta de atuar?

Clint Eastwood - Não. Mas não descarto essa possibilidade. Confesso que no set de “Gran Torino’’, que dirigi e do qual fui o protagonista, muitas vezes eu me perguntava: por que estou atuando? Para que fazer os dois trabalhos?

A que conclusão chegou?

Como eu estava lidando com um elenco de atores não profissionais, funcionava um pouco como professor de interpretação, independentemente de ser o diretor. Mas é verdade que, dependendo do meu humor, eu me pergunto: por que você ainda se importa com tudo isso?

Fazer filmes não é mais uma prioridade?

Tenho com o cinema a mesma relação que tenho com o golfe. Adoro jogar golfe, mas não quero ter a obrigação de praticá-lo todos os dias. Claro que aprecio o fato de eu ainda ter o que fazer, o trabalho me mantém jovem. Pelo menos é assim que entendo. Ainda não estou preparado para me aposentar. O que poderia fazer? Certamente, ficaria bebendo cerveja pensando no que passou e nas coisas que eu poderia ter feito diferente.

É verdade que o sr. gosta de se exercitar antes das filmagens, montando uma academia de ginástica no set?

Não chega a ser uma academia. Gosto de levantar peso quando chego ao set, bem cedinho. É para melhorar a minha circulação.

Isso faz parte do seu ritual matinal?

Sim. Procuro me cuidar. Nos estúdios da Warner há uma ótima academia e, às vezes, eu passo por lá. Acho ótimo me exercitar pelo efeito que isso me proporciona, tanto físico quanto mental. Muitas vezes, o exercício ajuda a tirar a minha mente do que estou fazendo. Assim, quando eu volto ao assunto, tenho um olhar revigorado.

O sr. acha que J. Edgar Hoover aprovaria o seu novo filme?

Não sei. Talvez ele o odiasse. Hoover não foi um cara necessariamente mau. Prefiro pensar que ele foi um homem bom que ultrapassou os limites. A maioria das pessoas que comete excessos não gosta de admiti-los.

Hoover gostava de se vangloriar na vida real. A cinebiografia não faz o mesmo com o personagem?

Se eu não tivesse preenchido lacunas na sua vida, não teríamos filme algum. São poucos os livros publicados sobre ele e muitos apenas fazem especulações. Mesmo quando Hoover estava vivo, ninguém sabia muito sobre o homem, a não ser o que saía nos jornais.

Como ele era tratado pela mídia na época?

Como um dos policiais mais admirados e temidos do país. Eu mesmo cresci tendo Hoover como um herói. Só muito mais tarde descobri que a história não era bem assim.

O que mais o fascina na personalidade de Hoover?

A sua obsessão pelo poder. Ele comprova a teoria de que as pessoas sempre fazem coisas estranhas quando estão no topo do mundo. A verdade é que ninguém deveria ficar no mesmo cargo por tanto tempo. No seu caso, foram 48 anos, é tempo demais. Muitas vezes, vemos os governantes perder a noção do que fazem em apenas alguns anos de administração.

Por que essa história é relevante nos dias de hoje?

Podem ser feitas muitas analogias entre a trajetória dele e a sociedade atual. A paranoia que o levou à caça aos comunistas não é muito diferente do sentimento pós-11 de setembro, que mantém o mundo em constante tensão diante dos terroristas. O fato de ninguém conseguir tirá-lo do cargo também me lembra alguns figurões de hoje, pessoas que se recusam a perder o poder, seja o presidente de um estúdio de Hollywood, seja um magnata das comunicações. Essas pessoas esquecem que, ficando tempo demais num cargo, perdem a sua utilidade.

Que excessos de Hoover mais o incomodam?

Ele foi maldoso com muitos, inclusive com o senador Robert Kennedy, que detestava. Quando o presidente John Kennedy foi assassinado, Hoover deu a notícia de uma forma cruel. A maneira como ele usava a informação para exercer a autoridade era terrível. Foi Hoover quem indiretamente ajudou Lyndon Johnson a se tornar o vice-presidente de JFK. Johnson era seu amigo e ele impôs o seu nome ao ameaçar expor a conduta sexual de JFK. O FBI tinha um arquivo meticuloso sobre esse tópico.

Ironicamente, o filme trata com bastante sutileza a suposta homossexualidade do ex-diretor do FBI.

O roteiro procurou incorporar todas as especulações sobre o personagem, inclusive a hipótese de que ele gostava de se vestir de mulher. Não seria justo, contudo, apresentar isso como verdade. No filme ele só põe o vestido da mãe quando ela morre. E o que isso quer dizer? Que ele era gay ou que queria apenas se sentir perto da mãe? Tratamos da mesma maneira o seu suposto envolvimento com o seu assistente Clyde Tolson. Quem poderia saber se eles realmente foram amantes?

Ele gostava de circular por Hollywood. O sr. o encontrou alguma vez?

Não. O mais perto que cheguei foi conhecer algumas pessoas que trabalharam com ele no FBI. Eu me lembro bem de vê-lo posando com estrelas de cinema. Recordo da foto em que aparece beijando Shirley Temple nos jornais, nos anos 1930. Como eu era garoto, vê-lo ensinando a menina a montar num cavalo mecânico me marcou. Na medida do possível, fiz questão de incluir situações que fizeram parte da minha infância. As fotos do bebê Lindbergh que mostro no filme são reais (a trama aborda o sequestro do filho do aviador Charles Lindbergh, um caso que Hoover ajudou a solucionar).

Leonardo DiCaprio correspondeu às suas expectativas para o papel?

Completamente. Leo é mesmo um dos atores mais aplicados de sua geração e não tem medo de trabalhar duro. Como Morgan Freeman, Gene Hackman ou Hillary Swank, outros que adorei dirigir, ele chega ao set preparado para tudo. E é assim que eu gosto.

Não pensou em usar um ator mais velho para a fase final de Hoover e, assim, evitar o uso de uma maquiagem pesada?

Eu queria Leo dos 20 aos 70 anos. Entendo que a plateia observe a maquiagem por alguns segundos, tentando imaginar se será assim mesmo que ele ficará na velhice. Espero, no entanto, que o público supere isso rapidamente e siga o personagem, sem pensar mais no assunto.

Por que o sr. não gosta de filmar uma cena muitas vezes?

Muitos atores acham que podem fazer melhor a partir da segunda tomada, mas nem sempre é verdade. O próprio Leo me pediu para fazer de novo algumas cenas. Às vezes, ele estava certo, apresentando uma melhora na nova tomada. Outras vezes, não. O problema é que muitas vezes o ator quer buscar a perfeição.

E isso não é bom?

Claro. Mas não é preciso. Conheço atores que são bons até quando erram (risos).

Lembra de algum caso específico?

Quando dirigi Meryl Streep em “As Pontes de Madison’’, eu lhe mostrei uma versão inacabada do filme e ela reclamou. Disse: “Você guardou todos os meus erros! Eu respondi: “Claro! Eles são tão bons” (risos).

Com a experiência, não acha que tem muito mais a dizer?

É verdade. Eu nunca me conformei com o fato de Billy Wilder, que viveu até os 90 anos, ter se aposentado aos 60. Eu me perguntava por que o cara que fez “Quanto Mais Quente Melhor’’ e “Crepúsculo dos Deuses’’ parou de filmar. O mesmo eu sentia com relação a Frank Capra, que costumava visitar. Até hoje não entendo o que aconteceu. Não sei se eles é que deixaram o cinema ou se foi o cinema que os deixou.

O sr. se vê como o cineasta português Manoel de Oliveira, na ativa aos 103 anos?

É cedo para dizer. Conheci Manoel no Festival de Cannes, anos atrás. quase perguntei: qual o uísque que o sr. toma? Manoel ainda tem muita vitalidade, como quem está determinado a chegar aos 110. Às vezes, até fico desconfiado. Ou ele é mesmo incrível ou andou mentindo. Talvez Manoel esteja com 60 anos e diga ter passado dos 100 só para ouvir as pessoas dizer como ele ainda está bem para a idade (risos).

Já sabe qual será o seu próximo filme?

Eu ia filmar “Nasce uma Estrela’’ com Beyoncé. Mas tive de adiar porque ela ficou grávida. Adiamos o projeto por um tempo. Talvez o façamos num futuro próximo.

O recado de Immanuel Kant aos chineses

2012-01-10T11:14:00.001-03:00

Do Caderno Ilustríssima

Alemães e chineses tinham objetivos diferentes ao negociar "Arte do Iluminismo", a primeira exposição internacional do Museu Nacional da China após uma ambiciosa reforma que durou quatro anos e consumiu US$ 380 milhões.

Para o lado europeu, o objeto da mostra representa "um fenômeno universal que simboliza diversidade, abertura e tolerância", como define a apresentação da série de palestras "Iluminismo em Diálogo", paralela à mostra.

Já os chineses viram no convênio com três grandes acervos alemães uma oportunidade para dar um ar de "classe mundial" ao museu, anunciado como o maior do mundo e localizado na supervigiada praça da Paz Celestial, onde qualquer manifestante está sujeito a anos de prisão. A aposta é na opulência, e não na ousadia.

Em abril passado, as diferentes expectativas produziram uma vítima. Escalado para o ciclo de palestras, o sinólogo alemão Tilman Spengler teve o visto negado pelas autoridades chinesas. O motivo: ter participado de um evento em homenagem a Liu Xiaobo, o dissidente preso que ganhou o Prêmio Nobel da Paz. "Ele não é um amigo do povo chinês", justificou um porta-voz do Ministério da Cultura.

Já a exposição caminha para os seus últimos três meses sem provocar maiores polêmicas e com público garantido pelas hordas diárias de turistas do interior. Com cerca de 450 peças, inclui pinturas, móveis e roupas da época e está dividida em nove partes.

Na seção mais ousada, "Emancipação e a Esfera Pública", há um busto do filósofo Immanuel Kant onde se lê: "Tenha a coragem de usar a sua própria compreensão". O veto a Spengler e as centenas de policiais e câmeras do lado de fora sugerem que não.

A ARTE E OS RISCOS

Um dos maiores entusiastas da arte chinesa sai de cena. O bilionário belga Guy Ullens vem se desfazendo de sua coleção de arte do país, tida como a maior do mundo, e desistiu de administrar a pioneira galeria UCCA, localizada no 798, o distrito das artes em Pequim.

As obras estão sendo leiloadas em grandes lotes em Hong Kong, com preços surpreendentes. O maior exemplo foi o quadro "Amor Eterno", de Zhang Xiaogang. Estimado inicialmente em até US$ 4,5 milhões, foi arrematado por US$ 10,1 milhões, recorde para um artista contemporâneo chinês.

Já o UCCA (Centro Ullens para Arte Contemporânea, na sigla em inglês), é um dos maiores espaços culturais de Pequim. Inspirado na Tate Modern, de Londres, reúne três grandes salas de exposição, auditório, biblioteca, loja e restaurante, tudo financiado pelo belga.

"No longo prazo, este lugar precisa ser administrado por chineses", disse Ullens, em recente entrevista ao jornal "China Daily". "Quem vai assumir o risco? É muito comum no resto do mundo. O que queremos demonstrar para a China é que é possível existir um lugar assim."

ÓPERA SINO-PERNAMBUCANA

Recém-formado pela Escola de Ópera de Bolonha, o tenor recifense Max Jota, 34, se apresentou no último dia 12 de dezembro no Teatro Nacional de Pequim, o palco mais prestigiado da China. Na programação, nada de Puccini ou Verdi -ele cantou em mandarim.

Jota é o único brasileiro entre 20 selecionados pelo programa "I Sing Beijing" (eu canto Pequim) em disputadas audições pela Europa e pelos EUA. Em meados de 2011, por 40 dias, eles receberam mais de oito horas diárias de aula para cantar em mandarim e conhecer a história da música chinesa.

"O estilo é muito diferente", explica Jota, depois da apresentação. "É muito pela entonação das palavras. Há cinco tons para a mesma palavra. Tecnicamente, é muito difícil, principalmente para quem vem de uma língua latina."

O programa incluiu professores do Metropolitan, de Nova York, e tem o ambicioso objetivo de "apresentar a emergente ópera moderna chinesa com um novo gênero na ópera de estilo ocidental". Para os escolhidos, é a chance de entrar num mercado novo e em expansão, em contraste com os centros de ópera tradicionais da Europa.

"A partir de agora, sou um embaixador da música chinesa", afirma Jota, ex-aluno da Universidade Federal da Paraíba. "Podemos ser chamados a qualquer instante para cantarmos em qualquer lugar do mundo e apresentar a cultura do país."

Quem ainda escreve carta?

2012-01-06T18:33:00.000-03:00

Por Alberto Villas, da Carta Capital

Ninguém! Pelo menos que eu conheça, ninguém mais tem tempo de pegar um envelope verde amarelo, o bloco Aviador papel de seda e a caneta Parker 51 para escrever uma carta. Vivemos a era do skype, da msg pelo cel, do e-mail, do vaptvupt, bateu voltou. Quem hoje teria paciência de escrever uma carta e ficar dias e dias esperando a resposta? Se a resposta do e-mail não vem em um minuto já começa aquele tictic nervoso, não é mesmo?

'Quem hoje teria paciência de escrever uma carta e ficar dias e dias esperando a resposta?'

A primeira notícia que tivemos do Brasil foi através de uma carta, aquela de Pero Vaz de Caminha escreveu ao Rei Dom Manuel, o Venturoso: “Posto que o Capitão-mor desta Vossa frota, e assim os outros capitães escrevam a Vossa Alteza a notícia do achamento desta Vossa terra nova…” e por aí ia.

Durante meu auto-exílio em Paris durante a década de 1970, escrevi e recebi centenas e centenas de cartas. Até hoje me emociono ao ver um envelope verde amarelo, daqueles bem antigos onde se lia Par Avion. Acordava cedo e a primeira coisa que fazia era descer quatro andares para buscar a correspondência. Quando tinha envelope verde amarelo era uma festa.

Dentro deles, notícias boas, notícias ruins. Os sobrinhos que nasciam, a luta que aumentava, a censura que apertava. Recortes de jornais, fotografias. Se na primeira carta que mandei de lá reproduzi a carta de Pero Vaz de Caminha, a última começava assim: “São 11 horas da noite e cá estou eu sozinho no único cômodo da casa onde ainda resta um pouco de esperança. São nove baús de alumínio empilhados no canto, esperando o navio chegar. Dentro deles, tudo que restou da nossa vida aqui em Paris nestes anos todos. Estou voltando nas asas do tecoteco da anistia.”

Cartas já inspiraram poetas e compositores. Quem não se lembra do rei cantando “Cartas já não adiantam mais/Quero ouvir a sua voz/Vou telefonar dizendo/Que eu estou quase morrendo/de saudade de você”? Renato Russo, que comandava a Legião cantava: “Escrevo-te estas mal traçadas linhas meu amor/Porque veio a saudade visitar meu coração”. Milionário e Zé Rico também já derramaram lágrimas em missivas: “Estou escrevendo esta cara meio aos prantos/Ando meio pelos cantos/Pois não encontrei coragem/De encarar o teu olhar”.

Cartas não eram apenas meras cartas. Havia um ritual para escrevê-las. Muitas delas foram guardadas e acabaram virando livros da maior importância. As cartas de Vincent Van Gogh ao irmão Theo, por exemplo. Outras eram literatura pura. Sempre leio e releio as cartas que Caio Fernando de Abreu escreveu a seus amigos. Quanta ternura! Quanta literatura! Caio era daqueles que gostava de se preparar para escrever uma carta. Papel, caneta, um café, um cigarro. E derramava toda a sua dor e sua felicidade nos papéis de seda dos blocos Aviador.

Nos últimos dias estou aqui mergulhado nas cartas que Otto Lara Resende escreveu ao amigo do peito Fernando Sabino, agora organizadas pelo jornalista e escritor Humberto Werneck. São cartas escritas nas décadas de 50,60 e 70 quando o mundo era outro. Cartas deliciosas que às vezes começavam assim: “Fernando: Tráfego engasgado, nervos à mostra, passei na Embaixada, a porta apertou meu dedo, sangrou, xinguei, me indignei, Helena desencavou a bagagem do Benedito, saí lascado pelos Champs Elysées, Concorde, Madeleine, rumo ao subúrbio (esqueci de comprar o Rinoceronte de Ionesco), estrada – na volta se anda mais depressa, num instante estávamos em Soissons, omeletes de queijo, bomba de chocolate. Café três fff, pé na estrada, tempo nublado, meio frio, mas sem chuva.” Quem hoje escreveria assim num e-mail desses tempos modernos?

Amós Oz - Pacifista Militante

2012-01-04T17:02:00.000-03:00

Por José Eduardo Barella, da Revista Veja

Amós Oz, 62 anos, dezoito livros traduzidos em 22 idiomas, é o tipo de intelectual que provavelmente só pode existir em Israel. Pacifista militante, já combateu em duas guerras. Defensor de um Estado palestino, fala com dureza sobre os vizinhos árabes e os responsabiliza pela atual situação de violência permanente, que deverá favorecer, nas eleições desta semana em Israel, o linha-dura Ariel Sharon. Oz é o principal expoente da literatura israelense. Sua obra explora a complexidade de uma sociedade formada originalmente por pessoas provenientes dos mais distantes rincões do planeta e seus dramas cotidianos, traduzidos em personagens marcados pela tensão da guerra interminável.

Filho de judeus poloneses, nascido em Jerusalém com o nome de Amós Klausner, adotou o sobrenome Oz, que em hebraico significa coragem. Fundador do movimento Paz Agora, Oz pegou em armas em 1967, na Guerra dos Seis Dias, e seis anos mais tarde, na Guerra do Yom Kippur. O conflito não tem solução militar, acredita. A paz só virá com concessões mútuas, dolorosas mas inevitáveis, como acontece num divórcio litigioso. Desde 1986, o escritor mora com a mulher e os filhos em Arad, pequena cidade no Deserto de Negev, de onde, por telefone, deu a entrevista abaixo.

As pesquisas mostram que Ariel Sharon, o candidato da linha dura mais radical, deve vencer as eleições desta terça-feira. Por que o primeiro-ministro Ehud Barak perdeu o apoio dos israelenses?

Oz – Porque o senhor Yasser Arafat deu um tapa na cara de Barak. Tudo o que os palestinos poderiam pedir Barak ofereceu; mas, quanto mais concessões ele fez, mais violência recebeu em troca. Numa situação dessas, que reação esperar do eleitorado israelense? O apoio a Sharon é natural.

Com a vitória de Sharon o processo de paz será enterrado de vez?

Não gostaria de fazer profecias porque aqui é a terra dos profetas e já existe muita competição nessa área. É difícil prever como será uma negociação envolvendo Sharon e Arafat, dois homens igualmente intransigentes. É claro que tudo pode mudar. Ao longo da História, cansamos de ver heróis nacionalistas fazendo concessões e líderes radicais tomando atitudes moderadas.

Arafat não fez a maior das concessões ao reconhecer o direito de existência do Estado de Israel na terra originalmente pertencente a seu povo?

Quem fez a maior concessão? Arafat realmente fez uma grande concessão ao reconhecer Israel. Mas os judeus também cederam muito ao abrir mão da Faixa de Gaza e da Cisjordânia. O que temos são dois povos reivindicando o mesmo território. Ambos têm razão e argumentos fortes. A única solução para a tragédia que vivemos é um compromisso. Os judeus terão de renunciar à metade de sua terra natal e os palestinos, também. Não existe outro país para onde os palestinos ou os judeus possam ir, temos de dividir este. É duro, mas as soluções de compromisso são assim mesmo: nunca satisfazem plenamente as duas partes, seja na separação de um casal ou na dissolução de uma sociedade.

Israel não ficou com a melhor parte do território?

Não sei. Israel ficou com o deserto de Negev, que é uma terra inóspita e desabitada, e a costa mediterrânea. Os palestinos ficaram com as montanhas e lugares santos como Belém, a Samaria e Jerusalém Oriental. A divisão é dolorosa para todos. Cada lado sente como se tivesse sofrido a amputação de um membro do corpo.

Por quais razões um palestino deveria concordar com a existência do Estado de Israel?

Entendo a dificuldade dos palestinos em aceitar a existência de Israel, mas os judeus não são extraterrestres que vieram de outro planeta. Eles vivem aqui há mais de 2.000 anos. Como pacifista, tenho lutado para que os palestinos tenham seu Estado, vizinho a Israel, mas não no lugar de Israel.

A ocupação militar dos territórios palestinos por Israel, com toda a violência que implica, não compromete o patrimônio moral da civilização judaica?

A ocupação e a repressão contra os palestinos são repugnantes e precisam acabar. Mas o ciclo de violência, terrorismo, opressão e ocupação só vai acabar por meio de um acordo de paz que contemple a criação do Estado palestino. O que está faltando é o reconhecimento mútuo.

O senhor acusa os palestinos pela atual onda de violência, mas não foi Ariel Sharon que detonou as agressões ao visitar a área mais venerada pelos muçulmanos em Jerusalém?

Esse senhor agiu como se fosse um elefante numa loja de cristais. Mas a visita de uma pessoa a um lugar santo, por mais provocadora que seja, não dá para justificar tanta violência. Não acredito que os israelenses sairiam matando palestinos se um líder deles visitasse um lugar de culto dos judeus.

O acordo de Oslo, que deu início ao processo de paz, foi assinado há oito anos, mas parece que a situação, em vez de evoluir, retrocedeu. O que saiu errado?

Perdemos uma boa oportunidade no começo das conversações, quando havia entusiasmo de ambas as partes para chegar a um acordo definitivo. Mas ainda acho que a paz é viável, já que nenhum dos dois lados deixará de existir.

Por que ainda não foi possível chegar a um acordo?

Porque está ocorrendo uma considerável radicalização das posições palestinas, principalmente por motivos religiosos. Eles reivindicam soberania exclusiva sobre os lugares santos disputados pelos dois lados. Há ainda a questão da volta dos refugiados e a insistência em querer abolir o Estado de Israel. Enquanto esse radicalismo persistir, as chances de paz serão mínimas.

Israel não adota posições igualmente radicais?

Israel assumiu posições mais moderadas sob a liderança do primeiro-ministro Ehud Barak. Pela primeira vez em trinta anos, os israelenses admitem a possibilidade de existir um Estado palestino, estão dispostos a devolver todo o território da Cisjordânia e até a dividir Jerusalém. É uma mudança dramática de posição. Barak fez tantas concessões que perdeu a maioria no Parlamento e, seguramente, a possibilidade de ganhar as eleições.

É o máximo que Israel pode conceder?

Ir além disso significa um suicídio. A volta dos 3,5 milhões de refugiados reivindicada pelos palestinos seria mortal para Israel. Porque significa mais que a existência de dois Estados, um palestino e outro judeu. Significa que teremos, mais cedo ou mais tarde, dois Estados palestinos e nenhum judeu.

O problema dos refugiados palestinos não é conseqüência direta da criação de Israel?

Na época de sua criação, o Estado de Israel recebeu 1 milhão de judeus que viviam em países árabes. Enquanto isso, 60.000 palestinos que moravam onde hoje é Israel tiveram de se mudar para países vizinhos. Com a criação do Estado palestino, é justo que os refugiados palestinos possam estabelecer-se no novo país, mas não em Israel.

Como convencer os refugiados palestinos e os países árabes que os abrigam a aceitar essa solução?

Israel tem um território equivalente a 1% da área dos países árabes. É preciso fazer um acerto no qual os refugiados recebam uma indenização financeira equivalente ao valor das terras que eles deixaram para trás em 1948. Os judeus que abandonaram suas propriedades naquela época também devem ser indenizados.

Qual a solução para outras questões fundamentais, como a situação de Jerusalém e o futuro dos assentamentos israelenses em áreas palestinas?

No caso de Jerusalém, acho que a parte judaica deveria ser administrada pelos judeus e a parte árabe pelos palestinos. Israel reconheceria a soberania palestina sobre o Monte do Templo e os palestinos respeitariam as ligações religiosas, históricas e afetivas dos judeus com esse lugar santo. Sobre os assentamentos judeus, em sua maioria os colonos deveriam ter o direito de continuar onde estão, com autorização das autoridades do futuro Estado palestino, e ser tratados como cidadãos palestinos.

Existe alguma chance de israelenses e palestinos conviverem pacificamente?

Vão ter de conviver de uma forma ou de outra. A solução é estipular as fronteiras e fazer com que vivam como vizinhos decentes. Agora, não dá para imaginar israelenses e palestinos juntos, dividindo a mesma cama numa lua-de-mel. Seria o mesmo que propor a unificação de Brasil e Argentina: vocês acham que formariam uma nação feliz?

No caso de palestinos e israelenses, meio século de conflitos demonstrou que não se trata de uma questão de felicidade, mas de total impossibilidade de convivência.

Os países da Europa Ocidental passaram 800 anos em lutas cruentas antes de chegar à realidade do mercado comum e das fronteiras abertas. Pode demorar 800 anos, mas, a exemplo do que ocorreu na Europa, o que hoje parece impensável vai acabar acontecendo: algum dia, os povos do Oriente Médio vão viver como uma família.

Os palestinos vão aceitar paz pela via da negociação?

Acredito que muitos palestinos apoiam uma solução negociada com Israel. A maioria dos conflitos do mundo é resolvida por meio de negociações e de concessões de lado a lado. Israelenses e palestinos já estão cansados da guerra, e eu chamaria essa fadiga de síndrome da paz.

Mas os palestinos parecem menos cansados e mais dispostos a seguir lutando por seus direitos.

Eles não têm um Estado independente, que nós israelenses já temos. Muitos ainda vivem sob ocupação estrangeira. Tudo isso os motiva ainda mais a continuar lutando. Quando tiverem seu Estado, o ímpeto nacionalista tenderá a diminuir.

Como é viver num país em estado de guerra permanente?

Terrível. Eu nasci em Jerusalém em pleno conflito e tenho memórias amargas de minha infância. Até hoje nunca pisei em certos bairros de Jerusalém porque, se for lá, me passam a faca. Na época da independência, em 1948, o setor judeu sofreu um cerco igual ao de Sarajevo. Fui para o campo de batalha em 1967 e em 1973. Apesar de ser pacifista militante há mais de trinta anos, sei que um perigo mortal paira sobre Israel e nos faz viver constantemente encostados na parede. Tenho consciência de que os palestinos vivem em condições semelhantes. É uma tragédia, mas me recuso a pintar o quadro de preto e branco. A situação não é como na África do Sul do apartheid, onde era possível saber quem era mocinho e quem era bandido. O conflito aqui é entre o certo e o certo.

Como o conflito árabe-israelense interfere em sua obra literária?

Meus livros falam do povo israelense, das pessoas que vivem aqui e sofrem uma influência dramática do conflito árabe-israelense. Mas nunca usei meus romances para transmitir uma idéia política. Quando quero divulgar minhas posições, uso ensaios ou artigos.

O senhor lê obras de autores árabes?

Sim, mas infelizmente leio apenas obras traduzidas. Meu autor favorito é meu amigo Naguib Mahfouz (escritor egípcio, ganhador do Nobel de Literatura em 1988).

Muitos árabes nasceram em Israel, falam o hebraico e estão integrados ao país. Isso não cria um conflito interior insuportável?

Ser palestino nascido em Israel é uma condição ambígua e dolorosa. Como disse um deles, "é duro ver meu povo em guerra com meu país". Eles estão no meio da discussão. Uma das características mais interessantes dos israelenses é que você não encontra duas pessoas que concordem sobre todos os assuntos. É difícil até mesmo que um israelense concorde consigo mesmo, porque aqui todos têm a mente e a alma divididas. Os palestinos nascidos em Israel têm opiniões diferentes das dos judeus e vice-versa. E temos ainda os imigrantes judeus que vieram de vários países.

Esse conflito pode afetar a unidade da sociedade israelense?

Oz – Não acredito. Os israelenses têm uma expressão verbal exacerbada: eles conversam, falam, gritam e discutem, mas não costumam matar-se uns aos outros. Talvez por causa da memória do holocausto, ou até mesmo por causa da história do povo judeu, existe um tabu sobre a possibilidade de uma guerra civil entre judeus. O que temos é uma guerra civil verbal o tempo todo. A divisão é complexa: não se trata apenas de judeus de origem européia e de origem oriental, ou de religiosos e seculares. Trata-se de um mosaico que abriga diversos grupos e subgrupos. Isso, curiosamente, é bom para Israel: não temos uma sociedade dividida por causa de um assunto, mas de vários.

O senhor acha que vai viver para ver a paz no Oriente Médio?

Está muito claro que vamos acabar tendo, infelizmente, a criação de dois Estados. Digo infelizmente porque nenhum dos dois lados vai ficar satisfeito com a paz que será alcançada. Não será uma cena de Dostoievski, de irmãos se abraçando. Não haverá uma reconciliação, mas um acordo mais parecido com um divórcio do que com uma lua-de-mel. Não posso dizer quanto tempo vai demorar, mas sei que vai acontecer. Simplesmente porque não há alternativa.

Ainda é preciso ler Freud?

2012-01-03T23:49:00.000-03:00

Por Fernando Aguiar, da Revista Cult

Fora do círculo familiar, os 50 anos de Freud foram festejados apenas pelo pequeno grupo de psicanalistas vienenses que se reuniam em sua casa todas as quartas-feiras desde o outono de 1902. A ocasião era propícia a comemorações: não sendo mais o único analista, sua psicanálise já ultrapassara os limites de Viena – a conquista dos “arianos” de Zurique neutralizara a vil acusação de “ciência judia”. Vivia-se a fase áurea da clínica psicanalítica e, em termos de publicações de fôlego, jamais haveria para Freud ano igual ao anterior (1905). Além do livro sobre os chistes e do “Caso Dora”, houve os Três Ensaios sobre a Teoria da Sexualidade, com o qual ele adicionara ao discurso do desejo (1900) o discurso da pulsão, definindo categoricamente os dois eixos centrais de sua investigação metapsicológica.

Como presente de aniversário, os alunos ofereceram-lhe um medalhão, realizado pelo escultor K. M. Schwerdtner. Sobre uma face, fora gravado o perfil de Freud, e sobre a outra, a cena de Édipo em frente à Esfinge. Em volta do desenho, um verso de Édipo Rei: “Aquele que resolveu o famoso enigma e que foi um homem de enorme poder”. Lendo a inscrição, Freud teria empalidecido: “Parecia ter visto um fantasma”, escreveu E. Jones. Depois de P. Federn admitir ser o autor da escolha da citação, Freud, agitado, contou que, quando jovem estudante de medicina na Universidade de Viena, costumava olhar os bustos dos antigos professores, imaginando que um dia poderia estar entre eles: o seu traria exatamente a mesma citação de Sófocles inscrita no medalhão com o qual acabava de ser honrado.

A posição de marginalidade e ruptura da psicanálise

Desse episódio, apenas a segunda parte do sonho diurno de Freud materializou-se: afinal, como o Édipo da mitologia, ele decifrou, no plano da cultura, o próprio enigma edipiano, adentrando os mistérios da sexualidade humana. Quanto a figurar entre pares, nem seria o caso, pois de fato jamais fora médico; foi um psicanalista e um magnífico professor. Mas, na Universidade de Viena, seu estatuto não passou de um professor extraordinarius, que, no regime acadêmico da época, designava quem se encarregava de cursos que não constavam do currículo oficial obrigatório.

Esse caráter marginal permanece também o destino da psicanálise, e mesmo seu grande trunfo ou talvez condição de sobrevivência. Na academia, em particular, a psicanálise não deve estar no centro de uma formação, mas exterior aos outros domínios. O próprio Freud assumia uma incompatibilidade com toda sorte de “existência oficial” e demandava “independência em todas as direções”. O professor francês Jean Laplanche afirma que o analista [e a psicanálise] nasce e desenvolve-se apenas na marginalidade e na ruptura, e não pode garantir-se senão preservando todo um jogo de extraterritorialidades, em todos os níveis: marginalidade do tratamento em relação às instâncias da vida cotidiana, da análise pessoal em relação aos requisitos das sociedades de analistas, do exercício da análise em relação às profissões reconhecidas (médico ou psicólogo), das instituições analíticas em relação às instituições e aos reconhecimentos oficiais etc. “Como analistas, como pesquisadores e como universitários, afirmamos (…) que a experiência analítica constitui um campo epistemológico específico e autônomo”. A contrapartida é que ela não seja propriedade privada de um indivíduo ou de uma instituição.

É que ao fim e ao cabo, como teoria do inconsciente, a psicanálise acabaria por se tornar indispensável para todas as ciências que se ocupam da gênese da civilização humana e de suas grandes instituições como a arte, a religião ou a ordem social. “Creio ter introduzido alguma coisa que ocupará constantemente os homens”, escreveu Freud a Binswanger, em 1911.

Não há qualquer anseio imperialista na pretensão freudiana. Se a disciplina por ele fundada deve interessar à psicologia, às ciências da linguagem, à filosofia, à biologia, à história da civilização, à estética, à sociologia e à pedagogia, isso não faz mais do que prolongar o movimento mesmo de seu próprio pensamento, “interessado” em todas essas disciplinas, conforme nos explica S. Mijolla-Mellor (Recherches en Psychanalise, 2004). Desse ponto de vista, antes de interessar a outros campos do saber ou da cultura, é a própria psicanálise que tem interesse nesses campos, sendo eles parte constitutiva dela própria. Quanto ao interesse das outras disciplinas pela psicanálise, é certo que tal movimento não elimina o fato da resistência – e esta diz respeito à vexação psicológica dos homens diante de seus desejos inconscientes tais como apontados pela invenção freudiana. Na fundação da Associação Psicanalítica Internacional, em 1910, Freud anunciou aos colegas: “Os indivíduos aos quais fazemos descobrir o que recalcam experimentam hostilidade a nosso respeito; não podemos esperar uma amabilidade simpática da sociedade para com aqueles que desvelam impiedosamente seus defeitos e insuficiências”. Em carta a Arthur Schnitzler, ainda escreveria que a psicanálise não é “um meio de se fazer amar”.

Devemos esperar, por isso, de tempos em tempos, vilanias tais como a infame e medíocre compilação de críticas publicada na França, em 2005, com o nome de O Livro Negro da Psicanálise, no qual Freud é tratado como falsário, trapaceiro e mentiroso (tal como faz agora, em 2010, Michel Onfray em O Crepúsculo de um Ídolo: a Fabulação Freudiana). Costuma-se aproveitar essas ocasiões para mais uma vez se falar em “crise da psicanálise”, o que Jacques Lacan (1901-1981), já em 1974, refuta com vigor, em termos definitivos: “A crise (…) não existe (…).” A psicanálise ainda não encontrou seus próprios limites. Há muito que descobrir na prática e no conhecimento. Em psicanálise não há solução imediata, mas apenas a longa e paciente busca das razões”. Além disso, há Freud, arremata Lacan, “que ainda não compreendemos inteiramente”.

A grande depressão e o Mágico de Oz

2012-01-02T21:46:00.000-03:00

Por Christiane Marcondes, do Portal Vermelho

Um coração para o homem de lata, um cérebro para o espantalho, coragem para o leão e um lar para Dorothy. Esta é a busca dos personagens de O mágico de Oz, um musical clássico de 1939. A maioria dos fãs compra a versão de que é uma história típica de Hollywood com final feliz. Poderia ser se não tivesse Yip Harpurg como letrista.

Yip escreveu também o “hino da depressão”, em 1932, no qual narra o engodo do sonho capitalista. O Mágico de Oz resgata o sonho, realizável além do arco-íris, ou das fantasias do mundo imperialista que Yip, socialista, sempre combateu.

Do palco para a depressão

Posso imaginar o letrista Yip Harburg em um bar freqüentado por roteiristas, artistas, compositores da Broadway, logo após a quebra da Bolsa de Nova York em 1929. Os pedintes nas esquinas o deixam indignado. Também inspiram.

Yip começa então a rabiscar num guardanapo a letra da música que se tornaria o verdadeiro hino da depressão norte-americana. Um gole na bebida e um verso: ““Eles me diziam que eu estava construindo um sonho”. Outro gole, novo verso: “Com paz e glória à minha espera”. Engole a seco, conclui a quadra: “Por que então estou aqui na fila/ esperando apenas por um pedaço de pão?”

O título da canção “Brother, can you spare a dime?” pode ser traduzido por “Amigo, você tem um trocado?”. Bing Crosby gravou em 1932 -- muitos outros famosos regravam até hoje -- e foi um retumbante sucesso.

A música expõe a realidade estúpida do operário -- personagem da letra -- que construiu tudo o que constitui o “american way of life”, de ferrovias a mansões, grandes torres e edifícios, mas não tem um tostão no bolso e fica na esquina, espiando a pressa dos ricos na tentativa vã de ser ouvido na sua pobreza.

Da depressão para a guerra

O tempo passa, chega 1939. O mundo se confronta com a guerra. Yip cria o Mágico de Oz. Dorothy, o leão, o espantalho e o homem de lata metaforizam o drama e transformam a história em uma fábula universal.

A canção-tema, “Somewhere over the rainbow”, gravada por Judy Garland, resgata o sonho, não o capitalista, mas o dos direitos humanos, que Yip persegue como bom socialista. O tema principal? Voltar para casa, um espaço onde somos aceitos, compreendidos e amados!

Voltar para casa também é chegar a um lugar além do arco-íris, diz a letra, e esse lugar não tem nada a ver com o tal pote de ouro do folclore popular. Também não tem relação com posse ou poder, conforme explica o medroso leão, na cena em que assume por breves momentos o posto de rei dos animais: “A diferença entre um rei e um escravo é a coragem”. Logo a coragem o abandona e ele rasteja diante do mágico no trono.

Da Broadway para a lista negra

Yip Harburg, filhos de pais imigrantes de origem russo-judaico, conheceu cedo na pele a pobreza e o preconceito e nunca virou as costas ao passado miserável.

Ao longo da carreira, escreveu letras para mais de 600 canções em parceria com uma variedade de notáveis compositores.

De 1951 a 1961, durante a temporada de caça a artistas, celebridades e jornalistas supostamente remota ou completamente ligados a comunistas, promovida pelo Senador Joseph McCarthy, Yip foi para a "lista negra" em função de suas idéias políticas sobre cinema, televisão e rádio. A Broadway, no entanto, manteve-se livre desse tipo de censura, só por isso o autor pôde continuar trabalhando, embora perseguido.

De Hollywood para o Havaí

Yip Harburg morreu em 5 de março de 1981 aos 84 anos. Seu espírito visionário não morreu, muito menos sua obra, que continua inspirando ativistas de todo o tipo, como Israel Kamakawiwo.

Nascido em Honolulu, Israel nunca ocultou a sua posição a favor da independência do Havaí e de defesa dos direitos dos nativos. Regravou “somewhere over the rainbow” em um mix com “What a wonderful World”.

O cenário, o humor e o ritmo são outros; o sonho, não sei, mas gosto de pensar que continue sendo o mesmo sonho de Yip.

Natal sem entulho

2011-12-22T16:58:00.000-03:00

Por Iara Biderman, da Revista Equilíbrio

Eliminar excessos para começar o ano mais leve é um dos clichês da hora: quase ninguém discorda, tampouco põe em prática. E fica todo mundo na mesma, depois da overdose de compras e presentes. Mesmo para quem já adotou uma vida simples, a época é um desafio, diz o empresário americano Dave Bruno, 40. Autor de "100 Thing Challenge" (O Desafio das Cem Coisas) e da proposta de viver com poucos itens, ele dá ideias para aliviar a "bagagem".

Qual é o maior desafio do Natal para você?

Dave Bruno - É nos sentirmos obrigados a dar algo especial, que mostre à pessoa "Gastei um bom dinheiro com seu presente". Dar e receber presentes é bom, mas, nessa época, parece que a única forma de expressar afeto é por meio de objetos. O desafio é dar coisas simples. Mas, também, saber recusar presentes em excesso de forma gentil. É difícil, porque as pessoas ficam ofendidas se você diz não querer presentes.

A crise econômica pode ajudar a mudar hábitos de consumo?

Se a crise nos ensinar a ser mais responsáveis e éticos com a economia, pode trazer benefício. Mas já vimos outras situações em que as pessoas esquecem essas lições e voltam a consumir loucamente.

Por que é tão difícil mudar?

Muita gente pensa: "Amanhã, vou doar minhas coisas e me tornar uma pessoa diferente". Não funciona. É mais fácil pensar que, ao longo de um ano, você vai viver com menos e continuar sendo alguém comum. Sugiro eliminar um pouco de cada vez. Comece pelo armário: escolha um conjunto de roupa diferente para usar a cada dia, por duas semanas, e passe dois meses só com essas peças. Assim é fácil perceber o que você precisa e que não é tão difícil viver com menos.

Na sua lista de cem coisas, você contou todos os seus livros como um só item. Isso pode?

Sem flexibilidade, não dá para vencer o desafio. Se há um grupo de objetos muito significativos para você, pode contar como um item só.

Mesmo se for uma coleção com cem pares de sapatos?

Não há nada de errado em gostar de sapatos, eles são maravilhosos. O que você precisa pensar é o que espera daquele monte de coisas.

Você fica mais feliz vivendo com menos coisas?

Quando você se livra do excesso, fica feliz. Depois passa, a vida continua. Isso é o que faz muita gente desistir. Parar de acumular coisas pode ser bom para o planeta, mas você não vai virar um herói só porque limpou seu armário.

A moral é medida em dinheiro?

2011-12-21T15:41:00.000-03:00

Por Marcia Tiburi, da Revista Cult

A tradição teológica e filosófica nunca conseguiu explicar o “mistério da iniquidade”, a existência do mal como potência do desejo e da ação humanas.

Ora, a corrupção é o mal do nosso tempo. Curiosamente, ela aparece como uma nova regra de conduta, uma contraditória “moral imoral”. Da governalidade aos atos cotidianos, o mundo da vida no qual ética e moral se cindiram há muito tempo transformou-se na sempre saqueável terra de ninguém.

Como toda moral, a corrupção é rígida. Daí a impossibilidade do seu combate por meios comuns, seja o direito, seja a polícia. Do contrário, meio mundo estaria na prisão. A mesma polícia que combate o narcotráfico nas favelas das grandes cidades poderia ocupar o Congresso e outros espaços do governo onde a corrupção é a regra.

Mas o problema é que a força da corrupção é a do costume, é a da “moral”, aquela mesma do malandro que age “na moral”, que é “cheio de moral”. Ela é muito mais forte do que a delicada reflexão ética que envolveria a autonomia de cada sujeito agente. E que só surgiria pela educação política que buscasse um pensamento reflexivo.

Pobre, mas honesto

O sistema da corrupção é composto de um jogo de forças do qual uma das mais importantes é a “força do sentido”. É ela que faz perguntar, por exemplo, “como é possível que um policial pobre se negue a aceitar dinheiro para agir ilegalmente?” O simples fato de que essa pergunta seja colocada implica o pressuposto de que uma verdade ética tal como a honestidade foi transvalorada. Isso significa que foi também desvalorizada.

Se a conduta de praxe seria não apenas aceitar, mas exigir dinheiro em troca de uma ação qualquer na contramão do dever, é porque no sistema da corrupção o valor da honestidade, que garantiria ao sujeito a sua autonomia, foi substituído pela vantagem do dinheiro.

Mas não somente. Aquele que age na direção da lei como que age contra a moral caracterizada pelo “fazer como a grande maioria”, levando em conta que no âmbito da corrupção se entende que o que a maioria quer é “dinheiro”.

Verdade é que a ação em nome de um universal por si só caracteriza qualquer moral. É por meio dela que se faz o cálculo do “sentido” no qual, fora da vantagem que define a regra, o sujeito honesto se transfigura imediatamente em otário.

Se a moral é medida em dinheiro, não entregar-se a ele poderá parecer um luxo. Mas um contraditório luxo de pobre, já que a questão da honestidade não se coloca para os ricos, para quem tal valor parece de antemão assegurado.

Daí que jamais se louve nos noticiários a honestidade de alguém que não se enquadra no estereótipo do “pobre”. Honesto é sempre o pobre elevado a cidadão exótico. Na verdade, por meio desse gesto o pobre é colocado à prova pelo sistema. Afinal ele teria tudo para ser corrupto, ou seja, teria todo o motivo para sê-lo. Mas teria também todo o perdão?

O cidadão exótico – pobre e honesto – que deixa de agir na direção de uma vantagem pessoal como que estaria perdoado por antecipação ao agir imoralmente sendo pobre, mas não está. A frase de Brecht seria sua jurisprudência mais básica: “O que é roubar um banco comparado a fundar um?”.

Ora, sabemos que essa “moral imoral” tem sempre dois pesos e duas medidas, diferentes para ricos e pobres. No vão que as separa vem à tona a incompreensibilidade diante do mistério da honestidade. De categoria ética, ela desce ao posto de irrespondível problema metafísico.

Pois quem terá hoje a coragem de perguntar como alguém se torna o que é quando a subjetividade, a individualidade e a biografia já não valem nada e sentimos apenas o miasma que exala da vala comum das celebridades da qual o cidadão pode se salvar apenas alcançando o posto de um herói exótico, máscara do otário da vez?

Évora: O sentir mais profundo da música

2011-12-20T16:14:00.000-03:00

Por Christiane Marcondes, do Portal Vermelho

Em Todos os Homens são Mortais, a escritora Simone de Beauvoir narra a vida do Conde Fosca, personagem do século XIII que toma o lendário elixir da vida eterna. No século XX, já imerso em tédio e decepção, Fosca conhece uma vaidosa atriz que descobre sua sina e passa a ter uma ambição além das materiais: quer que ele a ame, assim conquistará uma fama que ultrapasse o tempo, permanecendo para sempre na lembrança de um imortal.

Regine, a personagem, não conquista o conde e morre ignorando que a arte é imortal por sua própria natureza. A definição é de Bakunin: “a verdadeira arte é aquela através da qual perpassam rumores de futuro”.

É um bom critério para julgar o contemporâneo em relação ao eterno. Quantos atores, músicos, artistas vivem a fama e desaparecem no rastro do tempo ainda vivos ou após a morte? Outros estão aqui ainda agora e jamais sairão de cena, permanecem com uma vivacidade a toda prova, é o caso de Cesária Évora.

Cesária por Cesária

Mas a imortalidade de um talento não chega de mãos beijadas. A imprensa e a própria história não cultuam obscuridade e fracasso. Por isso é que as honrarias que a morte lega aos escolhidos da arte geralmente não fazem menção aos sacrifícios que a trajetória em direção à consagração exigem.

Para Cesária, os aplausos da crítica e a luz dos holofotes da fama chegaram tarde, após 1985 e um período de 10 anos afastada da carreira; "Vivia com minha mãe, que me sempre me amparou", conta no vídeo a seguir, com a tranquilidade de quem nunca se iludiu com outra ambição a não ser dar corpo e voz a uma vocação natural e irrecusável. Confessa que viveu tempos difíceis.

E que não foi Cabo Verde, terra natal, mas a França, onde deixou muitos fãs e boas lembranças, que elevou seu nome ao panteão dos eleitos: "Até aí, talvez, não tenha encontrado ninguém que me ajudasse", tenta explicar.

Faz referência a mestres portugueses, que lhe ensinaram muito, e arrisca palpite de sucessores seus na sua terra, como a cantora Lura.

Quando confrontada com a afirmação de que ela cantava mais por amizade do que por dinheiro, reage sem alarde: "Quando a gente faz uma apresentação, espera ser paga por ela. Agora, a gente é pouco exigente, contenta-se com um envelope fechado que nos entregam depois de cantarmos", conta.

Na época da entrevista, estava às vésperas de um grande espetáculo em Lisboa. Seria diferente dos outros? "Será igual", responde sem titubear, sem maiores expectativas: "A minha voz mudou, mas a prática me faz cantar melhor, é técnica, só isso", resume.

Conclui a entrevista dizendo que, quando tiver que parar, será de vez: "Não quero sentir saudades do palco".

Cesária pelos amantes da sua música

A cantora de Cabo Verde faleceu no sábado, será enterrada nesta terça (20), mas sua obra não passará. E ela já começa a trilhar nova carreira, primeiro na lembrança dos próximos, que aqui a recordam, depois descoberta por gerações que ainda virão. Sua música está em toda parte onde se buscar. Viva a tecnologia!

Nação de pés descalços

"A primeira vez que chorei em Cabo Verde, há quase vinte anos, foi por ter ouvido a voz de Cesária Évora, que se apoderou de mim como um furacão de alma e sentimento. Tinha acabado de chegar ao Mindelo e pela mão do músico Vasco Martins fomos a um bar de amigos, para um serão tranquilo de boa conversa. Estava sentado, distraído com uma qualquer leitura, quando aquele espaço foi invadido por uma voz única, grave, possante. O disco era o “Miss Perfumado”, o CD que haveria de catapultar Cesária para a fama internacional, por via do mercado francófono e a transformaria na maior embaixadora da história do arquipélago, hoje no mapa global muito por responsabilidade do retumbante e espantoso sucesso da sua impar carreira.

No saudoso Café Royal, da mítica Rua de Lisboa, para onde ela ia quase diariamente, numa época em que ainda não tinha que viajar constantemente, com tournês que a obrigavam a ficar tão longe da sua cidade querida, a sua chegada de carro, sempre com um condutor próprio, e a entrada com os pés descalços no estabelecimento, eram dignos de um cerimonial que nunca mais esquecerei.

A mesa onde se sentava Cesária ia-se enchendo e esvaziando, à medida que ela recebia amigos, familiares, conhecidos ou curiosos. Pagava bebidas a todo o mundo, dava dinheiro aos pedintes, brincava constantemente com aqueles que a rodeavam, muitos já adivinhando que ali estava uma fonte inesgotável de talento e projecção. Na sua casa, sempre tinha a porta aberta, com o mesmo espírito generoso, próprio de uma grande matriarca.

Hoje, depois do choque inicial, a voz de Cesária Évora ecoa por toda a cidade do Mindelo. Nas ruas, nos cafés, nos bares, nos carros, nas vozes das pessoas. Um mendigo grita no centro histórico do Mindelo: Cesária já morrê! Hoje, Cabo Verde, é uma Nação que se curva, de pés descalços, perante a sua maior Diva."

(João Branco, diretor do Grupo de Teatro do Centro Cultural Português do Mindelo)

Saudade com tinta e pincel

Como na tela de um quadro, a tua voz pinta estas paisagens perdidas e os sentimentos que animam o povo das tuas ilhas. Agradeço à vida o privilégio de te ter conhecido, tu que pela tua voz nos fizeste existir perante os olhos do mundo. Sentimos terrivelmente a tua falta.

Sodade, sodade, sodade..."

(Mayra Andrade, cantora)

Um país empobrecido

“Recebi a notícia com profunda tristeza. Cabo Verde fica mais pobre, da mesma forma que ficou mais rica quando ela nasceu, porque nasceu uma estrela que não se apagará, ficará sempre acesa, a brilhar através da sua música.

Espero que todos os cabo-verdianos, sobretudo os mais jovens, dêem valor ao que ela nos deu; muitos não têm noção do que ela nos ofereceu. A Cesária levou-nos de uma parte do mundo para a outra, levou o nome de Cabo Verde por todo o mundo e, quando ela estava em palco, todo o cabo-verdiano estava lá com ela. Ela levou a morna, e o sorriso, e o calor do Mindelo, e ficará na nossa memória. Estamos profundamente tristes. Que descanse em paz. Todo o mundo da música ficou mais pobre, mas um artista, um poeta, nunca morre.”

(Tito Paris, músico)

A dor que se espera não dói menos

“É uma notícia triste, embora esperada. A Cesária já não estava bem há algum tempo, mas quando a notícia chega nunca estamos preparados. O extraordinário sucesso internacional da Cesária mudou por completo a forma como a música cabo-verdiana passou a ser acolhida no mundo e, dessa forma, mudou a própria música cabo-verdiana. Mas mais do que isso, julgo que ela foi muito importante para todo o mundo da música em língua portuguesa, porque ela abriu caminhos para todas as outras culturas.

O que foi extraordinário nela foi ter sido capaz de dar voz a todo esse património que criou. Lembro-me de a ter entrevistado para o Público no início de tudo, antes do sucesso em França. Ela fazia muitos concertos, sobretudo para cabo-verdianos, lembro-me de um na Voz do Operário, para muito pouca gente. E ela já era todo aquele património extraordinário de Cabo Verde, o que explica o seu sucesso era o facto de ela ser muito autêntica naquilo que fazia.”

(José Eduardo Agualusa, escritor)

Perfeição musical, referência humana

“Soube esta manhã, um irmão que vive em Cabo Verde ligou-me a dar a notícia. Fiquei atónito: nos últimos tempos tinha-me dedicado, com uma alegria tremenda, a escrever sobre a Cesária, a sua faceta de artista e pessoal, porque muita gente me perguntava sobre ela. Por todos os contactos que tinha, a informação era que a Cesária estava bem, tranquila, a repousar. Eu imaginava-a à espera da sua passagem de ano, que para nós é uma festa muito mais importante do que o Natal. E agora vem esta surpresa. Ouço as reações, todos falam sobre esta perda irreparável, mas nem consigo pensar nisso, só consigo pensar numa enorme tristeza.

Para mim a Cesária sempre foi o mundo. Cresci numa família de músicos, e ela sempre foi uma grande referência, a Cesária e a minha avó tinham uma relação de grande amizade. Cresci com a ideia que a Cesária era quase a perfeição ao nível musical. Mas eu adorava ir vê-la quando ela ia cantar aem qualquer espaço por causa da sua pessoa, da sua maneira brincalhona. Era isso que eu adorava antes de saber o que a música dela representava. Ela é uma referência incontestável em termos musicais, mas para mim é uma referência humana, absolutamente forte e inspiradora e que eu não quero nunca esquecer.”

(Flávio Hamilton, ator)

O sentir mais profundo da música

Artista singular, que tão bem soube exprimir a cultura e a tradição musical da sua terra, muito para além das fronteiras da Língua Portuguesa, a memória de Cesária Évora é merecedora da nossa elevada consideração.

É com pesar que presto a minha homenagem a Cesária Évora, cujo desaparecimento deixa de luto não só a nação cabo-verdiana mas toda a comunidade da lusofonia, ao mesmo tempo que nos lega uma saudade patente na memória de quem a ouviu cantar o sentir mais profundo da música do seu país, um patrimônio que continuará a ser partilhado por todos nós.

(Cavaco Silva, Presidente da República)

Deusa feita música

"O desaparecimento físico de Cesária deixa-nos sem palavras adequadas e seguras para exprimirmos a funda dor que atravessa o nosso ser. Não se trata aqui de dizer coisas exigidas pelo protocolo ou pela nossa condição de Presidente da República. Cize era - é - única, ímpar, na voz que sobrevoa o pequeno espaço das ilhas e paira sobre o continente vasto de uma nossa alma que rejeita ser feita de pedaços de cada um de nós. Na impossibilidade de retribuirmos a Cesária o que ela nos deu, apenas podemos aprisioná-la nos nossos corações, torná-la deusa, feita música, de um país sofrido, combalido mas eternamente grato a quem tanto fez para dar razão aos que um dia disseram "meu país é uma música".

(Jorge Carlos Almeida Fonseca, Presidente da República de Cabo Verde)

Enquanto o Chaplin dos games não vem

2011-12-19T18:32:00.001-03:00

Por Gabriela Longman, da Ilustrada

O especialista em estudos visuais Josep Català, professor da Universitat Autònoma de Barcelona, defende que a interação possível entre espectador e narrativa pode transformar os jogos de videogame no grande suporte expressivo das próximas décadas, assim como foi a sétima arte ao longo do século 20.

Quando o cinema surgiu, era coisa de mágico, artimanha do demônio, algo a se espiar com desconfiança. Atração de feiras e parques de diversões, dividia espaço com dançarinos anões, animais adestrados, espelhos deformadores de corpo e outras distrações que faziam a alegria das camadas populares em fins do século 19. Mulheres e homens ditos refinados não o frequentavam.

Apesar do sucesso imediato no grande "museu de novidades", o cinema carregava certa aura vulgar num mundo pautado pelas artes visuais e pela literatura. Àquela altura, ninguém poderia supor que a técnica se tornaria a principal plataforma artística narrativa do século 20.

O espanhol Josep Català, professor de direção cinematográfica e estética da imagem na Universitat Autònoma de Barcelona, sugere que fenômeno análogo esteja em curso em relação aos videogames. Vistos ainda pela maior parte das pessoas como brinquedos de adolescentes que buscam apenas dar tiros, pular de fase ou salvar princesas, a interface dos jogos permite uma interação entre o espectador e a narrativa que, segundo o teórico, pode transformar o formato no grande suporte expressivo das próximas décadas.

"'Anna Kariênina' foi escrita no século 19, virou filme no século 20 e poderia perfeitamente se tornar um jogo de videogame no século 21", disse o teórico, durante recente visita ao Brasil para ministrar palestras sobre estudos visuais, tema de seu livro "A Forma do Real" [Summus Editorial].

Os estudos visuais representam para Català uma ampliação da noção de história da arte. Estendem suas fronteiras para além dela e consideram manifestações visuais de naturezas mais amplas -campanhas publicitárias, produtos audiovisuais de toda espécie. Lugar de encontro entre "o real, o imaginário, o simbólico e o ideológico", as imagens e as plataformas de interface são uma forma, talvez a única forma, de adentrar a subjetividade contemporânea.

O processo de multiplicação de imagens na sociedade em que vivemos tende a deixar as pessoas menos imaginativas?

Josep Català - A princípio, quando comecei a estudar as questões da imagem, essa era a minha tese. Pensava que a imagem detinha a imaginação na comparação com a literatura, porque aquele que lê pode imaginar, enquanto a imagem já nos oferece essa passagem por feita. Agora já não vejo assim. A imagem não é um muro que bloqueia a imaginação, pelo contrário: está cheia de impulsos e estímulos que projetam a imaginação para mais além.

É possível ficar só com a superfície da imagem, contentar-se com ela, até porque a imaginação é um procedimento que requer esforço, não se produz automaticamente. Penso, então, que há vários tipos de imagem, algumas mais imaginativas e outras que de certa forma fecham as portas.

A literatura foi fonte para modos de comportamento no século 19, tal e qual o cinema inspirou comportamentos culturais do século 20. Podemos antever um pouco os suportes que pautam nosso comportamento na chamada nova era?

Há um fenômeno bem concreto. O século 19 produziu um largo processo de letramento. Com a alfabetização e introdução no mundo literário nas zonas urbanas mais desenvolvidas, o romance se converte no instrumento de socialização por excelência e o mesmo acontece com o cinema. Penso que, neste momento, os videogames estariam prestes a assumir esse posto. Existem a internet e todas as novas tecnologias, mas, de todas, a mais capaz de incorporar a condição emocional e socializante da narrativa é o videogame.

Ali há uma história que se vive, como se vivia no cinema ou na literatura, e poderíamos pensar inclusive em adaptações. "Anna Kariênina", de Tolstói, foi escrita no século 19, virou filme no século 20 e poderia perfeitamente virar um jogo para videogame.

Quais os indícios desse processo?

Ainda não vimos isso porque a indústria, por enquanto, atira para outro lado, mas dá perfeitamente para pensar. Por enquanto, um videogame dificilmente consegue igualar a complexidade de um livro ou de um filme, mas temos que pensar que, no início do cinema, este também não era capaz de nada muito elaborado. Uma grande parcela da população torceu o nariz para o cinema até os anos 40, 50, sem se dar conta de que ali havia algo muito importante.

Quando o cinema começou, as pessoas punham o olho no cinematógrafo e viam um casal que dava um beijo e nada mais. Na época, se alguém dissesse que ali havia um novo parâmetro artístico, seria acusado de louco. E, no entanto, o cinema chegou num ponto em que é capaz de expressar a mesma complexidade de um grande romance.

É preciso então parar, com calma, e ver o videogame como forma simbólica -a possibilidade de criação de mundos imaginários e interface do jogador com esses mundos. A tendência é a de uma maior participação no mundo narrativo, de tal forma que a identificação, que se estabelecia de forma passiva, passe à forma ativa. Essa é a mudança que poderia haver, mas que ainda não se deu.

Como se estivéssemos esperando por um Chaplin dos videogames...

Sim, exatamente. O exemplo de Chaplin é muito bom, porque Chaplin, de cara, move as massas, faz-se extremamente popular. Também temos que ver que esses novos meios não anulam os anteriores, mas vão se sobrepondo. Ler um livro, ver um filme e participar de um game são experiências distintas e até complementares.

Por enquanto, temos visto com cada vez mais frequência no Brasil a adaptações de grandes romances para os quadrinhos...

As histórias em quadrinhos são um meio poderoso que, por muito tempo, foi visto como infantil. Nos últimos anos surgiram as "graphic novels" com histórias pessoais, memórias, investigações. Há uma densidade dos personagens combinadas com potência visual.

Do ponto de vista estrutural, a HQ se adianta ao cinema. O cinema é um conjunto de imagens que se sobrepõem de modo que a arquitetura cinematográfica não fica visível, enquanto a HQ traz a montagem à tona. No momento em que os desenhistas se deram conta de que tinham uma página para brincar, começaram a inventar novas formas de articulação, muito mais ousadas do que as velhas tirinhas que imitam quadros cinematográficos. Há uma capacidade de interação tremenda, que o próprio cinema agora começa a descobrir, quando reparte a tela e brinca com esses formatos.

Estamos vivendo a transição entre uma geração que cresceu com a televisão -um meio passivo- para uma geração que cresceu com internet, que é interativa. A tendência é que seja uma geração mais criativa, mais ousada?

Eu diria que sim. A geração da televisão, estamos vendo na Europa, é bastante passiva. Há reações ao que está acontecendo, mas também há uma passividade geral diante da crise. As novas tecnologias estão incentivando uma maior participação, mas que ainda não está bem desenvolvida. O potencial da internet como fonte de conhecimento ainda é muito pouco aproveitado.

O sr. costuma falar de uma crise no modelo universitário corrente. De onde ela deriva?

Penso que existe na Europa, mas também em outras partes do mundo, uma espécie hegemonia da mentalidade científica. Campos mais imaginativos têm que se submeter a funcionamentos que não lhes são próprios, com resultados mensuráveis e quantificáveis. Produziu-se uma indústria de produção de conhecimento "útil", enquanto para uma pesquisa de caráter imaginativo, que ninguém sabe ao certo onde vai dar, não há verba. Formarmos alunos para o que as empresas querem nesse momento, mas deveríamos formar alunos capazes de dizer às empresas o que elas vão precisar daqui a cinco ou seis anos. A universidade deveria estar alimentando a sociedade de ideias, e não está.

O sr. opõe duas formas de representação do real, o simulacro de Baudrillard e o espetáculo de Guy Debord. Qual dos dois serve melhor para interpretar a sociedade contemporânea?

Os dois eram muito apocalípticos, mas Baudrillard foi um pouco mais longe. O conceito de simulacro vê sentido na criação de imagens novas, que agora não precisam mais de um referente "real". O pensamento de interface parte disso. A interface é o dispositivo em que, na medida em que atuamos, mudamos a plataforma de modo seja possível continuar. É por aí que estamos indo.

Niemeyer desafia as linhas do tempo e completa 104 anos

2011-12-16T11:50:00.000-03:00

Do Portal Vermelho

O homem que desafia as linhas retas e o tempo. Oscar Niemeyer completou 104 anos ontem (15). O famoso arquiteto brasileiro produziu mais de 600 obras no mundo inteiro, entre elas Brasília. Para marcar a data, Niemeyer apresentará os projetos que desenhou para a sede da Universidade Federal da Integração Latino-Americana (UNILA) em uma nova edição da revista que edita.

"Como sempre a comemoração será limitada a seus amigos mais íntimos, em casa, mas, para não deixar o dia passar em branco, Niemeyer fez coincidir o aniversário com o lançamento da 11ª edição da (revista) Nosso Caminho", disse Luiz Otavio Barreto Leite, um de seus colaboradores.

A revista, outra iniciativa de Niemeyer para continuar ativo e expor suas ideias, destacará nesta edição os planos da sede da Universidade Latino-Americana, que está sendo construída em Foz do Iguaçu, na fronteira com Argentina e Paraguai.

"A revista incluirá um texto inédito sobre o Haiti do (escritor uruguaio) Eduardo Galeano e uma extensa homenagem a Vinícius de Moraes, mas no que Niemeyer mais trabalhou foi na apresentação de suas ideias para a Universidade Latino-Americana e dos diferentes detalhes da obra", antecipou seu colaborador.

De acordo com Leite, "se trata de um projeto pelo qual Niemeyer tem muito apreço" e com o qual quer desenvolver uma velha aspiração do ex-presidente Luiz Inácio Lula da Silva e da atual governante Dilma Rousseff.

O projeto para a universidade, que ocupará 40 hectares na sede de Itaipu, a hidrelétrica compartilhada por Brasil e Paraguai, inclui seis edifícios, alguns já em construção, destinados à reitoria, biblioteca, anfiteatro, restaurante, laboratórios e salas de aula.

Segundo o Governo Federal, a universidade terá capacidade para dez mil estudantes, metade brasileiros e metade de outros países latino-americanos, e oferecerá cursos nas áreas de ciências e humanidades, tanto em espanhol como em português.

A revista Nosso Caminho também apresentará em sua nova edição outros dois projetos desenvolvidos pelo arquiteto nos últimos meses. O primeiro é uma residência particular na Inglaterra que Niemeyer, nascido no Rio de Janeiro em 15 de dezembro de 1907, quer transformar em um modelo da arquitetura moderna.

O outro é o Teatro Musical Rio's, um enorme espaço destinado a shows e musicais, situado no Aterro do Flamengo, que ainda precisa do aval do Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan) e da Prefeitura do Rio para sair do papel.

"A dedicação às diferentes obras que lhe encomendaram, à revista, a seus encontros com amigos para falar de filosofia e a outras atividades é uma forma de mostrar que quer seguir ativo e que não pensa em se aposentar", comentou o colaborador de Niemeyer.

Há exatamente um ano, quando completou 103 anos, o arquiteto de Brasília surpreendeu ao apresentar a letra de um samba que compôs com o enfermeiro Caio Almeida e o músico Edu Krieger. A composição foi a forma que encontrou para se distrair durante o período em que esteve internado em um hospital pelos problemas de saúde que sofreu no ano passado.

Por ocasião do 104º aniversário do artista, o recém criado Conselho de Arquitetura e Urbanismo do Rio de Janeiro realizará amanhã sua primeira reunião em homenagem a Niemeyer, um dos impulsores do órgão.

Outra homenagem acontecerá no Parque Dona Lindu, projetado por Niemeyer no Recife, onde será inaugurada nesta quinta-feira uma exposição retrospectiva de sua obra que incluirá esculturas, maquetes e desenhos.

Se o 103º aniversário do arquiteto esteve marcado pela inauguração de um dos edifícios que desenhou para o Centro Cultural Oscar Niemeyer em Avilês, na Espanha, o 104º o estará por mudanças na administração do espaço e a possível retirada do nome do brasileiro do complexo.

O Governo do Principado de Astúrias anunciou no meio de uma polêmica que assumirá a gestão do Centro, até agora administrado pela Fundação Oscar Niemeyer, e por isso o local terá que mudar de nome.

Nova produção cinematográfica paraibana "Onde Borges tudo vê" será lançada neste sábado (17) em CG

2011-12-15T11:40:00.000-03:00

Universo borgeano - Reflexões existenciais, intimistas e surrealistas em cena

Da Assessoria do filme
Crédito da foto: Wagner Pina

Conflitos humanos e literatura permeiam o longa-metragem “Onde Borges Tudo Vê”, a mais nova obra do diretor Taciano Valério que terá seu lançamento neste sábado (17) no Cinesercla - Boulevard Shopping, localizado na Avenida Prefeito Severino Bezerra Cabral, 1050 Campina Grande, às 10h30.

O filme é baseado em uma livre adaptação do conto homônimo publicado no livro "Fragmentos de um Olhar" lançado em 2002 de autoria do próprio Taciano. Com brilhantes atuações de atores paraibanos, premiados e reconhecidos nacionalmente, como Everaldo Pontes (Napoleão), Verônica Cavalcanti (Yara), Fabiano Raposo (Romão) e Paulo Philippe (Vladimir). A trama se passa através dos olhos de um singelo hamster (Borges). Os personagens interagem a partir de suas particularidades e problemáticas numa atmosfera cotidiana usando locais próprios de Campina Grande, como a Rua Maciel Pinheiro e zona rural de Lagoa de Roça, o filme em seu todo é legitimamente paraibano, tanto no elenco como na equipe de produção e locações filmadas.

O longa-metragem contextualiza em seu enredo a história do falecido poeta argentino Jorge Luis Borges. Importante expoente da literatura latino-americana, sua obra se destaca por abordar temáticas como filosofia, metafísica, mitologia e teologia, em narrativas fantásticas onde figuram os "delírios do racional", expressos em labirintos lógicos e jogos de espelhos, abrangendo o caos que governa o mundo e o caráter de irrealidade em toda a literatura. A partir dessa premissa, Taciano Valério cria em seu longa-metragem um universo tipicamente borgeano inserido no ventre da vida urbana campinense.

A câmera contemplativa leva a perspectiva do filme tanto para reflexões existenciais e intimistas, quanto para aquelas mais subjetivas e surrealistas. Na questão existencialista, o cotidiano de Napoleão, um homem que vive para a literatura, desloca o nosso olhar diante da labuta, paciência, silêncio e isolamento. Na forma intimista a câmera entra em contato com detalhes do espaço físico e na perspectiva surreal os sonhos aparecem através de memórias literárias.

O filme, que conta com o incentivo do FIC (Fundo de Incentivo a Cultura – Augusto dos Anjos) sendo aprovado em 2008, foi gravado em duas etapas, pois sua ideia inicial era para um curta-metragem, virando depois um longa-metragem, o primeiro a ser finalizado nessa retomada que o cinema paraibano vem vivendo.

A primeira etapa foi gravada em meados de dezembro de 2010 e a segunda em 29 de abril do corrente ano. A equipe técnica conta com nomes já conhecidos do cenário artístico da Paraíba, a exemplo de Amazile Vieira na Produção Executiva, Luciano Mariz e Danielle Freire na Direção de Produção, Breno César na Direção de Fotografia, Allanclerystton Pequeno na Direção de Som.

Por que e para que direitos humanos?

2011-12-14T11:30:00.000-03:00

Por Paulo César Carbonari, doutorando e professor de Filosofia

Em 10 de dezembro de 1948 a Assembleia Geral das Nações Unidas (ONU) proclamava a Declaração Universal dos Direitos Humanos. Documento fundacional dos anseios de respeito à dignidade humana, de justiça, de paz e de solidariedade. Em razão desse fato histórico é que esta data é anualmente celebrada no mundo inteiro como o Dia Mundial dos Direitos Humanos. Mas, por que, 63 anos depois, falar de direitos humanos? Para que direitos humanos?

Antes de enfrentar as questões indicadas, uma breve contextualização sobre a elaboração da Declaração. Foi longa e exigiu muitos debates, enfrentou muitas controvérsias e resistências, chegou ao texto que conhecemos depois de muitas votações. A elaboração do documento iniciou-se na sessão plenária da Comissão de Direitos Humanos (CDH/ONU), de janeiro/fevereiro de 1947. Foi conduzida por um comitê de elaboração do qual participaram representantes de oito países (Austrália, Chile, China, EUA, Franca, Líbano, Reino Unido e União Soviética).

A primeira minuta do texto foi anunciada na sessão de dezembro de 1947. Recebeu sugestões até a sessão da CDH/ONU realizada em maio de 1948, que trabalhou até 16 de junho daquele ano para finalizar o texto que apresentou ao Conselho Econômico e Social. Por sua vez, o Conselho o encaminhou para a Assembleia Geral em agosto. O texto foi analisado na terceira Assembleia Geral, que funcionou em Paris de setembro a dezembro de 1948. Foram 1400 votações para que o texto chegasse ao plenário.

Na sessão de 10 de dezembro de 1948, o plenário promulgou o texto que conhecemos depois de votação que registrou 48 votos a favor, nenhum contra, oito abstenções e duas ausências. A Declaração Universal dos Direitos Humanos saiu a público através da Resolução 217-A (III) da Assembleia Geral da ONU.

Austregésilo de Athayde, representante do Brasil, foi escolhido para ser o orador responsável pela apresentação do texto para a Assembleia, em 10 de dezembro. Em seu discurso, declarou que o documento não resultara da imposição de “pontos de vista particulares de um povo ou de um grupo de povos, nem doutrinas políticas ou sistemas de filosofia” e continuou dizendo que “a sua forca vem precisamente da diversidade de pensamento, de cultura e de concepção de vida de cada representante. Unidos formamos a grande comunidade internacional do mundo e é exatamente dessa união que decorre a nossa autoridade moral e política”.

Agora vamos às questões. Primeiro para tratar de explicitar o porquê dos direitos humanos. Esta questão pode ser enfrentada se lembrarmos de que: 1) milhões de seres humanos ainda não vivem em condições humanas e humanizadas – existem “vítimas” e excluídos; 2) seres humanos são/querem ser sujeitos de direitos – exigem a dignidade como valor intrínseco; e 3) somente em relações livres, justas e respeitosas há humanização – se constrói a dignidade e em dignidade e se pode realizar os direitos humanos – mas ainda não as vivemos significativamente.

Agora vamos tratar da finalidade, do para que dos direitos humanos. Esta questão pode ser compreendida se tomarmos em conta ao menos os seguintes aspectos: 1) direitos humanos existem para promover e proteger a dignidade de cada uma e de todas as pessoas; 2) direitos humanos existem para enfrentar todo tipo de vitimização, de exploração, de discriminação, de desigualdade; e 3) direitos humanos existem para gerar animar a luta para garantir acesso e usufruto dos bens necessários à vida boa e para promover o reconhecimento de cada pessoa como quer ser e não como as outras gostariam que ela fosse.

As razões aduzidas para justificar os direitos humanos e para indicar sua finalidade continuam desafiantes nos dias atuais, assim como foram no momento da proclamação da Declaração Universal dos Direitos Humanos. Por isso é que cada pessoa e a sociedade como um todo estão chamadas à reflexão para que os direitos humanos, mais do que serem a lembrança de um dia, sejam a ação de todos os dias. Este é o compromisso que se renova neste mês de dezembro de 2011.

Você está se tornando uma máquina humana?

2011-12-12T17:55:00.000-03:00

Por Eliane Brum, da Revista Época

Pedro – o nome é fictício porque ele não quer ser identificado – é um cara por volta dos 40 anos que adora o seu trabalho e é reconhecido pelo que faz. É casado com uma mulher que ama e admira, com quem tem afinidade e longas conversas. Juntando os fundos de garantia e algumas economias os dois compraram um apartamento anos atrás e o quitaram em menos de um ano. Este é o segundo casamento dele, e a convivência com os dois filhos do primeiro é constante e marcada pelo afeto. Ao contrário da regra nesses casos, a relação com a ex-mulher é amigável. Pedro tem vários bons amigos, o que é mais do que um homem pode desejar, acha ele, porque encontrar um ou dois bons amigos na vida já seria o bastante, e ele encontrou pelo menos uns dez com quem sabe que pode contar na hora do aperto. A vida para Pedro faz todo sentido porque ele criou um sentido para ela.

Ótimo. Ele poderia ser personagem de uma daquelas matérias sobre sucesso, felicidade e bem-estar. Mas há algo estranho acontecendo. Algo que pelo menos Pedro estranha. Há dois anos, Pedro toma Lexapro (um antidepressivo), Rivotril (um ansiolítico, tranquilizante) e Stilnox (um hipnótico, indutor de sono). Dou os nomes dos remédios porque os psicofármacos andam tão populares que se fala deles como de marcas de geleia ou tipos de pão. E o fato de nomes tão esquisitos estarem na boca de todos quer dizer alguma coisa sobre o nosso tempo.

Pedro conta que a primeira vez que tomou antidepressivo, anos atrás, foi ao perder uma pessoa da família. A dor da perda o paralisou. Ele não conseguia mais trabalhar. Queria ficar quieto, em casa, de preferência sem falar com ninguém. Nem com a sua mulher e com os filhos ele queria conversar. Pedro só queria ficar “para dentro”. E, quando saía de casa, sentia um medo irracional de que algo poderia acontecer com ele, como um acidente de carro ou um assalto ou ser atingido por uma bala perdida. Ele mesmo pediu indicação de um bom psiquiatra a uma amiga que trabalha na área. Pedro sentia que estava afundando, mas temia cair na mão de algum charlatão do tipo que receita psicofármacos como se fossem aspirinas e acredita que tudo que é do humano é uma mera disfunção química do cérebro.

O psiquiatra era sério e competente. Ele disse a Pedro não acreditar que ele fosse um depressivo ou que tivesse síndrome do pânico, apenas estava em um momento de luto. Precisava de tempo para sofrer, elaborar a perda e dar um lugar a ela. Receitou um antidepressivo a Pedro para ajudá-lo a sair da paralisia porque o paciente repetia que precisava trabalhar. A licença em caso de luto – dois (!!!!) dias, segundo a legislação trabalhista – já tinha sido estendida por um chefe compreensivo. Por Pedro ser muito bom no que faz recebera o privilégio de duas semanas de folga para se recuperar da perda de uma das pessoas mais importantes da vida dele. Pedro não queria “fracassar” nessa volta. E não “fracassou”. Com a ajuda do antidepressivo, depois de algumas semanas ele voltou a produzir com a mesma qualidade de antes. Três meses depois da morte de quem amava, ele já voltara a ser o profissional brilhante.

Pedro tomou o antidepressivo por cerca de um ano, com acompanhamento rigoroso e consultas mensais. Como não agradava nem a ele nem era o estilo do psiquiatra que escolheu, pediu para parar de tomar o remédio. O psiquiatra concordou, e Pedro foi diminuindo a dose da medicação até cessar por completo. Tocou a vida por mais ou menos um ano e meio.

Neste intercurso, ele se tornou ainda mais criativo. Aumentou o número de horas de trabalho, que já eram muitas, porque se sentia muito potente. Pedro multiplicou o seu sucesso, que sempre foi medido por ele não pela quantidade de dinheiro, mas de paixão. E achava que tudo estava maravilhoso até começar a ter insônia. Pedro dormia e acordava, sobressaltado. Sem conseguir voltar a dormir, pensamentos terríveis passavam pela sua cabeça. Pedro pensava que perderia todo o seu sucesso, a sua possibilidade de fazer as coisas que acreditava e às vezes temia morrer de repente. As noites de Pedro passaram a ser povoadas por catástrofes imaginárias, mas bem reais para ele. E, toda vez que saía de casa pela manhã, voltara a ter medo de ser atingido por alguma fatalidade, por algo que estaria sempre fora do seu controle.

Algumas semanas depois do início da insônia, Pedro paralisou de novo. Não conseguia trabalhar – e este, para Pedro, era o maior dos pesadelos reais. Voltou ao consultório psiquiátrico e há dois anos toma os três remédios citados. Pedro, que sempre tinha olhado com desconfiança para a prateleira de psicofármacos, começou a achar natural precisar deles para enfrentar os dias e também as noites. “Que mal tem tomar uma pílula para dormir?”, dizia para a mulher, quando ela o questionava. “Ou tomar umas gotas de tranquilizante para não travar o maxilar de tensão? Ou 15 mg de antidepressivo para vencer a vontade de se atirar no sofá e ficar apenas olhando para dentro?” Sua mulher conta que ele parecia o Capitão Nascimento, em “Tropa de Elite”, tomando comprimidos no banheiro e dizendo à esposa: “Isso aqui não tem problema nenhum. Todo mundo faz isso. Não tem problema nenhum”.

Em 2011, Pedro teve momentos em que achou que tudo estava muito bem mesmo. E, se para tudo ficar tão bem era preciso tomar algumas pílulas, não tinha mesmo problema nenhum. Pedro talvez nunca tenha produzido tanto como neste ano e, por conta disso, até ganhou um aumento de salário sem precisar pedir. Mas, às vezes, não com muita frequência, ele se surpreendia pensando que algumas dimensões da sua vida tinham se perdido. Pedro não tinha mais o mesmo desejo pela sua mulher, e o sexo passou a ser algo secundário na sua vida. Não tinha mais tanto desejo pela sua mulher nem desejo por mulher alguma. “Efeito colateral do antidepressivo”, conformou-se.

Pedro trabalhava tanto que tinha reduzido às idas ao cinema, os encontros com os amigos e a pilha de livros ao lado da cama continuava no mesmo lugar. Ele também tinha perdido o interesse por viagens de lazer com a família, porque estava ocupado demais com seus projetos profissionais. Pedro constatou que os momentos de subjetividade eram cada vez mais escassos na sua vida. E, embora o trabalho lhe desse muita satisfação, ele tinha eliminado uma coleção de pequenos prazeres do seu cotidiano. Por volta do mês de setembro, Pedro começou a sentir uma difusa saudade dele mesmo que já não conseguia ignorar.

“Devagar eu comecei a perceber que tinha criado uma vida que não podia sustentar sem medicação. E tinha aceitado isso. Como, acho, boa parte das pessoas que conheço e que tomam esse tipo de remédio”, conta. “Eu só consigo fazer tudo o que faço porque tenho essa espécie de anabolizante. Sou um bombado psíquico. Vivo muitas experiências todo dia e não tenho nenhum tempo para elaborar essas experiências, como não tive tempo para elaborar o meu luto. É uma vida vertiginosa, mas é uma vida não sentida. Às vezes tenho experiências maravilhosas, mas, na semana seguinte, ou na mesma semana, já não me lembro delas, porque outras experiências se sobrepuseram àquela. E sei que só durmo porque engulo pílulas, só acordo porque engulo pílulas. Só suporto esse ritmo porque engulo pílulas. Até pouco tempo atrás eu achava que tudo bem, então eu ficaria tomando pílulas pelo resto da vida. Em vez de mudar meu cotidiano para que ele se tornasse possível, eu passei a esticar meus limites porque sabia que podia contar com os medicamentos e, se voltasse a cair, me iludia que bastaria aumentar a dose. Eu me tornei uma equação: Pedro + medicamentos. Aos poucos, porém, comecei a perceber que não é essa vida que eu quero para mim. Tem algo errado quando a vida que você inventou para você só é possível porque você toma três comprimidos diferentes para poder vivê-la. E, talvez, daqui a pouco, eu esteja tomando Viagra para ter desejo pela mulher que amo. Isso aos 40 anos. E, com o tempo, os efeitos colaterais desses remédios vão causar, pelo prolongamento do uso, doenças em outras partes do meu corpo. Eu sei que muita gente, como eu, já se habituou a achar que é normal viver à custa de pílulas. Mas, se você parar para pensar, isso é uma loucura. Isso, sim, é doença. E os médicos estão nos mantendo doentes, mas produtivos, usando os remédios para ajustar a máquina a um ritmo que a máquina só vai aguentar por um certo tempo. De repente, percebi que eu era uma máquina humana. E que eu estava usando remédios legais como se fossem cocaína e outras drogas criminalizadas. E o mais maluco é que todo mundo acha que tenho uma vida invejável e que está tudo ótimo comigo. Por serem drogas legais, por causa da popularização de coisas como depressão e síndrome do pânico, todo mundo acha normal eu tomar pílula para ter coragem de sair da cama de manhã e pílula para conseguir dormir sem ter medo de morrer no meio da noite. De repente, me caiu a ficha, e eu comecei a enxergar que estamos todos loucos, a começar por mim. Loucos por achar que isso é normal.”

Com a autorização de Pedro, procurei o psiquiatra dele para uma conversa. É um profissional inteligente e sério. E foi de uma honestidade rara. Perguntei a ele porque receitava psicofármacos para gente como Pedro. “Porque vivemos num mundo em que as pessoas não têm tempo para elaborar o que é do humano. Muitas vezes eu me deparo com essa situação no consultório. Vejo uma pessoa ali me pedindo antidepressivo porque não consegue mais trabalhar, não consegue mais tocar a vida. Eu sei que ela não consegue mais trabalhar nem tocar a vida porque é a sua vida que se tornou impossível, porque precisa de um tempo que não tem para elaborar o vivido. É óbvio que não é possível, por exemplo, elaborar um luto ou uma separação em uma semana e seguir em frente como se nada tivesse acontecido. Assim como não é possível viver sem dúvidas, sem tristezas, sem frustrações. Tudo isso é matéria do humano, mas o ritmo da nossa vida eliminou os tempos de elaboração. Essa pessoa não é doente – é a vida dela que está doente por não existir espaço para vivenciar e elaborar o que é do humano. Só que esse cara precisa trabalhar no dia seguinte e produzir bem ou vai perder o emprego. Então eu dou o antidepressivo e faço um acompanhamento sério, com psicoterapia, para que esse cara possa dar um jeito na vida e parar de tomar remédios. É um dilema e não tem sido fácil lidar com ele, mas é neste mundo que eu exerço a profissão de psiquiatra. Porque no tratamento da depressão, de verdade, a doença, de fato, é muito difícil obter resultados, mesmo com os medicamentos atuais. Assim como outras doenças psíquicas, quando são doenças mesmo. Os resultados são muito mais lentos – e às vezes não há resultado nenhum. A maioria das pessoas que estamos medicando hoje não é doente. E por isso o resultado é rápido e parece altamente satisfatório. Estas pessoas só precisam dar conta de uma vida que um humano não pode dar conta.”

Pedro, que nunca foi adepto das famosas resoluções de Ano-Novo, desta vez se colocou uma que talvez seja a empreitada mais difícil que já enfrentou. “Estou reduzindo progressivamente a dose dos medicamentos e vou parar até março. Minha meta, em 2012, e talvez leve muitos réveillons para conseguir alcançar isso, é criar uma vida possível para mim. Uma vida e uma rotina que meu corpo e minha mente possam dar conta, uma vida em que seja possível aceitar os limites e lidar com eles, uma vida em que eu tenha tempo para sofrer e elaborar o sofrimento, e tempo para usufruir das alegrias e dos pequenos prazeres e da companhia dos que eu amo. Sei que vai ter um custo, sei que vou perder coisas e talvez tenha até de mudar de emprego, mas acho que vai valer a pena. Não quero mais uma mente bombada, nem ser uma máquina bem sucedida. Quero só uma vida humana.”

Torço por Pedro, torço por nós.

Louvando quem bem merece

2011-12-09T23:11:00.000-03:00

Por Lucia Couto, professora e prefeita universitária da UEPB
Crédito da foto: Paizinha Lemos

Na última quarta-feira (07) a professora Marlene Alves chamou a seu gabinete a equipe da Prefeitura Universitária, atualmente envolvida em dedicação exclusiva à conclusão dos blocos 4 e 5 da Central de Aulas. Um pouco constrangidos por estarem com as roupas empoeiradas, a equipe entrou e se acomodou nas cadeiras e poltronas do gabinete.

Em silêncio escutaram da reitora palavras de gratidão e respeito pela atitude corajosa e respeitosa de todos os que fazem a Prefeitura Universitária para com a Instituição. É a dedicação, competência e tenacidade desses funcionários que irá garantir o início do semestre 2012.1 na Central de Aulas, com a tão esperada transferência dos cursos do Centro de Educação e do curso de Serviço Social.

Uma reunião histórica pela demonstração de valorização desses trabalhadores, que em sua humildade, se sentiram honrados por terem sido chamados pela Reitora que, num gesto nobre e honesto, afagou seus egos fazendo-os superar o constrangimento de adentrarem, em trajes de trabalho, um recinto onde até hoje só entraram para cumprir missões de trabalho. Quarta-feira passada foram chamados e recebidos como todos os ilustres que já passaram por aquela sala.

Bravo ao suor do trabalhador.

Bravo professora Marlene!

"Louvando o que bem merece e deixando o ruim de lado". (Louvação - Elis Regina e Torquato Neto)

Crianças: presas no mundo, soltas na Internet

2011-12-07T11:18:00.000-03:00

Por Rosely Sayão, psicóloga e escritora

Uma pesquisa apontou, em 2005, as crianças brasileiras como as que mais assistiam à televisão. Será que a situação mudou de lá para cá? Ou nossas crianças continuam campeãs nessa modalidade?

Pode ser que tenham trocado a televisão pelo computador, porque uma pesquisa atual revelou que nossas crianças são as que acessam as redes sociais mais cedo. Ou será que somaram as horas em frente à TV com as horas diante do computador?

Muitas crianças, aos nove anos, já tinham telefone celular e o usavam com intimidade. Agora, com essa mesma idade, muitas já possuem vários outros aparelhos, com funções variadas. O tablet é apenas mais um deles que permite acesso à internet.

Criar páginas e perfis em sites de relacionamento é uma entre as várias atividades que os mais novos podem realizar na internet.

O curioso fica por conta de um detalhe: esses sites não são indicados para crianças. Pelo menos, não para as que têm menos de 13 anos.

Muitos insistem que nossas crianças se mostram cada vez mais precoces. Apostam que elas sabem o que querem, que usam todos os recursos da informática de forma até melhor que os próprios pais e outros adultos da família, que têm vida social intensa etc.

Por outro lado, com a violência urbana, as crianças têm sido cada vez mais tuteladas em sua relação com o mundo real.

Os pais temem que seus filhos transitem pelo mundo público desacompanhados. Desse modo, crianças e adolescentes vão de casa para a escola sempre levados pelos pais ou por seus substitutos, assim como para festas e outros locais que frequentam. Mas, nesses locais, ficam sozinhos ou com seus grupos.

É comum vermos grupos de crianças entre nove e 12 anos nos shoppings sem a companhia de adultos, não é?

O mais provável é que seus pais as levem até lá e marquem uma hora para buscá-las depois que a programação planejada terminar.

Mas, nesse intervalo de tempo, as crianças ficam sozinhas. Como o local é fechado, os pais consideram a situação segura.

Da mesma maneira, consideram segura a relação dos filhos com a internet.

Mesmo com todos os alertas que têm sido dados, o mundo virtual parece bem menos ameaçador do que o real, para os pais.

Agora, vamos juntar algumas informações que temos.

Escolas têm tido dificuldade para contribuir positivamente com a socialização de seus alunos no espaço público. A explosão de pequenas violências entre eles no espaço escolar -fenômeno que tem sido chamado de bullying indiscriminadamente- é uma prova disso.

Além disso, a própria competição escolar por boas colocações, classificação etc. em nada ajuda na socialização dos mais novos.

Quanto aos pais, esses socializam seus filhos para o convívio no espaço privado, que é marcado pela afetividade. E, nas cidades, não há outro espaço além da escola que tenha a função de contribuir de maneira educativa com o processo de socialização dos mais novos.

Isso significa que eles têm crescido sem aprender, no conceito e na experiência, a conviver respeitosamente com o outro com quem não tenha vínculos afetivos.

E tem mais: também não aprendem a proteger a sua intimidade e a sua privacidade. Aliás, talvez nem aprendam o sentido disso.

E, quem não aprende a ter habilidade social no mundo real, como poderá ter habilidade no mundo virtual?

Precisamos pensar nisso antes de considerar os inúmeros e reais benefícios que as crianças podem colher no mundo da internet.

INCRA/PB contratará pessoas para elaboração de Relatórios Antropológicos de territórios quilombolas

2011-12-05T17:23:00.001-03:00

A Superintendência Regional do INCRA na Paraíba, lançou na última quarta-feira (30), um processo de licitação a fim de contratar pessoas físicas ou jurídicas para elaborar Relatórios Antropológicos de seis territórios quilombolas no Estado. O objetivo é acelerar o processo de regularização das áreas, que culmina com a concessão do título de propriedade da terra às comunidades, beneficiando aproximadamente 390 famílias.

O aviso de licitação - na modalidade pregão eletrônico, do tipo menor preço global - foi publicado no Diário Oficial da União e as propostas já podem ser entregues a partir desta data. Os interessados terão até as 10h do dia 12 de dezembro para enviar as propostas de realização do trabalho, que envolve levantamento de campo, pesquisas etnográficas, bibliográficas e documentais para a caracterização histórica, econômica, sociocultural e ambiental das comunidades.

O relatório antropológico é a peça inicial do processo administrativo de regularização dos territórios quilombolas. A missão foi atribuída ao INCRA em 2003, com a promulgação do Decreto nº 4.887, que regulamentou o procedimento para identificação, reconhecimento, delimitação, demarcação e titulação das terras ocupadas pelos remanescentes das comunidades dos quilombos de que trata a Constituição Federal, em seu Artigo 68, do Ato das Disposições Constitucionais Transitórias.

Atualmente existem 27 processos de regularização territorial cadastrados nesta superintendência. O Edital está disponível no portal http://www.comprasnet.gov.br/

Mulheres ou pedaços de carne?

2011-12-02T20:02:00.000-03:00

Da Revista Cult

Sherazade, personagem da obra As mil e uma noites é o objeto das críticas da escritora libanesa Joumana Haddad, que, na verdade, se dirigem a uma questão maior, a posição da mulher na atualidade. “Não é apenas no mundo árabe, eu não aceito que haja mulheres que precisem negociar um direito que já lhes pertença. Também acho que as que aceitam ser tratadas como um pedaço de carne são comparáveis às que vestem burcas”, afirmou durante o painel “Quem é a nova mulher árabe”, na Fliporto.

Em conversa com o jornalista Silio Boccanera, Haddad comentou o título de seu livro, Eu matei Sherazade – confissões de uma árabe enfurecida, relembrando a história da personagem. “Ela era uma mulher inteligente, que se salvou da morte utilizando sua cultura e imaginação, mas o problema é que ela estava negociando o direito de permanecer viva. Eu a matei porque não temos que dizer: ‘dê esse mundo para nós’, esse mundo é nosso.” A escritora ainda comentou a tendência a se eximir da culpa pelo problema, “a responsabilidade de fazer as coisas mudarem não é dos homens, é das mulheres. Quando você dá encargos a alguém, também dá poder”.

Muito aplaudida pela plateia, Haddad leu partes de seu livro e explicou suas críticas. “Eu falo basicamente sobre a autoridade patriarcal, que não é fortalecida apenas por homens, mas por algumas mulheres”. A escritora comentou que se define uma pós feminista, por não concordar com algumas posturas do movimento precursor. “Um erro foi transformar os homens em demônios. Existem misóginos, como existem os que podem ser feministas. Outro erro foi dizer não à feminilidade, como se isso fosse sinônimo de fraqueza.”

Haddad nasceu e ainda vive no Líbano: “dizem que o país é bem moderno se comparado ao outros árabes. Essa é uma visão perigosa, porque tudo acontece apenas superficialmente, as leis não são tão modernas assim”. Sobre a publicação de seu livro no país, disse que há um mês foi lançado na capital, Beirute. “Meu editor diz que está vendendo bem, mas ninguém comenta, os jornais não dizem nada, a não ser que estou me ocidentalizando. Eu digo que não, apenas sou favorável aos direitos da Declaração, que os países árabes também assinaram”.

A maturidade dos documentários nacionais

2011-12-01T21:41:00.000-03:00

"Ônibus 174"- Documentário retrata sequestro de um ônibus na zona sul do Rio de Janeiro

Por Amir Labaki, do Caderno Ilustríssima

RESUMO

Em texto publicado originalmente no catálogo oficial do Festival Internacional de Documentários de Amsterdã, o diretor do É Tudo Verdade, membro do conselho do festival holandês, analisa como a revolução digital e outros fatores impulsionaram a revitalização dos documentários brasileiros.

Um balanço inicial do documentário brasileiro no século 21 aponta uma produção crescente, mais variada e complexa, com ampliada presença nas salas de cinema. A mostra especial "Cinema do Brasil" no IDFA (International Documentary Film Festival Amsterdam) deste ano apresentou uma seleção representativa dos títulos mais marcantes do período, com 13 longas-metragens, além de uma retrospectiva especial de nosso principal cineasta, Eduardo Coutinho, e de seis curtas-metragens experimentais no ciclo paralelo "Paradocs do Brasil".

O documentário atravessa com rara regularidade a história do cinema brasileiro. Em vários momentos, como durante o cinema novo, nos anos 60, e a retomada, a partir de meados dos 90, cumpriu o papel de locomotiva estética que desbravou caminhos desconhecidos e puxou os vagões. Os principais cineastas brasileiros assinaram documentários, de pioneiros, como Alberto Cavalcanti e Humberto Mauro, a realizadores com recente consagração internacional, como Fernando Meirelles, José Padilha e Walter Salles.

Hoje a produção brasileira de longas documentais alcança a expressiva marca anual de cerca de 70 títulos, principalmente devido aos subsídios e financiamentos públicos e ao voluntarismo de produtores e cineastas. A parceria com a televisão, essencial nos grandes centros produtivos do mundo, é quase inexistente.

A participação do gênero nas salas de cinema ampliou-se neste século. Dos dois títulos que estrearam no país em 1998, alcançou-se uma nova média anual de 35 longas documentais a conseguir distribuição comercial, o que representa um terço dos lançamentos brasileiros. O calcanhar de Aquiles, contudo, é a performance nas bilheterias de cada título, raramente ultrapassando a marca de 10 mil ingressos. O melhor resultado recente (70 mil ingressos vendidos no ano passado) deve-se ao documentário musical "Uma Noite em 67", de Renato Terra e Ricardo Calil, presente neste IDFA.

FORTALECIMENTO

Um dos primeiros marcos da revitalização do documentário brasileiro, impulsionado, entre outros fatores, pela revolução digital, foi "Nós que Aqui Estamos por Vós Esperamos" (1999), de Marcelo Masagão, exibido e debatido pelo cineasta no IDFA do mesmo ano. Estreando em longa-metragem, Masagão inovou o cinema de arquivo a partir de uma recontextualização radical do "found footage" numa fragmentária narrativa histórica com toques ficcionais que resume "o breve século 20", segundo a célebre fórmula do historiador Eric Hobsbawm.

Submetendo o cinema de arquivo às regras dramáticas dos "thrillers documentários" à moda "Um Dia de Setembro" (1998), de Kevin Macdonald, o também estreante José Padilha ajudou a despertar o interesse internacional pelo novo documentário brasileiro com "Ônibus 174" (2002). Tendo como montador e codiretor Felipe Lacerda, reconstituiu o trágico sequestro de um ônibus no Rio a partir, principalmente, de imagens e sons do cerco captadas por inúmeras câmeras, inclusive as do departamento de trânsito. O cinema de Padilha já exibia aqui uma de suas maiores qualidades: a sintonia com grandes temas nacionais, como a imensa dívida social e a violência urbana."Tropa de Elite" (2007) não tardaria.

O mais popular subgênero a firmar-se nas salas de cinema tem sido o documentário musical. Uma de suas obras formalmente mais originais, ao incluir rara reflexividade, é "A Pessoa É para o que Nasce" (2003), de Roberto Berliner, apoiado pelo Jan Vrijman Fund. Berliner documenta o cotidiano e a evolução da vida de três irmãs cegas que lutam pela sobrevivência como cantadoras de coco.

"A Pessoa É para o que Nasce" vai muito além de retratá-las em suas existências de imensas privações e tocantes dramas familiares. Radicalizando as lições da escola antropológica do cinema verdade segundo Jean Rouch (1917-2004), Berliner explicita a intervenção do aparato cinematográfico em suas vidas e discute o impacto da absorção de sua arte e de suas histórias pela indústria cultural brasileira.

A reconstituição dos primeiros passos artísticos de alguns dos nomes centrais da atual música brasileira, como Caetano Veloso, Chico Buarque, Edu Lobo e Gilberto Gil, explica o grande sucesso em 2010 de "Uma Noite em 67". Os estreantes Renato Terra e Ricardo Calil apresentam pela primeira vez em tela grande a crônica do espetáculo de premiação do popularíssimo festival televisivo de música, consagrado como um dos divisores de águas na cultura nacional contemporânea, por exemplo, como um dos berços do tropicalismo.

Três títulos sinalizam uma guinada mais cosmopolita da recente produção. Vencedor da disputa nacional do festival É Tudo Verdade de 2006, "Cidadão Boilesen", de Chaim Litewski, pesquisou na Dinamarca as raízes do imigrante que, como empresário, se vinculou à máquina repressora da ditadura militar de 1964. Por sua vez, Vicente Ferraz foi à Cuba, onde estudara, para recuperar os bastidores da produção de uma obra-prima subestimada do início da Revolução Cubana -"Sou Cuba" (1964), de Mikhail Kalatozov.

Devido a seu formalismo de planos-sequência inimagináveis e distorções fotográficas e sonoras, o filme foi tratado como um tropeço indesculpável por mais de três décadas. Um dia, Francis Ford Coppola e Martin Scorsese o descobriram, restauraram e, em 1995, relançaram. O crítico J. Hoberman, da revista nova-iorquina "Village Voice", comparou o achado com um "mamute siberiano". Eis a origem do subtítulo do documentário de estreia de Ferraz, que leva o nome do filme de Kalatozov.

José Padilha também lançou os olhos para além das fronteiras nacionais para realizar seu mais recente documentário, "Segredos da Tribo" (2010), uma coprodução BBC/HBO. Ele disseca os bastidores de uma missão antropológica junto a uma tribo ianomâmi nos anos 60. Acusações de abusos opõem pesquisadores e pesquisados, colocando em xeque a relação entre ética e ciência.

O mais importante projeto de renovação do cinema etnográfico brasileiro, Vídeo nas Aldeias, fundado por Vincent Carelli, conhece sua síntese autobiográfica em "Corumbiara" (2009). Um quarto de século de militância audiovisual pelo respeito à população indígena, tornada documentarista da própria história pelo projeto, é sumarizada enquanto se busca esclarecer uma antiga chacina na ocupação da Amazônia.

NOVOS DISCURSOS

Na busca de novos discursos não ficcionais, três realizadores se consolidaram na última década: Cao Guimarães, Kiko Goifman e Maria Augusta Ramos. Em "Andarilho" (2006), Guimarães radicaliza a inflexão de sua obra em direção às artes visuais. A ênfase concentra-se no registro de uma situação no mundo, aqui a errância de homens, e não na explicação. É a plasticidade sobrepondo-se aos compromissos narrativos.

Formado na escola da videoarte, Goifman articula em "33" (2002) um dispositivo original. Todo um projeto multimidiático, centrado num diário on-line, acompanhou a gravação, por 33 dias (sua idade à época), de sua busca pela mãe biológica, que o legou em adoção quando bebê. A obra fílmica resultante tinge o estilo consagrado do videodiário com tintas emprestadas pelo policial noir clássico.

Por sua vez, Maria Augusta tem dado continuidade em sua carreira brasileira à exploração das fronteiras entre documentário e ficção, característica de sua primeira fase de formação na Holanda ("Desi", apresentado no IDFA 2000). A partir de uma proibição legal de exibir adolescentes infratores sob cuidados da Justiça, "Juízo" reencena casos verídicos de audiência judicial usando jovens habituados às mesmas circunstâncias de risco social. Contracenando com eles, os demais participantes vivem seus verdadeiros papéis: familiares, juízes, advogados, funcionários de uma instituição reformadora.

Talvez nenhuma trajetória espelhe com maior nitidez a crescente sofisticação do documentário brasileiro na era digital que a de João Moreira Salles -que, com o irmão Walter Salles, foi curador os "Top Ten" do IDFA 2002. A exibição de "Entreatos" (2004) e "Santiago" (2006) pelo ciclo explicita a curva de sua produção, do domínio do cinema direto clássico até o documentário autobiográfico ensaístico.

Realizado na mesma época de "Peões", de Eduardo Coutinho, também presente na mostra, "Entreatos" segue a primeira campanha vitoriosa de Lula à Presidência. Ao contrário de clássicos do gênero, como "Primary" (1960), de Robert Drew, e "The War Room" (1993), de D. A. Pennebaker e Chris Hegedus, nada se registra dos compromissos públicos da disputa, mas sim os intervalos privados do cotidiano do candidato. É assim, entre o épico e o íntimo, que se desenvolve "Entreatos".

"Santiago" é, por sua vez, reflexivo e autobiográfico, desenvolvido a partir de um depoimento do idiossincrático mordomo argentino da mansão em que João cresceu no Rio. A incapacidade de fazer um filme daquelas entrevistas, rodados uma década antes, é o motor do agora ensaio fílmico.

Involuntariamente, "Santiago" dialoga com "De Zee Die Denkt" (o mar que pensa, 2000), ensaio documental sobre a feitura de documentários que valeu a Gert de Graaf o prêmio máximo do IDFA 2000. Enquanto o holandês discute o processo de forma externa, criando um roteiro que exemplifica as etapas da feitura de um documentário, o brasileiro o faz como autocrítica, a partir de material preexistente captado pelo próprio realizador. Com "Santiago", o documentário brasileiro parece ter deixado para trás sua era da inocência.

Boa oportunidade para docentes universitários que trabalham o tema Sustentabilidade

2011-11-30T22:48:00.001-03:00

O Banco Santander, através da divisão Santander Universidades, lançou ontem (29), um programa cujo objetivo é reconhecer o trabalho de professores universitários que trabalharem com a temática de sustentabilidade nas disciplinas obrigatórias do primeiro semestre de 2012. A ação irá premiar as melhores propostas pedagógicas de professores universitários que envolvam a temática sustentabilidade e as inscrições começam em janeiro de 2012. Esta será uma boa oportunidade para que os docentes da UEPB que trabalham o tema sustentabilidade inscrevam seus projetos.

Ao final do semestre, serão premiadas e disseminadas as melhores práticas em educação que estimulem os alunos a fazerem uma ponte entre o tema central da disciplina e questões sociais, ambientais ou econômicas.

Os docentes interessados em participar da premiação deverão inscrever e apresentar sua proposta pedagógica a partir do dia 26 de janeiro. A busca por soluções inovadoras no trabalho, o papel das empresas no mundo sustentável e a sensibilização dos alunos quanto ao seu futuro papel na sociedade serão aspectos considerados na hora de encontrar o vencedor.

Por meio do programa, o Santander visa estimular, reconhecer e promover a multiplicação de práticas educativas que tenham como meta a formação de profissionais mais preparados para a gestão e geração de negócios sustentáveis no Brasil. Além disso, reconhece o papel das instituições de ensino superior na sociedade.

Mais informações sobre o programa de reconhecimento podem ser obtidas aqui.

Mário Lago em família: “a porta de casa estava sempre aberta”

2011-11-29T11:54:00.000-03:00

Por Christiane Marcondes, do Portal Vermelho

Antônio Henrique Lago, jornalista de longa e inspirada carreira, fala aqui do pai, Mário Lago, recordando cenas entre quatro paredes. Diz quais são seus trabalhos favoritos e compartilha ensinamentos de toda uma vida. Os fãs do artista plural vão adorar saber que, além de grande na vida pública, ele foi o pai que todo mundo gostaria de ter!

No último dia 26, Mário Lago completaria 100 anos. Morreu em 2002 sem contas a acertar com a vida. Foi tudo o que quis, dispensando já aos 13 anos a casaca de diplomata da qual a mãe fazia questão. Justificou para o filho: “Você é alto, magro, vai cair muito bem”.

Lago tinha outros planos e, apesar da pressão contra, ninguém na casa tinha moral para reclamar. O pai e avós, além de tios, eram todos músicos, como Mário que, já aos 15, fez uma marchinha para a namorada, com declaração de amor ditada pela militância política, outra vocação. Dizia: “nosso amor vai melhorar quando vier a Constituição”.

Com esses versos, o adolescente selou o destino definitivo e um elefante branco invadiu a sala de visitas da casa. O pai sentenciou: “Você está treinando para profissão de fome”.

Ainda bem que não foi praga, nem foi de coração, não pegou. Mas dinheiro, a julgar pelo que o Mário personagem público expunha, nunca sobrou. Nem faltou. Em entrevista no programa “Ensaio”, da TV Cultura, Mário se aventurou a fazer uma conta de cabeça. Complicou-se tanto que ninguém conseguiu sequer ajudá-lo. Explicou que foi reprovado três vezes em matemática e soltou a piada, já que bom humor, sim, esbanjava: “Eu não sei somar, por isso sou pobre, sei menos ainda multiplicar”.

Este é "o" Mário, segundo contam a lenda, a história e seu filho, Antônio Henrique Lago, jornalista, que faz aqui um rápido e delicioso perfil do pai. Antônio Henrique tem o mesmo humor e convicções do pai, além de já ter produzido obras memoráveis no campo da reportagem.

Acompanhe a entrevista a seguir:

Vermelho - Ator, produtor, diretor, compositor, radialista, escritor, poeta, autor de teatro, cinema, rádio e TV, frasista (que eu trocaria por “filósofo do cotidiano”), militante sindical, ativista político e boêmio. Está tudo lá, no site oficial do Mário Lago. Entre tantas facetas, uma ou algumas se sobrepunham a outras?

Antônio Henrique Lago - O político sempre. Discutia as questões brasileiras diariamente com a família, amigos, o motorista de táxi, qualquer um que puxasse conversa. A pregação por uma sociedade mais justa e igualitária jamais ficava escondida ou em plano secundário. Papai nunca perdeu uma campanha política. Comunista por formação ideológica, sempre apoiou os candidatos de esquerda e do seu partido.

Mas há também o ator, sempre, porque este foi uma parte importante da vida profissional dele. Dar vida a personagens era parte do “ser Mário Lago”. Fazia laboratório sozinho para enriquecer o papel, discutia com o autor e diretor todas as cenas. Atuar era um exercício de vida!

E o escritor/autor/poeta, igualmente, sempre. Nos intervalos de gravação, nas férias, ele criava sempre um projeto para escrever. Durante as filmagens de O Padre e a Moça, recolheu material para um livro sobre o Chico Nunes das Alagoas, repentista e boêmio. Numas férias, traduziu a peça Fuente Ovejuna, do espanhol Lope de Vega. Do mesmo modo, escreveu uma peça sobre a revolução dos alfaiates - Foru Quatro Tiradentes na Conjuração Baiana -- que acabou censurada. Nunca deixou de compor, não havia como conter os versos.

Em casa, quais características pessoais predominantes você enumeraria?

Conversa franca, sobre qualquer assunto. Respeito às decisões de cada um da casa. Clima muito democrático.

Boêmio em um casamento que durou a vida toda. Como o Mário dividia o tempo entre o amor/família e as paixões, como a arte. Ficava em déficit com um lado ou outro?

Olha, papai sempre ia para os locais da boemia e levava minha mãe junto, mas eu lembro de ele chegar para uma conversa noturna sobre política, meus estudos - às vezes ele até me ajudava com os trabalhos escolares. Discutíamos minhas decisões pessoais e ele sempre respeitou as minhas escolhas. Ele e mamãe tinham a democracia entranhada no corpo e na mente.

Como era a casa do Mário? Um burburinho de música, amigos, festas? E o silêncio para criar, também habitava esse lar de artista?

A porta da casa de papai estava sempre aberta. Dolores Duran ia lá mostrar músicas. Carlos Marighela ia lá discutir coisas do PCB. Meus amigos e companheiros de militância política iam lá conversar. Era assim desde que me entendo por gente.

Na hora de criar, papai ia pro quarto, fechava a porta e se transportava para a criação, quer fosse para estudar as falas de um personagem, quer fosse para tocar o projeto de um livro.

Em uma frase, na sua opinião, qual o maior legado do Mário para:

- Você, filho

AHL - A defesa de uma sociedade justa e igualitária com o fim da exploração do homem pelo homem.

- A arte

AHL - Grandes interpretações como a do pescador Santiago, de O Velho e o Mar; e o Atílio da novela Casarão. Os versos de Nada Além, de Aí que saudades da Amélia e Aurora.

- A sociedade

AHL - Um exemplo de coerência política, honestidade de princípios. Tudo parte da luta pela sociedade sem exploração e opressão.

Sem segunda opção, qual música, filme (como ator ou diretor), papel na TV você colocaria como número 1 no ranking das criações do Mário?

Como música, eu gosto mais, puramente pessoal, do Nada Além. Mas sempre me emocionei muito nos bailes de carnaval ao ouvir o povo cantando Aurora. O Padre e a Moça, de Joaquim Pedro de Andrade, como filme. E papel na TV foi o Atilio, do Casarão.

Mário criava compulsiva ou metodicamente? Há ainda muita produção dispersa, inéditos? O que podemos esperar?

Papai era um criador compulsivo/metódico. Ele não podia ficar parado. Se não estivesse gravando, estava bolando algo e escrevendo.Escrevia, depois lia, corrigia, mudava, lia de novo e assim por diante, até ficar satisfeito.

O Mário era polivalente e multimídia. Como ele se relacionava com as novas tecnologias? Chegou a incorporar essa linguagem internética a seus trabalhos?

Papai não chegou a usar a tecnologia multimídia moderna. Ele exercia a multimídia pessoalmente. Acho que a formação sem a internet bastou para ele. Além do que ele conviveu muito pouco com a internet.

Qual, na sua opinião, foi a grande realização dele no campo das artes? De qual ou quais obras ele mais se orgulhava?

Papai achava que cada texto, música e personagem eram um sucesso particular e parte do todo que ele considerava o melhor da sua obra. Ele realmente gostava de tudo que fez.

E na política, qual a grande conquista e a grande frustração na sua vida de lutador?

Ele tinha muito orgulho de ter participado do comando da greve dos radialistas de 1962, que resultou na regulamentação da profissão. E de ter participado das lutas pela liberdade e ter visto as quedas das ditaduras de Getúlio Vargas e dos militares. Acho que frustração foi a de ver que o homem ainda vive numa sociedade intrinsecamente injusta e exploradora.

Pacifista e inconformado, por isso mesmo eterno militante, que causa ou causas você acha que ele defenderia hoje?

Acho que ele continuaria a lutar contra a exploração do homem pelo homem. E, é claro, as causas ambientais também estariam entre as suas preocupações.

Até FHC...

2011-11-25T21:56:00.000-03:00

Violência - PM apontando revolver calibre 12 para estudantes que ocupavam prédio da USP

Por Juliana Rosas, da Ascom/UEPB

Mídia e informação são poderosas. Haja vista que tanto em países com sistema capitalista, quanto comunista, restringem ou tentam restringir ao máximo o acesso a estas. Democracia pode ser o melhor caminho, mas é difícil e tem um alto custo. Neste momento, refiro-me mais especificamente aos comentários que infelizmente assisti no Jornal da Cultura, na primeira quinzena deste mês, sobre a represália policial na reitoria da Universidade de São Paulo (USP). Uma coisa que eu não aguento na parte medíocre do jornalismo brasileiro é uma tevê pública de suposta qualidade como a TV Cultura ter uma apresentadora rasa e ultraconservadora como Maria Cristina Poli. Começo logo dizendo que ela merece um alto e sonoro CALA A BOCA, POLI!!

Aproveito para mandar um cala a boca também para a igualmente ultraconservadora professora de Direito, Maristela Basso, uma das convidadas do jornal, que, entre muitas besteiras disse, na ocasião, “que lugar de maconheiro não era dentro do campus”. Parabéns, advogada. Você se uniu à classe de juristas de extrema direita estereotipando tudo e todos. Se fosse numa universidade holandesa, será que ela estaria utilizando esses termos? Se daqui a cinco anos o governo descriminalizar a maconha, as pessoas continuarão utilizando esses termos? Isso justifica a agressiva atitude e ação policiais?

Para quem não estiver entendendo, tal discussão se deu alguns dias após a invasão da reitoria por policiais militares, depois de alguns alunos se negarem a deixar a reitoria da USP. E o presente artigo, embora previamente pensado, finalmente veio à vida quando até o “neoliberal” ex-presidente da República, Fernando Henrique Cardoso, ter declarado que “chamar estudante da USP de maconheiro é absurdo”.

Entenda o caso

O portal Última Instância explicou o caso, sem os preconceitos descabidos que vimos anteriormente.

Ver: Última Instância

Em algumas palavras, explicam que apesar de a discussão sobre o convênio entre a PM e a reitoria ser mais antiga, a tensão aumentou em 27 de outubro, quando três estudantes da Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas foram abordados no estacionamento da instituição sob a alegação de porte e consumo de cigarros de maconha. A ação desencadeou tensão entre estudantes e policiais e foi seguida de uma ocupação da administração da faculdade.

No dia 1º de novembro, reivindicando o fim do convênio entre a PM e a USP, bem como a renúncia do reitor João Grandino Rodas (Nomeado para o cargo pelo então governador José Serra, sem que fosse o mais votado nas eleições), um grupo composto por 73 estudantes ocupou o edifício da reitoria, contrariando deliberação de Assembleia-Geral e o posicionamento oficial do Diretório Central dos Estudantes, o DCE.

A reintegração de posse ocorreu sete dias depois, mediante operação policial que contou com batalhões da Tropa de Choque, da Cavalaria, do GOE (Grupo de Operações Especiais) e do Gate (Grupo de Ações Táticas Especiais). Também dois helicópteros da PM permaneceram sobrevoando a cidade universitária por toda aquela manhã. No mesmo dia uma nova Assembleia ocorreu na FFLCH e deliberou a greve dos estudantes, que permanece até hoje em algumas faculdades.

Voltando ao Jornal

Enquanto o outro convidado, professor Vladimir Safatle tentava dirimir os estereótipos que estavam sendo reverberados na mídia, de que ali eram todos estudantes ricos, por exemplo, pois em seu curso a maioria era advinda de escolas públicas e de lugares justamente avessos à ação de policiais, a advogada só e apenas continuava a reiterar seu conservador discurso.

O professor Safatle, sabiamente e sobriamente, ainda tentava explicar que para a classe alta, a polícia chega para resolver o problema. Nas classes mais baixas, ao contrário, ele leva problemas e o pior, são treinadas para lidar com estereótipos, coisa que é bastante relativa dentro de um campus universitário.

Por isso essa classe e os estudantes tidos como estereótipos são avessos à presença desses policiais. Policial trata a classe baixa como lixo, como o problema causador. E é treinada para lidar com estereótipos. Quem é parado em revistas? Quem é parado em blitze de trânsito? O policial é treinado para achar que aquele cabeludo de bermuda é maconheiro. No ambiente universitário, aquele cabeludo pode ser um professor, um ótimo estudante, um pacifista, um pesquisador. Não necessariamente sinônimo de maconheiro.

“Muitos estudantes que estão ali não pertencem a um grupinho desocupado de classe média. No campus da USP, os estudantes estão ali para estudar e a polícia está fazendo o papel, que, dentro do campus, não é dela, abordando estudantes até dentro de bibliotecas, baseados nos seus estereótipos e amostragem. E, claro, um estudante bem informado não vai gostar nada disso”, comentou Vladimir Safatle.

Depois de uma opinião esclarecida, a professora Maristela vem reiterar a pérola “Lugar de maconheiro não é dentro do campus”. Eu acrescentaria que lugar de dondoca não é na Universidade, nem falando besteira em horário nobre ou tevê pública. E para a apresentadora, eu diria que lugar de jornalista incompetente, limitado e sem visão crítica é na rua.

20 anos sem Freddie Mercury

2011-11-24T14:52:00.000-03:00

Por Thiago Ney, do Portal IG

Neste 24 de novembro de 2011, completam-se 20 anos da morte de Freddie Mercury, cantor, compositor, músico e entertainer que ultrapassa barreiras geracionais e classificações de gênero.

Era o "mais virtuoso cantor da história do rock", segundo Roger Daltrey, vocalista do Who. Axl Rose disse: "Se não me apoiasse nas letras de Freddie Mercury na infância, não sei onde estaria". Ao ser perguntado certa vez se era um fã do Queen, Michael Jackson respondeu: "Sou um fã de Freddie Mercury". Katy Perry confessou que Mercury é a sua principal influência. "O maior frontman de todos os tempos", vaticinou Dave Grohl (Foo Fighters).

Nascido Farrokh Bulsara em 5 de setembro de 1946 na Tanzânia, morou na Índia quando criança e, aos 17 anos, mudou-se para o Reino Unido e tornou-se cidadão britânico.

Formou o Queen (o nome foi escolha dele) ao lado de Brian May (guitarista) e Roger Taylor (baterista) em 1970 - o baixista John Deacon entraria depois. Na mesma época, deixou de ser Farrokh Bulsara e passou a ser conhecido como Freddie Mercury.

Ainda no início dos anos 1970, a banda lançou discos fundamentais como "Sheer Heart Attack" (1974), "A Night at the Opera" (1975) e "A Day at the Races" (1976). Aí veio o punk, para destruir todos os excessos do rock. Mas o Queen sobreviveu - e bem. Após 1978, vieram músicas como "Bicycle Race", "Another One Bites the Dust", "Under Pressure", "Radio Ga Ga" (que influenciou certa cantora pop), "i Want to Break Free".

O vocalista produziu dois discos fora da banda: um solo, "Mr. Bad Guy", em 1985; e outro com a soprano Montserrat Caballé, "Barcelona", em 1988. Gravou duetos com Michael Jackson até hoje inéditos - Brian May já disse que essas canções podem ser lançadas oficialmente em 2012.

O Queen vendeu mais de 300 milhões de discos. Números impressionantes impulsionados também pelo lado compositor de Mercury: são dele canções como "Bohemian Rhapsody", "We Are the Champions", "Crazy Little Thing Called Love".

O último show de Freddie Mercury com o Queen aconteceu em agosto de 1986, em Knebworth, na Inglaterra - para 300 mil pessoas.

Em 23 de novembro de 1991, um dia antes de morrer, Mercury anunciou que era portador do vírus HIV.

Pop, rock, heavy metal

Se Frank Sinatra não tivesse agarrado antes o apelido The Voice, ele certamente cairia bem em Freddie Mercury. Sua voz passeava entre graves profundos e agudos operísticos sem nenhum tropeço. Sentia-se à vontade tanto em arenas roqueiras como em um estúdio gravando com Montserrat Caballé.

Em um mesmo show (às vezes até durante uma mesma canção), encarnava um astro pop, um roqueiro teatral, um cerebral músico progressivo, um furioso líder heavy metal, uma estrela glam exagerada e colorida. O tipo de performance que parece saída de um sonho de Almodóvar.

O Brasil testemunhou o poder de palco de Freddie Mercury por duas vezes. Em 1981, no estádio do Morumbi (um dos primeiros grandes shows internacionais a aportar no país), e no Rock in Rio de 1985.

Também em 1985, o vocalista (e consequentemente o Queen) protagonizou aquele que é provavelmente o seu grande momento: uma histórica performance no Live Aid, no estádio Wembley, em Londres.

Em pouco mais de 20 minutos, a banda tocou "Bohemian Rhapsody", "Radio Ga Ga", "Hammer to Fall", "Crazy Little Thing Called Love", "We Will Rock You" e "We Are the Champions". Segundo votação feita entre músicos e especialistas da indústria fonográfica, foi a melhor apresentação da história da música pop - e você pode assisti-la ao lado.

A influência do Queen - e de Freddie Mercury - está em toda parte. Na extravagância de Lady Gaga; na eletrônica de estética roqueira do Justice; na grandiosidade do Killers.

Até Kurt Cobain respeitava Freddie Mercury. Na sua nota de suicídio, o líder do Nirvana escreveu: "Quando estou no backstage e as luzes se acendem e o público começa a gritar, isso não me afeta do jeito que afetava Freddie Mercury, que parecia amar, saborear a adoração do público, algo que eu admiro e invejo".

Num mundo que dá extremo valor ao individualismo há lugar para a amizade?

2011-11-23T15:06:00.000-03:00

Por Rosely Sayão, psicóloga e escritora

Uma garota de 15 anos me encaminhou uma longa, triste e emocionante mensagem.

Usando uma linguagem própria de alguns grupos de adolescentes, ela questionou a amizade de uma maneira bem adulta, arrisco dizer.

Entre os casos que ela me contou para desenvolver seu raciocínio argumentativo, escolhi dois, porque parecem ser situações bastante comuns na convivência entre adolescentes. Vamos partir desses exemplos para nossa conversa de hoje.

Nossa jovem leitora tinha duas grandes amigas. Ou pelo menos era assim que as considerava: falavam-se sempre, trocavam segredos e honravam essa condição. Ofereciam apoio quando preciso, eram solidárias na tristeza e nas situações difíceis pelas quais passavam.

Um segredo que a jovem compartilhou com uma das amigas foi o afeto que nutria por um garoto da escola, mas que ela não tinha coragem de demonstrar. Pois numa festa a que foram juntas, essa amiga ficou com o tal garoto.

Você pode imaginar, caro leitor, a decepção que essa garota vivenciou? E a situação piorou quando, no dia seguinte, ela foi conversar com a amiga e esta justificou o ocorrido de um modo muito simples: "rolou".

"Então isso é amizade?", perguntou a garota em sua mensagem. Inconformada, cortou a relação de confiança e a intimidade com a outra menina.

Hoje, elas se cumprimentam de modo distante, apenas isso. E, pelo jeito que nossa leitora conta, seu sofrimento aumenta cada vez mais.

E que tal encontrar em uma rede social, ao ler a página de uma colega, a confissão pública daquela que também considerava uma amiga, de que ela só lhe fazia companhia por pura pena de nossa jovem leitora?

Vamos agora refletir um pouco a respeito da amizade no mundo atual e, para tanto, comecemos por essa última situação.

Franqueza e transparência são fundamentais para as relações de amizade. Sem tais características, o relacionamento amoroso que caracteriza a amizade não sobrevive. Aliás, nem sequer vive.

Outra característica básica de pessoas que querem ser amigas de outras é a maturidade para controlar os próprios impulsos em favor da amizade. Saber renunciar a prazeres imediatos para preservar o amigo é condição fundamental.

Na adolescência, o jovem amadurece e ganha, cada vez mais, a condição de ser e de ter amigo. É claro que, nessa trajetória, vai errar, vai experimentar o sabor amargo da perda de um amigo como consequência de um comportamento impensado, inconsequente, infantil e imaturo.

Por isso, não foram os comportamentos daquelas que um dia foram consideradas amigas por nossa leitora que chamaram a atenção.

O que causa estranhamento nessas histórias é o fato de nenhuma das garotas ter se sentido magoada por magoar. É o fato de nenhuma ter mostrado arrependimento por ter disposto de um relacionamento de amizade, e por tão pouco. E o pior: talvez elas nunca venham a saber disso.

Devemos nos perguntar se, num mundo que dá extremo valor ao individualismo, à realização de nossos caprichos e ao prazer imediato, há lugar para a amizade.

Deve haver. Afinal, são os amigos que dão sabor à nossa vida, que a iluminam, que fazem com que valha a pena viver, mesmo enfrentando as mazelas inevitáveis com as quais nos deparamos.

Podemos fazer algo para que os mais novos conheçam essa alegria?

Inscrições abertas para workshop "O Profissional da Música" - inscrições são um quilo de alimento

2011-11-22T11:56:00.000-03:00

Da Assessoria do Sesc/CG
Arte: Drum Shop

Já estão abertas as inscrições para o workshop O Profissional da Música, promovido pelo guitarrista Zé Filho, dentro da programação do IX Projeto 7 Notas e do V Encontro da Música Regional de Raiz. A oficina acontece no dia 26 de novembro, das 10 às 12 horas, no Sesc Centro Campina Grande. Para se inscrever, é necessária a doação de um quilo de alimento não perecível, que será repassado para o programa Mesa Brasil Sesc. As vagas são limitadas para 30 pessoas.

O workshop é voltado para os músicos e o público interessado e tem como objetivo capacitá-los para o mercado fonográfico. O curso abordará aspectos relacionados à profissão do músico, comportamento profissional, além de demonstrar o uso dos equipamentos para as apresentações ao vivo e em estúdio.

Com três álbuns e um DVD lançado, o guitarrista Zé Filho, que é natural do Recife, desenvolve um trabalho na área de música instrumental há quase 15 anos, atuando ainda como divulgador desse estilo através de apresentações em todo o país. O artista se apresenta no dia 26, a partir das 18h, na Praça da Bandeira, através do Projeto Sete Notas.

O Projeto 7 Notas e Encontro da Música Regional de Raiz é uma realização do Sesc Paraíba em parceria com o Departamento Nacional do Sesc. Para mais informações, entrar em contato pelo telefone 3341-5800 ou dirija-se até a unidade, que fica na Rua Giló Guedes, 650, no Centro de Campina Grande.

Solidão em banda larga

2011-11-21T15:23:00.000-03:00

Por Matheus Pichonelli, da Revista Carta Capital

Alguma coisa acontece desde que o primeiro internauta descobriu que podia comprar comida chinesa com um botão. Ou analisar o perfil da mulher ideal e entregar de bandeja os seus segredos mais profundos em salas de bate-papo antes do primeiro encontro. Ou baixar música de graça, pagar conta no banco a distância ou contatar profissionais para passear com seu cão enquanto se mantém ocupado na frente do computador.

É fato: a introdução das (já não tão) novas tecnologias no cotidiano provocou estragos nas formas tradicionais de relacionamento. Mas a dimensão desses estragos ainda está por ser medida em estudos, palestras motivacionais, campanhas políticas, reuniões de associação de bairro, memorandos governamentais, fichas médicas, investigações policiais, pesquisas de mercado ou de opinião. E é possível que poucos deles consigam chegar perto do retrato dos nossos dias feito pelo diretor Gustavo Taretto em seu filme “Medianeras”.

No longa, Taretto correu todos os riscos de tropeçar num debate que, em condições normais de pressão e temperatura, jamais caberia (ou caberia ridiculamente) em 95 minutos de exibição. Não só coube como ficou delicadamente desenhado em dois personagens-símbolos do que seria o anti-herói da primeira década do século XXI. Uma geração com seus Iphones, vícios, neuroses e contradições guardados na mochila.

Martin e seu companheiro de quarto

Numa das mais emblemáticas cenas do filme, Martin, o estranho personagem interpretado por Javier Drolas, conta para uma amiga recém-conhecida numa sala de bate-papo eletrônico que desenvolveu uma espécie de termostato emocional que o impede de vivenciar grandes tristezas ou grandes alegrias na vida. Do outro lado da tela, a menina questiona: “E quando a tristeza se torna inevitável?”. “Aí eu tomo Rivotril”.

Na sala de cinema relativamente cheia para uma noite de terça-feira, os sorrisos eram contidos diante de tantas estocadas emendadas pelo diretor sobre a vida em Buenos Aires. O cenário da metrópole funciona como a extensão das próprias contradições de seus habitantes, cada vez mais enclausurados em apartamentos sem janelas ou outras formas de conexão com o mundo que não seja a fibra ótica.

Não havia cenário melhor para retratar a solidão, candidata a mal do século passado, atual e futuro. No filme, Martin é um jovem fuçador de internet que ganha a vida criando sites. Mora sozinho com um cachorro abandonado por uma namorada que, no auge da crise argentina, embarcou para os Estados Unidos e não voltou jamais.

Hipocondríaco, só anda na rua se em sua mochila tiver todo tipo de medicamento – acompanhado das instruções por escrito sobre como ser socorrido em caso de ataque de pânico – três camisinhas, um iPod e várias parafernálias. Adora natação, mas odeia tudo o que tem em volta da piscina (o caminho de casa, os chinelos molhados, o movimento das raias, as pessoas…).

E fica desapontado toda vez que chega em casa e descobre que não tem e-mails novos. E com as mulheres quando as encontra pessoalmente: todas tão interessantes na apresentação em sites eletrônicos e suas listas de referências mil, gosto por viagens, livros, música e arte oriental. E que, no fim, têm o azar de não terem nascido mudas quando atuam na vida real. (Num dos momentos mais hilários, Martin chega a compará-las a um Big Mac, um lanche que, segundo ele, sempre parece mais interessante nas fotos e na propaganda do que no prato).

Para passar o tempo, ou não morrer de tédio, Martin cumpre à risca a orientação do psicólogo: andar pela cidade tirando fotos para se distrair, num exercício que o leva a desconfiar que todas as fobias de seu tempo são consequência da expansão desenfreada e sem critério da própria cidade que fotografa, com seus prédios, seus becos e fachadas sem frente, verso ou janelas (as “medianeras”).

Mariana e o trauma de não encontrar Wally no desenho da cidade

Os sintomas da depressão e da desintegração povoam o cenário. Do outro lado da rua, exatamente no prédio ao lado de Martin, Mariana (Pilar López de Ayala) acaba de voltar para uma quitinete após quatro anos de um relacionamento que naufragou. Arquiteta que jamais construiu uma casa, ela passa os dias conversando com os manequins entulhados em casa e que serão usados para compor o cenário das vitrines decoradas por ela. É nessas vitrines, um espaço intermediário entre a rua e o interior da loja, que ela consegue se sentir em paz. Pensa que, se os transeuntes passarem, olharem e gostarem da decoração, estarão de alguma forma também gostando dela.

Mariana vive em silêncio, com medo e cheia de manias. É capaz de subir 20 andares de escada porque tem medo de elevador. E de descer todas as escadas em segundos para fugir de um encontro que a assusta. Quando perguntada por que não encara o medo com olhos fechados, ela desconversa: “nem tudo se resolve simplesmente fechando os olhos…”

Sua maior distração são as visitas ao planetário da cidade que a leva a pensar na finitude da própria vida, fechada num planeta que é só parte de um sistema, que é só parte de uma galáxia, que é só uma entre tantas galáxias do universo…tudo para lembrar do seu tamanho diante do infinito e amenizar o peso das próprias frustrações e o medo de não sentir dor.

Parte de sua paranoia com o mundo que a rodeia é culpa de Wally, o personagem de camisas listradas que se esconde nos mais diferentes cenários. Desde criança, Mariana tenta, em vão, encontrar Wally nas páginas de um livro que reproduz a vida numa metrópole. Passa os olhos com lupa, ponto a ponto, mas o nervosismo cego a impede de cumprir a missão. O que a leva a concluir: “se a cidade não me permite encontrar alguém que eu conheço, que sei como é, como faço para encontrar comigo mesma, que não sei quem é nem o que quer?”.

Em meio a tantas dúvidas, Martin e Mariana levam suas vidas a poucos metros um do outro. O desencontro entre eles pelas mesmas vias parece a alegoria perfeita sobre o autismo coletivo: andamos pelas ruas, mas sempre distraídos pela trilha sonora que passeia em nossos fones de ouvido. Já não ouvimos (nem vemos) o que acontece ao redor.

Difícil não se identificar com as situações cotidianas vivenciadas diariamente em cidades como Buenos Aires, São Paulo, Rio de Janeiro, Cidade do México ou Nova York. É como se Taretto usasse seus personagens para situar a própria plateia, também enclausurada em suas contraditórias metrópoles. Parecia saber que, diferentemente do que acontecia num tempo não muito distante, muitos desses espectadores já não se reúnem com os amigos ao fim da tarde para um chope ou para ver (ou jogar) futebol. Também não almoçam com a família aos finais de semana. Não confessam os pecados para o padre nem veem respostas a leste ou oeste de Berlim. Não sentem culpa por não verem sentido nos relacionamentos nem na estabilidade da carreira. Nem convidam os colegas de trabalho para um café ou cigarro na área comum.

São personagens (dentro e fora da tela) vítimas de crises econômicas perenes (embora pareçam cíclicas) e que desempenham trabalhos descontínuos, incertos, sem benefícios ou seguridade. Não têm casa própria nem carro e, diferentemente dos pais, já não acham que a grande festa de casamento irá salvá-los das próprias mediocridades. E estão expostas a tantas informações que, ao fim do dia, veem o corpo empacar na hora de dormir, falar, observar ou se relacionar.

'Quando gostam das vitrines que decoro, é como se também gostassem de mim', pensa a personagem

É uma multidão que se conecta, mas também se desagrega, se espalha, se desconcentra – e se o meio é a mensagem, personagens, espectadores e suas contradições não poderiam estar num lugar mais certo (e inseguro).

Nessa enxurrada de novos signos que se espalham na velocidade das redes sociais, um certo instinto ainda é preservado entre as gerações que se sucedem: como numa sintonia, cada personagem se recolhe a seu canto quando quer chorar ou quando se emociona num fim de filme.

Os arroubos de felicidade é que, por ironia, só passam a ter sentido se forem espalhados nos sites de compartilhamento, onde é impossível distinguir um sorriso de uma encenação.

Um sinal dos tempos que o diretor não deixou escapar, numa sacada mais assustadora que hilária: no admirável mundo novo, se nada mais der certo ainda é possível apertar o “Control + Alt + Del” e todos serão salvos (inclusive os arquivos e históricos de qualquer confissão). Nas ruas a coisa desanda, mas contra isso também há um comando: em caso de emergência, desista de mudar o mundo e quebre o Rivotril.

Acumulando o desnecessário

2011-11-18T14:03:00.000-03:00

Por Anna Veronica Mautner, da Revista Equilíbrio

O mundo está dividido entre os milhões abaixo da linha da miséria, que não têm nada, e os que têm. Mas todos sonham com abundância. Falo dos que têm, mas isso inclui os que sonham em ter o mínimo e, depois, bastante.

Parece uma epidemia! Com maior frequência, ouço gente da classe média se queixando da dificuldade para se desfazer de tralhas inúteis. Não sou só eu que me sinto abafada por excessos de tudo. Minha geração toda está assim. A esta altura temos demais de tudo. Mais de 3/4 dos meus livros, confesso, estão nas estantes como quadros de uma exposição. Livro enfeita, cria aconchego. Mesmo assim, não precisava de tantos.

E roupa de cama? Quem não tem mais do que precisa? Estou falando de lares de classe média e até de lares milionários. Mas o vício da acumulação pode ser visto também entre pessoas de estilo e recursos mais modestos. Em geral, temos mais meias, sapatos e chinelos do que podemos vir a precisar na próxima década. Não estou falando de colecionadores. Colecionar é outra coisa -é ter para ter, e não para usar.

E para que tantas frigideiras, conchas, escumadeiras e roupas que nunca usamos? É preciso muita força de vontade para apagar os resquícios que ainda estão na memória coletiva do tempo em que havia somente o necessário.

Por isso a gente vai juntando, como se amanhã não fosse haver mais. Ao nos darmos conta, estamos diante de espaços empanturrados, em casa e no escritório.

Diante dessa situação historicamente insólita, nos encontramos perdidos, sem saber como lidar com isso tudo. Algumas raras pessoas que a natureza dotou de uma extraordinária aptidão espacial são capazes de ordenar os objetos em diminutos espaços. Enquanto as moradias são cada vez menores, portanto os espaços de armazenamento também, nossos bens são cada vez mais abundantes.

Vivendo neste mundo em que os bens mais caros são o silêncio e o espaço, não é fácil arrumar lugar para tudo. E aí caímos num terrível círculo vicioso.

Se não consumirmos, desempregamos. Precisamos continuar a comprar, as fábricas têm que continuar a produzir, senão os empregados não poderão consumir o que os outros estão produzindo.

É um círculo vicioso sem fim. Ou será que algum economista sabe parar essa roda da fortuna ou, quem sabe, roda da pobreza? O consumismo tem um lado sombrio. Tão difícil é a solução que o estudo do destino do não perecível se tornou objeto de teses acadêmicas. O destino do lixo sólido é assunto de política e de ciência.

John Cassavetes e os épicos da alma humana

2011-11-16T15:34:00.000-03:00

Por José Geraldo Couto, da Carta Capital

Filho de imigrantes gregos, John Cassavetes trabalhou como ator no teatro, no cinema e na televisão. Também diretor, transformou-se em referência no “cinema independente” ou “cinema verdade” nos Estados Unidos

Sempre que se fala em “cinema independente” ou “cinema verdade” nos Estados Unidos, John Cassavetes (1929-1989) é citado como um destemido pioneiro. “Ele encarnou a emergência de uma nova escola de cinema de guerrilha em Nova York”, resume Martin Scorsese.

Filho de imigrantes gregos, Cassavetes formou-se em 1950 na American Academy of Dramatic Arts e passou a trabalhar como ator no teatro, no cinema e na televisão. Das aulas de atuação em teatro que ministrava em Nova York surgiu o projeto de seu primeiro longa como diretor, Sombras (1959), realizado totalmente fora dos padrões hollywoodianos.

De baixíssimo orçamento, financiado por meio de subscrições entre amigos e parentes, o filme trazia já as principais marcas do cinema do diretor: planos longos, espaço para a improvisação dos atores, equipamento leve, filmagens fora do estúdio.

A partir daí passou a alternar seu cinema independente, feito com um grupo pequeno e fiel de atores – sua mulher Gena Rowlands, Ben Gazzara, Seymour Cassel, o próprio Cassavetes –, e alguns projetos de encomenda e trabalhos na tevê. Como ator, esteve em quase 80 filmes, entre eles Os Doze Condenados, de Aldrich, O Bebê de Rosemary, de Polanski, e A Fúria, de De Palma.

Cassavetes foi um dos poucos cineastas indicados a Oscars nas três categorias: direção, roteiro e ator. Não ganhou nenhum.

Suas principais obras – Faces, Uma Mulher sob Influência, Glória e Amantes – foram incensadas na Europa e influenciaram todo o cinema independente que veio depois. “Todos os filmes de Cassavetes são épicos da alma”, definiu seu admirador Martin Scorsese.

DVDs

Sombras (1959)

No ambiente alternativo da Manhattan da era beatnik, um cantor mulato (Hugh Hurd) e seus irmãos vivem situações de racismo velado ou explícito. Com um andamento solto como a trilha de jazz, o filme de estreia de Cassavetes tem um tom de registro documental das reações humanas. Ganhou o prêmio da crítica em Veneza.

Faces (1968)

Crise de um casal de classe média. Richard Forst (John Marley) abandona a esposa Maria (Lynn Carlin) por uma mulher mais jovem (Gena Rowlands). Desesperada, Maria aborda um jovem (Seymour Cassel) na rua e o leva para casa. Os afetos e paixões são levados ao extremo neste que é um dos psicodramas cruciais de Cassavetes.

Uma Mulher sob Influência (1974)

Um operário (Peter Falk) às voltas com a instabilidade mental da mulher (Gena Rowlands). Ele tenta absorver o comportamento estranho dela para preservar os filhos, até a ruptura. Uma visão anticonvencional da loucura. O filme foi indicado aos Oscars de direção (Cassavetes) e atriz (Rowlands).

“Cálice” volta à cena: o rap de Criolo e Chico Buarque

2011-11-14T11:47:00.001-03:00

Por Christiane Marcondes, do Portal Vermelho

Criolo Doido surgiu na cena paulista em 1989, de família vinda do Ceará. Hoje é rapper famoso, do tipo que fecha casa de show no Rio de Janeiro, templo de funkeiros. Sem entrar em detalhes sobre a sua escalada musical, importante dizer que ele detectou e letrou o que todo mundo já sabe: “Não existe amor em SP”.

Mesmo assim, com seu jeito “manero” o compositor foi conquistando seguidores e se consagrou para além dos fãs do rap quando fez, de improviso e nitidamente muito emocionado, uma versão para a música “Cálice”, de Chico Buarque e Gilberto Gil.

O vídeo foi para o Youtube e chegou até o velho Chico, que não tem nada de velho, anda acelerando com os motores ligados a mil e explorando a internet com mais avidez do que os primeiros astronautas que desembarcaram na lua.

Com este pique, o Chico retomou uma turnê musical pelo país, após cinco anos fora dos palcos, e deslumbrou seu fiel “eleitorado” quando abriu o primeiro show da série, em Belo Horizonte, cantando o rap que o Criolo Doido fez para “Cálice”.

Sabe-se que Chico tirou do repertório ao vivo essa música e “Apesar de você” há muito tempo, por serem muito ligadas ao período da ditadura. Mas não causa espanto ele finalmente retomar o cálice, desta vez servido pelo Criolo Doido, que teve a sacada de que a música está atualizadíssima com os novos tempos, de PM em universidade, de imprensa manipuladora ou censurada, de indignados e indignos. Viva Chico, salve Criolo, o que parecia quase impossível virou uma parceria de trazer lágrimas aos olhos. Confiram o diálogo musical da dupla.

O Cálice do Criolo

Criolo Doido teve influências de MPB, samba e jovem guarda na composição de seu primeiro álbum lançado em 2006 e com tiragem esgotada em três semanas. Em 2009, comemorou vinte anos de carreira com o lançamento de um DVD gravado ao vivo na ''Rinha dos Mc's'' e o lançamento de seu segundo álbum com influências da sonoridade turca, francesa e jamaicana. Foi indicado em 2007 a ''Artista do Ano '' e a ''Revelação do ano'' pelo "HUTUZ'' maior premiação de hip hop no Brasil. Em 2008, recebeu o prêmio de ''Música do ano'' e de ''Personalidade do Ano'' na quarta ediçao da premiação ''O Rap é Compromisso" em São Paulo. Fundador da Rinha dos Mc's, evento que abriga em suas atividades semanais shows, batalhas de Freestyle, exposições de graffiti e fotografia.

Confira em:

http://www.youtube.com/watch?v=akZY0-6Rs0A&feature=player_embedded

O Cálice do Chico para o Criolo

Chico interpretou um trecho da letra de Crioulo com linguajar da periferia de São Paulo, incluindo final que diz, "Afasta de mim a biqueira, pai/ Afasta de mim as biate, pai/ Afasta de mim a coqueine, pai/ Pois na quebrada escorre sangue".

Confira em:

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=GUpyIvhydLo

Evento do Câmpus da UEPB em João Pessoa é destaque na mídia

2011-11-11T17:57:00.001-03:00

Por Andreza Albuquerque, da Ascom/UEPB

Estudantes e professores do curso de Relações Internacionais da Universidade Estadual da Paraíba realizaram durante três dias a 4ª edição do Modelo Universitário de Diplomacia (MUNDI LAB) , que se encerrou nesta sexta-feira (11).

A iniciativa foi pauta no jornal Bom Dia Paraíba, da Rede Paraíba de Comunicação, filiada a Rede Globo.

Confira o vídeo com a reportagem clicando no link abaixo:

http://g1.globo.com/videos/paraiba/v/estudantes-paraibanos-fazem-de-conta-que-sao-representantes-de-outros-paises/1692725/#/Todos%20os%20V%C3%ADdeos/page/1

Mais sobre o MUNDI LAB

O MUNDI LAB, nova proposta do Modelo Universitário de Diplomacia, foi realizado nas dependências do Câmpus V da UEPB e na Escola Superior de Magistratura (ESMA) no bairro do Altiplano, em João Pessoa, onde os participantes, divididos em 18 países, simularam a Conferência Rio +20, que acontecerá no mês de junho de 2012, na cidade do Rio de Janeiro, com o intuito de promover discussões acerca das políticas energéticas nacionais no contexto pós-Fukushima.

5º Balaio Cultural de Boqueirão homenageará ceguinhas de Campina Grande

2011-11-10T14:59:00.001-03:00

Da Assessoria do evento com Ascom/UEPB

Ninguém vai reclamar de falta de atrativos em Boqueirão, no Cariri paraibano. De 16 a 20 de novembro deste ano, mais de 60 ações serão trabalhadas no 5º Balaio Cultural. Dessas, 47 atrações artísticas, como o grupo maranhense Folia de Três e o gaúcho Rancho, de luso-descendentes, farão a festa. Mais outras 30 ações compõem o evento, que terá presença de seis estados do Brasil, sendo realizado pela Prefeitura Municipal de Boqueirão e pelo Centro de Formação Artística (Cefar). Além disso, o evento homenageia este ano as três ceguinhas de Campina Grande, Regina (Poroca), Maria (Maroca) e Francisca da Conceição Barbosa (Indaiá).

Durante o Balaio, os turistas visitarão a surpreendente região do Cariri. Por isso, a organização já programou passeios de barco pelo Açude Epitácio Pessoa, no Lajedo do Marinho, para as redes do Sítio Tabuado, além do passeio de catamarã e da famosa peixada paraibana, servida nos restaurantes e hotéis da cidade.

Tudo isso porque o município é respeitado com seu turismo de aventura e cultural. Não só mostras, mas uma parte pedagógica, foram preparadas para os participantes. O evento é um dos mais novos do Estado, mas com potencial de crescimento. Duas atrações de música e dança são destaques, o grupo Folia de Três, que toca e dança a cultura popular do Maranhão, e, o grupo Rancho, de luso-descendentes da cidade de Montenegro, no Rio Grande do Sul.

A programação musical contará com os paraibanos Cabruêra, Toninho Borbo e Renata Arruda, entre outros nomes. Na literatura, um sarau poético em plena Feira Central de Boqueirão.

Boqueirão possui cerca de 15 mil habitantes. É cercada por uma natureza generosa devido aos seus reservatórios de água, como o Açude Epitácio Pessoa - dos maiores da Paraíba. A cidade ainda é forte na produção de redes de dormir e possui uma boa estrutura turística, com pousadas, hotéis e restaurantes aprovados pelos visitantes.

Confira a programação completa no blog: www.balaioculturaldeboqueirao.blogspot.com

Fernando Morais, o terrorismo dos EUA contra Cuba e os últimos soldados da Guerra Fria

2011-11-09T14:50:00.000-03:00

Por Joana Rozowykwiat, do Portal Vermelho, com a Ascom/UEPB

Houve um tempo em que mercenários contratados por organizações de extrema-direita da Flórida recebiam U$ 1,5 mil por bomba colocada em Cuba. “Hoje ainda é possível ver em Miami manifestações de rua contra a Revolução, mas as novas gerações parecem mais interessadas em ouvir salsa do que em colocar bombas”, disse o jornalista Fernando Morais ao Vermelho. Morais está lançando Os últimos soldados da Guerra Fria, livro-reportagem que reconstitui a trajetória de agentes secretos de Cuba, que se infiltraram nos Estados Unidos para impedir ações terroristas contra a ilha.

Um dos agentes secretos retratados no livro foi libertado recentemente, nos Estados Unidos, depois de 13 anos de prisão. Apesar de ter cumprido toda a sua pena, René está sendo obrigado pela Justiça norte-americana a permanecer nos EUA, em “liberdade vigiada”, por mais três anos.

Esse é apenas o capítulo mais recente da trama narrada por Morais, que poderia muito bem ter saído de um trailer hollywoodiano – com cenas de espionagem, suspense e aventura –, mas não tem nada de ficção. Foi vivida por 12 homens e duas mulheres que aceitaram deixar suas vidas em Cuba para integrar a Rede Vespa e espionar algumas das 47 organizações anticubanas que existiam em Miami na época.

“Eram organizações de extrema-direita, que atuavam como entidades humanitárias para ocultar seu verdadeiro objetivo”, contou Morais ao Vermelho. Tais grupos – contrários ao regime comunista implantado por Fidel Castro – se dedicavam desde a jogar pragas nas lavouras cubanas até a sequestrar aviões que levavam turistas à ilha.

Depois do colapso da União Soviética, o turismo assumiu papel preponderante na economia cubana, e as organizações anticastristas passaram a empenhar esforços para demonstrar que a ilha não era segura para os estrangeiros. Para isso, colocaram bombas em hotéis e bares e alvejaram navios repletos de visitantes. Infiltrados nesses grupos, os agentes da Rede Vespa conseguiram impedir várias agressões.

Para investigar e contar essa história – e também a daqueles que estavam do outro lado –, Morais viajou 20 vezes a Cuba e aos Estados Unidos, debruçou-se sobre diversos documentos dos dois países, fez 40 entrevistas.

O resultado é uma obra que já é sucesso de vendas no Brasil. De acordo com a Rádio Havana Cuba, o livro vendeu 20 mil exemplares em três semanas e aguarda lançamento em espanhol e inglês. Conhecedor da realidade cubana (este é o segundo livro relacionado à ilha que escreve), Morais falou ao Vermelho sobre a publicação, as relações entre Cuba e Estados Unidos e seus próximos projetos.

Segundo ele, se o presidente Barack Obama se reeleger, no ano que vem, pode ser que indulte os agentes cubanos que ainda estão presos nos Estados Unidos. “Enquanto Obama precisar dos votos da Flórida, majoritariamente cubanos, não há a menor chance de isso acontecer”, avaliou. Veja abaixo a entrevista concedida por e-mail.

Portal Vermelho: Como e quando você se deparou com a história dos agentes secretos cubanos e por que resolveu escrevê-la?

Fernando Morais: Eu soube da história pelo rádio de um táxi, no meio do trânsito, em São Paulo, no dia das prisões dos dez agentes cubanos pelo FBI, em Miami, em setembro de 1998. Assim que pude, viajei a Cuba para tentar levantar o assunto, mas encontrei todas as portas fechadas. Para se ter uma ideia, Cuba só assumiu que eles de fato eram agentes de inteligência três anos depois, em 2001. O tema era tratado como segredo de Estado.

Como foi pesquisar em Cuba? Você teve pleno acesso a documentos oficiais? E do lado norte-americano?

Os cubanos só liberaram o assunto para mim em 2005, mas nessa época eu estava envolvido com o projeto do livro O Mago, a biografia do Paulo Coelho. Com isso, só pude entrar na história dos cubanos em 2008. A partir de então fui várias vezes a Havana, Miami e Nova York. O governo de Cuba liberou todo o material disponível e permitiu que eu entrevistasse quem quisesse, inclusive mercenários estrangeiros que haviam sido presos após colocar bombas em hotéis e restaurantes turísticos de Cuba e que tinham sido condenados à morte.

Nos Estados Unidos foi mais difícil. Como os agentes do FBI são proibidos de dar declarações públicas, só consegui entrevistas em off. Mas graças ao FOIA – Freedom of Information Act, a lei que regula a liberação de documentos secretos – e após pesquisas nos arquivos da Justiça Federal da Flórida, tive acesso a cerca de 30 mil documentos enviados pela Rede Vespa a Cuba e que haviam sido apreendidos pelo FBI nas casas dos agentes cubanos em Miami. E os serviços de inteligência cubanos me deram uma cópia do megadossiê sobre o terrorismo na Flórida que Fidel Castro entregou a Bill Clinton com a ajuda do escritor Gabriel García Márquez.

Parece-me que o acesso aos cinco cubanos que estão presos nos EUA é bem complicado. As próprias famílias nem sempre conseguem visitá-los. O senhor verificou isso na prática? Conseguiu contato direto com eles?

Como não sou parente de nenhum deles nem cidadão norte-americano, não pude visitar pessoalmente nenhum deles. Só consegui autorização para me comunicar com eles por internet. Mas com um limite de 13 mil caracteres por mês. Se as mensagens tivessem mais de 13 mil caracteres, se deletavam automaticamente. Falei também com alguns deles por telefone, pegando carona na franquia mensal de chamadas que suas mulheres e filhos tinham.

Algum deles lhe pareceu um personagem mais interessante?

Todos são personagens muito interessantes, acho que daria para fazer um livro sobre cada um deles. Decidi me concentrar em alguns deles, não só por serem os que tiveram desempenho mais, digamos, cinematográfico, mas também por entender que encarnavam de maneira mais ampla o sentido da missão que o grupo desempenhava nos Estados Unidos: infiltrar-se em organizações de extrema-direita da Flórida que estavam patrocinando ataques terroristas contra Cuba. Mas há personagens muito interessantes também, do ponto de vista jornalístico, do outro lado do balcão. Por exemplo, o mercenário salvadorenho que entrevistei em Cuba e que rendeu dois capítulos do livro.

Quem eram essas pessoas que planejavam os ataques a Cuba naquela época? E quem eram os mercenários que os executavam? Faziam só por dinheiro ou havia alguma questão de fundo?

Eram organizações de extrema-direita, que atuavam como entidades humanitárias para ocultar seu verdadeiro objetivo. Os mercenários, salvo uma ou outra exceção, como o salvadorenho a quem me referi, atuavam por dinheiro. Mais precisamente, recebiam U$ 1,5 mil por bomba colocada em Cuba.

O senhor acredita que esse sentimento extremado dos EUA (Flórida) em relação a Cuba persiste nas gerações atuais?

Os tradicionais inimigos da Revolução Cubana, os autodenominados anticastristas verticales, estão morrendo ou já estão muito velhinhos. Quando eu terminava o texto final do livro, por exemplo, morreu Orlando Bosch, que era considerado o inimigo número 1 de Fidel Castro.

Ainda é possível ver em Miami manifestações de rua contra a Revolução, mas as novas gerações parecem mais interessadas em ouvir salsa do que em colocar bombas. Semanas atrás, por exemplo, o cantor cubano Pablo Milanés fez um espetáculo em Miami. No ginásio onde cantou, ele foi aplaudido de pé por 15 mil pessoas. Na rua, meia dúzia de velhinhos carregavam cartazes de protesto contra ele.

Esse esquema de cubanos infiltrados em Miami conseguiu impedir ataques de fato?

Sim, não só impedir dezenas de ataques como permitiu a prisão de dezenas de mercenários estrangeiros que atuavam a soldo de anticastristas de Miami.

O que o seu livro traz de mais revelador?

A maior parte das informações contidas no livro é inédita. Além de documentos secretos obtidos em Cuba e nos EUA, e da entrevista exclusiva que fiz com o mercenário salvadorenho Raúl Ernesto Cruz León (na época condenado à morte em Cuba por ter colocado bombas em hotéis e matado pessoas), o livro traz revelações inéditas de bastidores políticos a respeito da correspondência secreta trocada entre Fidel Castro e Bill Clinton – e cujo intermediário era o Prêmio Nobel da Paz Gabriel García Márquez.

O livro vai mesmo virar filme?

Sim, os direitos de adaptação para o cinema foram vendidos para o investidor cultural Rodrigo Teixeira. Aliás, foi com o dinheiro recebido que pude custear parte da pesquisa, já que se tratava de um trabalho caro, que envolveu cerca de vinte viagens a Cuba e aos Estados Unidos.

O senhor já tinha escrito sobre Cuba antes. Como vê a Ilha hoje?

Vejo com grande otimismo. As mudanças econômicas postas em prática pelo presidente Raúl Castro são, na verdade, correções de erros cometidos nos primeiros anos pós-Revolução, quando o radicalismo não tinha limites. Mas confesso que não vejo perspectivas de mudanças políticas significativas enquanto perdurar o bloqueio dos Estados Unidos contra Cuba.

O senhor vê alguma possibilidade de indulto para os cubanos que ainda estão presos nos EUA?

Se o presidente Barack Obama se reeleger, no ano que vem, pode ser que ele indulte os presos. O ex-presidente Jimmy Carter se comprometeu a pedir a ele que faça isso. Mas enquanto Obama precisar dos votos da Flórida, majoritariamente cubanos, não há a menor chance de isso acontecer. Essa expectativa vale igualmente para a revogação do bloqueio, medida que também tem como defensor o ex-presidente Carter.

Mais sobre a obra e o autor

Em sua nova obra, lançado pela Companhia das Letras, Fernando Morais retoma a reportagem literária em torno de Cuba. O escritor mineiro ganhou notoriedade com a publicação do emblemático A Ilha, em 1976, quando em plena ditadura militar brasileira, desmitificou e escancarou uma realidade social totalmente diferente da que era passada pela grande mídia.

“Em 1998, quando estava nos Estados Unidos, com a minha esposa, escutei na rádio um breve relato sobre agentes secretos cubanos presos. Na hora pensei: aí tem algo interessante”, afirma Morais. Depois disso, foram inúmeras viagens para Miami e Cuba, análise de documentos secretos e centenas de entrevistas. O resultado é um extensa reportagem com os melhores elementos literários de um romance de espionagem.

Para o escritor, o que surpreende é que seu livro conta novidades do passado, e isso significa muito quando se trata de Cuba. “Essa história, na verdade, é um furo jornalístico. O que revela que a postura da grande imprensa em relação à ilha permanece inalterada mesmo após 52 anos de revolução”, disse.

Fernando Morais fez questão de criticar a grande imprensa brasileira. O escritor, em começo de carreira, chegou a trabalhar na Veja, mas faz questão de ponderar, bem humorado: “naquele tempo, Fidel Castro dava capa positiva na Veja”. Segundo ele, o veículo ainda não publicou “uma sílaba” sobre o livro, mas diz gozar do privilégio de entrar na revista pela “porta da frente”, ou seja, pelas mãos dos leitores, já que o livro está entre os mais lidos.

De acordo com ele “a história não precisa de adjetivo. É uma história com tutano, osso e pele. Nem o mais talentoso romancista daria conta de contá-la de forma tão rica como ela é na realidade”.

Para o cônsul de Cuba, Lázaro Mendes Cabrera, a obra é uma grande contribuição à luta da ilha e reflete o sentimento de solidariedade que há entre os povos latino-americanos. Socorro Gomes, a presidente do Centro Brasileiro de Luta Pela Paz (Cebrapaz), também ressalta essa questão, lembrando a cooperação internacional que Cuba promove na área da medicina e da educação.

Acervo do escritor José de Alencar será digitalizado

2011-11-08T15:16:00.000-03:00

Da Agência Estado

Manuscritos e documentos inéditos do pai do romance brasileiro, o escritor cearense José de Alencar, serão digitalizados e colocados à disposição numa biblioteca virtual que terá como centro de referência a casa onde ele nasceu, em Fortaleza. O material ficará disponível para consulta pública nos computadores da biblioteca da Casa de José de Alencar a partir de maio de 2012.

O projeto, orçado em R$ 100 mil, será realizado pela Casa de José de Alencar em parceria com o Departamento de Literatura da Universidade Federal do Ceará e o Arquivo Histórico do Museu Histórico Nacional.

Entre os 29 documentos, destacam-se treze cadernos manuscritos com fragmentos de textos já publicados, como o livro autobiográfico "Como e Por Que Sou Romancista" e do ensaio filosófico e antropológico "Antiguidade da América". Também serão digitalizados trechos do primeiro romance de Alencar, "Os Contrabandistas", que, segundo o pesquisador Marcelo Peloggio, não chegou a ser concluído. "Foi a primeira tentativa de Alencar de escrever um romance", diz Peloggio. "Alguns desses papéis se perderam. Afinal são documentos de 1846."

Boa parte desse material que será digitalizado foi transformada em livro por Peloggio, após três anos de pesquisa no acervo do Museu Histórico Nacional, no Rio, onde os documentos encontram-se expostos. A obra traz textos de Alencar guardados há mais de 130 anos, que ainda não haviam sido publicados integralmente.

O pesquisador identificou fragmentos e anotações em 11 cadernos do escritor cearense que compõem dois manuscritos sobre a origem da humanidade e sua extinção, "Antiguidade da América" e "A Raça Primogênita".

"São textos de caráter antropológico e filosófico, talvez os últimos de Alencar. Aventam a hipótese de que o homem surgiu na América e aqui vai se extinguir", diz Peloggio. Os ensaios consideram que o berço da humanidade seria a América e que o mundo terminaria em um grande massacre, que se passaria no continente.

A gênese da biografia e o "eu" fragmentado na modernidade

2011-11-07T15:56:00.001-03:00

Por Otávio Frias Filho, da Ilustríssima
Ilustração: Elisa Von Randow

RESUMO A narrativa biográfica ganhou feições modernas e autonomia literária no século 20, tanto no Brasil como em outros países. Recentemente, o gênero passou a espelhar as contradições de uma época em que o indivíduo se reconfigura entre o narcisismo midiático e a cultura das celebridades.

A biografia sofre conhecidas limitações como gênero literário. Apesar dos grandes escritores que se dedicaram a ela e dos biógrafos que deixaram obras-primas, as restrições nem por isso deixam de ser apontadas.

Tendo de se ater a fatos, o biógrafo jamais alcança a plena autonomia criativa do poeta e do romancista. Tendo por assunto a vida de um personagem, ele tampouco atina, se não de relance, com a compreensão profunda de uma época, própria do historiador. Além disso, há os percalços inerentes ao gênero. Como confiar no biógrafo? Parecido com o tradutor, a quem às vezes é comparado, ele também é um traidor. Tenderá a minimizar ou suprimir certos aspectos desfavoráveis na atuação do biografado, a confiar em sua versão nos pontos controvertidos, a compreender demais seus motivos e fraquezas. Ou, no caso das biografias ditas não autorizadas, destinadas a provocar sensação, fará quase o contrário disso.

MAGNETISMO Precisa-se, então, de biógrafos imparciais e neutros. Mas estes quase sempre se revelam os menos aptos a extrair da massa de eventos biográficos um sentido revelador, uma síntese significativa.

Parece que a boa biografia depende do magnetismo entre duas personalidades -de uma dialética peculiar em que o biógrafo cria, por sua própria conta e risco, o sentido apenas sugerido na vida do biografado, dispersiva e amorfa como a de toda pessoa. "A Vida de Samuel Johnson" (1791), de James Boswell, considerado o maior clássico do gênero em inglês, é resultado de uma cumplicidade desse tipo. Johnson era a figura literária suprema em Londres, onde reinava como crítico temido e dicionarista incontestável, quando Boswell, um jovem literato recém-chegado da Escócia, conquistou sua amizade.

Durante 11 anos, Boswell perseguiu Johnson com a obsessão de um repórter, registrando episódios pitorescos e frases iluminadoras. Chegou ao cúmulo de montar situações, como um jantar a que compareceria um desafeto de Johnson sem que este soubesse, a fim de observar as reações do sábio.

No afã de pintar um retrato exaustivo e irretocável, que incorporasse "até as verrugas", Boswell produziu um livro com mais de mil páginas, hoje pouco legível, mas que teve poderosa influência no gênero biográfico que floresceria desde então.

APELO A biografia veio a exercer apelo de leitura quase universal, sobretudo numa época, como a nossa, em que o mecanismo midiático projeta as personalidades famosas num perímetro antes inimaginável, ao mesmo tempo que glamuriza sua intimidade, convertida em produto simbólico.

Nos Estados Unidos, a biografia é o quinto gênero mais editado, depois de ficção, religião, economia e ciência. Vendeu-se cerca de um milhão de exemplares de biografias no mercado brasileiro no ano passado. Quase toda lista de "dez mais" inclui algumas delas. Se nos EUA a explosão biográfica remonta aos anos 1960, ela teve início no Brasil na década de 1990, com as obras de Ruy Castro (sobre Nelson Rodrigues), Fernando Morais (Assis Chateaubriand) e Jorge Caldeira (visconde de Mauá), três escritores egressos do jornalismo.

Seus livros combinavam pesquisa meticulosa e narrativa carismática; apesar de longos e bem documentados, garantiam leitura cativante. Como compete ao biógrafo ambicioso, adotavam um enfoque atual de seus protagonistas, apresentados no contexto de seu tempo, mas à luz do nosso. Conduzidos de modo profissional, os lançamentos pareciam preparar o transplante para outros meios, como TV e cinema.

TRADIÇÃO O êxito desse novo veio biográfico, enriquecido pela contribuição de outros autores, joga uma cortina de esquecimento, entretanto, sobre uma respeitável tradição. Na última Festa Literária Internacional de Paraty (Flip), em julho, o poeta e tradutor Paulo Henriques Britto lamentou que o Brasil não tivesse uma sólida vertente biográfica. Juízo questionável em autor tão qualificado, a declaração talvez se deva menos ao ambiente de entrevista onde ocorreu do que ao ofuscamento que a onda biográfica dos últimos 20 anos gerou.

Na terra do "homem cordial", onde a pessoalidade prevalece sobre normas e fatores gerais, o relato biográfico logo prosperou. Em meio a uma profusão de biografias anódinas e encomiásticas, destinadas a entronizar a personagem escolhida num panteão de gesso, destacam-se livros de valor duradouro. Despontam entre eles, por exemplo, os estudos de Lucia Miguel Pereira sobre Machado de Assis (1936) e de Francisco de Assis Barbosa sobre Lima Barreto (1952).

Para além desses clarões confinados ao âmbito literário, a biografia brasileira se estendeu a empreendimentos de mais envergadura, nos quais, ao focalizar a vida de um estadista ou de um punhado deles, descortina-se uma era.

O melhor exemplo é a mais célebre biografia escrita no Brasil, "Um Estadista do Império" (1896), na qual Joaquim Nabuco narra a trajetória pública do pai, considerada uma das melhores reconstituições políticas do Segundo Reinado. O historiador Octavio Tarquínio de Sousa levou a termo tarefa semelhante em sua série "História dos Fundadores do Império do Brasil" (1957), sobre D. Pedro I, José Bonifácio, Bernardo Pereira de Vasconcelos, Evaristo da Veiga e Diogo Feijó.

Afonso Arinos emulou Nabuco ao escrever o livro intitulado, com algum exagero, "Um Estadista da República" (1955), também sobre seu pai, Afrânio de Melo Franco -personagem mais periférico do que o senador Nabuco de Araújo. Mas a obra constitui, ao lado de sua biografia do presidente Rodrigues Alves, um substancioso painel da vida política e cultural na República Velha. (Historiador-jornalista dos nossos dias, Elio Gaspari terá se inspirado nesses antecessores ao condensar quase duas décadas de história política numa espécie de biografia, ou, antes, na narrativa da parceria entre "o sacerdote" e "o feiticeiro", os generais Geisel e Golbery, crucial na instalação e na derrocada do regime militar.)

Certos personagens que chegaram ao reconhecimento unânime, como Ruy Barbosa e o próprio Nabuco, foram alvo de sucessivas investidas em livros que se leem até hoje com proveito, como os de Luís Viana Filho e Álvaro Lins (este sobre o barão do Rio Branco). É verdade que essa alentada tradição biográfica, desenvolvida entre o início e a metade do século passado, nutrida numa vaga obrigação patriótica das belas-letras de reverenciar o grande personagem da história ou do saber, foi quase sempre convencional, quando não oficiosa.

São trabalhos amparados numa documentação admirável naquelas épocas em que não havia os recursos eletrônicos de hoje, nem a política de adiantamento das editoras ou as atuais equipes de pesquisadores-auxiliares. São livros instrutivos e muito bem escritos, apesar do inevitável timbre antiquado da prosa e do laivo cerimonioso que a percorre. Mas ainda não são biografias modernas.

PRECURSORES Os precursores da biografia, ao menos na cultura ocidental, foram Plutarco, Suetônio e Tácito, autores que viveram na segunda metade do século I.

Escrevendo em grego, Plutarco justapôs figuras históricas e semilendárias da Grécia e de Roma, agrupando-as nos pares de seu famoso "Vidas Paralelas". Os outros dois, escrevendo em latim, deixaram esboços biográficos de uma sucessão de imperadores romanos.

É notável que os detalhes escandalosos e os episódios anedóticos, longe de ser invenção recente, já figuram nesses primórdios do gênero. Suetônio narra pormenores da intimidade sexual de Calígula que não destoam do filme pornográfico feito nos anos 1970 sobre a corte do tirano. Várias das imagens forjadas pelo biógrafo atravessaram os séculos, como Nero a tocar lira enquanto Roma arde ou lastimando, ao morrer, o artista que o mundo perdia.

Existe um substrato qualquer de curiosidade frívola e apetite pelo escabroso em todo psiquismo humano; a anedota biográfica decerto responde a uma combinação sublimada desses impulsos menos confessáveis.

Mas nos autores clássicos ela serve ao propósito de sintetizar as configurações exemplares da virtude e do vício. O episódio anedótico é invocado porque seu impacto memorável corporifica a virtude que se quer enaltecer ou o vício que se quer deplorar (no caso de Suetônio, em especial, a virtude convertida em vício pelo exercício imoderado do poder).

Essa tradição se projetou nos autores cristãos que escreveram numerosas vidas de santos na Idade Média. Embora a virtude cristã se expressasse na imitação de Jesus e na obediência à Igreja, em lugar do sentimento de honra perante a pátria e os antepassados, os autores desses livros buscavam, como na matriz clássica, circunscrever o acontecimento superlativo capaz de tornar indelével o exemplo dos maiores. São testemunhos de milagres realizados e de bênçãos alcançadas, são incidentes em que as crueldades e provações mais inconcebíveis apenas fortalecem a têmpera do cristão no rumo da santidade.

AUTONOMIA Foi mais ou menos a partir do calhamaço de Boswell sobre o dr. Johnson, no final do século 18, que a biografia se desprendeu das motivações cívicas e religiosas na exaltação do biografado para adquirir alguma autonomia literária. A caracterização da personalidade notável e de suas passagens célebres persiste, mas agora o objetivo é atingir a verdade encerrada no ciclo de uma vida, revelar o sentido oculto em que ela se articula com a história ou com o próprio destino.

É um período de biografias gigantescas que se espraiam por vários volumes. Alguns biógrafos acreditam que o sentido de uma vida está inscrito de antemão, por algum processo místico ou desconhecido, na origem de cada existência, como se vivê-la fosse desdobrar um roteiro prévio comparável ao "design inteligente" dos criacionistas. Outros, ao contrário, pensam que toda vida é produto de circunstâncias fortuitas, como se o meio "selecionasse" o personagem para o papel que vai exercer. Combinações das duas doutrinas frutificaram.

Ao atingir a maturidade como gênero no século 19, quando passa a se ocupar do âmago da vida narrada, a biografia ingressa, porém, num terreno dificultoso e cada vez mais movediço. Uma das mais avassaladoras realizações intelectuais da modernidade foi dissolver a identidade do eu, a própria base onde se assentava o edifício biográfico. Não existe uma pessoa, mas várias, conforme o momento e o ângulo em que é observada. Assim também o sentido de uma vida é sempre múltiplo: será um para a própria pessoa, outro para quem lhe é próximo, um terceiro para o historiador e ainda outro para o historiador rival.

Há tantas vidas num indivíduo quantos biógrafos que se disponham a escrever sobre ele. Mais do que isso, toda pessoa faz parte de um encadeamento infinito que se perde na imensidão de causas e efeitos do mundo. Onde começa a pessoa e onde termina o mundo?

COLAPSO DA IDENTIDADE Num livro publicado há pouco no Brasil, "O Pequeno X - Da Biografia à História" [trad. Fernando Scheibe, Autêntica, 232 págs.], a pesquisadora francesa Sabina Loriga faz um recenseamento dos efeitos que o colapso da identidade do eu acarretou na historiografia biográfica do século 19. Razoavelmente livre de jargão acadêmico, o trabalho discute a questão tal como aparece nos escritos de autores como Thomas Carlyle, Jacob Burckhardt e Leon Tolstói. A figura do "grande personagem" vai sendo abalada em seus alicerces tanto pelo advento das massas urbanas na cena histórica como pelas inquirições perturbadoras em torno dos abismos da psicologia individual.

Dessa crise emergiu, em 1918, o livro apontado como divisor de águas entre a biografia tradicional e a moderna, "Eminent Victorians", de Lytton Strachey, até hoje sem tradução brasileira.

Para reconstituir o reinado da rainha Vitória, quando se organizou o imperialismo britânico em escala mundial, Strachey seleciona as quatro personalidades eminentes do título, nenhuma delas protagonista da época. Numa proeza de concisão, dedica pouco mais de 50 páginas a cada uma.

Sua narração é descritiva, factual sem ser enfadonha. Ele não especula, não exagera e não opina -os personagens são como espécimes submetidos à lupa do naturalista. No entanto, sob prosa aparentemente tão inofensiva, uma devastadora dose de crítica social era inoculada no leitor.

Florence Nightingale, a veneranda enfermeira que reformou o sistema hospitalar do Exército britânico na Guerra da Crimeia [1853-56], surge como neurótica obsessiva cujo caráter não seria isento de morbidez. O cardeal Manning, líder de um cisma de prelados anglicanos que retornaram à Igreja Católica, parece concluir que, dentre tantas crenças absurdas e incompatíveis, melhor ficar com a original.

O doutor Arnold é um dos eméritos educadores responsáveis pela introdução dos métodos disciplinares que tornaram infames os internatos ingleses. E o general Gordon, herói das guerras no Sudão, parece o coronel Kurtz de Joseph Conrad, encomendando caixas de conhaque e de água, provavelmente enlouquecido pela febre na selva onde se isolara.

Strachey era irmão do editor da obra de Freud em inglês e amigo íntimo de Virginia Woolf, que integrava como ele o círculo de intelectuais de vanguarda conhecido como Bloomsbury, do qual também fez parte o economista John Maynard Keynes.

Talvez as extravagâncias atribuídas ao grupo tenham pesado na recepção escandalizada do livro que, ao inaugurar o modernismo na biografia literária, desfechou mais um golpe insidioso na sociedade hierárquica e tradicional que periclitava e viria a se desfazer nas décadas seguintes.

MODERNIDADE A biografia moderna expande o universo de seus personagens, realizando a premonição de Samuel Johnson de que, assim como toda vida merece ser vivida, merece também ser biografada.

Ao mesmo tempo, diferente do tom elegíaco da biografia tradicional, que se atém à camada visível da vida do personagem, ela adota uma disposição investigativa, crítica, revisória. Em face da dificuldade de fixar um "eu" sempre fugaz e do inextricável turbilhão de partículas que faz a história, o biógrafo moderno assume o protagonismo da obra e faz do biografado quase uma invenção artística sua. Desde meados do século passado, porém, o desenvolvimento do cinema e da televisão passou a exercer uma irresistível atração sobre o gênero biográfico. Uma quantidade inédita de leitores, muitas vezes com pouca experiência intelectual, começou a ler biografias vorazmente. A difusão extraordinária da literatura biográfica é consequência, sobretudo, dessa evolução na demografia de leitores.

CELEBRIDADE Numa era de igualdade de direitos e de padrões massificados, surge como por encanto uma nova hierarquia, fundada na riqueza como a anterior, mas expressa no culto à celebridade. Talvez porque o sentimento de devoção já não seja dirigido à veneração de santos e heróis, que caiu em desuso, ele tenha de se deslocar para essas figuras de fama mundana, mas resplandecente e inatingível como os antigos modelos, geradas pela indústria midiática. Todas essas personagens se dispõem também numa hierarquia, desde a estrela internacional até a celebridade privativa pulverizada pelos "daily me" das redes sociais.

Essa forma sôfrega e impaciente de narcisismo integra o espírito da época, seria inútil resistir a ele. Sempre houve e haverá biografias melhores e piores, de toda forma. Mas as pressões culturais contemporâneas desafiam o projeto modernista em todos os campos, inclusive o biográfico.

O episódio anedótico, recurso essencial na história do gênero como porta de acesso à revelação biográfica, começa a valer por si mesmo, dadas as solicitações de um público cada vez mais treinado no entretenimento leve. A complexidade de toda vida, campo de exploração do biógrafo, tende a se conformar aos enredos pré-fabricados da psicologia popular.

Caberá ao bom biógrafo aceitar o espírito da época em que está imerso, sem com isso comprometer a busca solitária da verdade que viu no outro -nessa busca interminável reside, talvez, o sentido último da biografia, como o da própria vida que se resume a ser vivida.

Campina Grande terá I Virada Cultural nesta sexta-feira (04)

2011-11-04T14:02:00.001-03:00

Um acampamento de cangaceiros será instalado na Praça da Bandeira, no centro da cidade, ao cair da tarde desta sexta-feira (04). É assim que terá inicio a I Virada da Cultura de Campina Grande. O evento é uma homenagem da secretária de Cultura do Município, Eneida Agra Maracajá, ao Dia Mundial da Cultura, a ser comemorado no próximo sábado, 05 de novembro. Assim, uma grande maratona de apresentações culturais, envolvendo a classe artística campinense, terá início às 18h da sexta-feira, com “A Festa do Cangaço” - um espetáculo que tem direção do coreógrafo Mauro Araújo, sendo composto por, aproximadamente, 115 cangaceiros. Haverá uma participação especial da atriz Fátima Ribeiro e do conjunto regional “Oxente Lampião”.

As Vozes de Campina levarão ao palco da Virada cantores da noite campinense. Nomes conhecidos do público campinense, como Pepisho Neto, Tony Drumond, Ana Célia, Tina Dias, Roberta Silvana e Sócrates Gonçalves, entre outros, levarão ao palco da Virada o melhor da musica popular brasileira, proporcionando momentos prazerosos de descontração.

A Festa do Cangaço mostrará ao público dois momentos importantes na vida dos cangaceiros: o religioso e o profano. No religioso, o elenco se reúne numa procissão a Padre Cícero do Juazeiro e Virgulino Lampião é bento por uma benzedeira e reza a oração da Pedra Cristalina. No momento profano, será apresentado o Baile de Lampião, uma festa onde serão mostradas as raízes da dança nordestina.

As Vozes de Campina levarão ao palco da Virada cantores da noite campinense. Nomes conhecidos do público da cidade, como Pepisho Neto, Tony Drumond, Ana Célia, Tina Dias, Roberta Silvana e Sócrates Gonçalves, entre outros, levarão ao palco da Virada o melhor da musica popular brasileira, proporcionando momentos prazerosos de descontração.

A programação se estenderá noite adentro com mais musicalidade. Será a vez dos grupos musicais campinenses também mostrarem seus repertórios de muito pop, chorinho e muito samba. A noite será agitada com o som pesado do rock para os amantes do gênero, que poderão relembrar e curtir as melhores músicas com as bandas locais.

A despedida das apresentações culturais na Praça da Bandeira será a meia noite e a serenata da Virada seguirá para o teatro municipal Severino Cabral, onde será recebida pelo grupo de teatro Heureca com o espetáculo “Catirina a Mulé Pidideira e o Boi Bumbá”. A madrugada no palco do Severino Cabral será dedicada às artes cênicas. Atores e bailarinos intercalarão, aproximadamente, 15 espetáculos que vão desde o hip hop, balé contemporâneo, dança popular e ainda humor, drama e circo.

A madrugada cênica se encerrará com a entrega de troféus em homenagem aos participantes da I Ciranda da Cultura nas artes cênicas e na música. A Ciranda da Cultura é um projeto que leva oficinas pedagógicas e mostras de música, teatro e dança a aos bairros, feiras, restaurantes populares e distritos de Campina Grande.

Na manhã do sábado, a Filarmônica Epitácio Pessoa levará, a partir das 6h, um grande cortejo cultural até a Casa Memorial Severino Cabral, onde a I Virada da Cultura será encerada com um recital de violino e piano com a direção da professora Zenilda Dantas. Será oferecido um café da manhã os artistas.

Peça Eduardo II tem temporada de apresentações em Campina Grande e traz atores de curso da UEPB

2011-11-03T15:21:00.000-03:00

Por Juliana Rosas, da Ascom/UEPB

Em comemoração aos dez anos de sua fundação, a Cia Satyricon criou um Núcleo Dramático para encenar o Espetáculo “Eduardo II”, baseado nas obras de Christopher Marlowe, Derek Jarmam e Bertold Brecht, com temporada de estreia nos dias 04, 05 e 06 deste mês, às 20h, no Teatro Municipal Severino Cabral, em Campina Grande. Parte do elenco da peça é iniciante em teatro, porém com larga experiência no audiovisual, oriunda do Curso de Formação de Atores para Vídeo da UEPB, ministrado pelo cineasta André da Costa Pinto.

A história do rei fragilizado por um amor proibido, que escandaliza a corte e o clero e causa uma verdadeira guerra ao poder, é encenada com base no trabalho corporal desenvolvido pelo preparador de elenco Claudivam Barbosa. Durante um ano e meio, a Companhia trabalhou a proposta de desconstrução do gesto e suavização das máscaras teatrais, com vistas a criar, através dos estados emocionais, o ambiente propício ao jogo de interesses e ao romantismo selvagem que permeiam o texto.

A época medieval, presente na obra, ganha contornos de atemporalidade com elementos de psicodelia, numa montagem que se propõe a envolver o espectador com elementos de realismo e naturalidade contrapostos ao fantástico e ao sobrenatural. As cenas de erotismo e violência fazem com que o espetáculo seja proibido para menores de 18 anos.

Elenco e produção

“Eduardo II” tem direção de Flávio Guilherme e coreografias de Myrna Agra Maracajá. No elenco, os atores: Fabiano Raposo, Claudivam Barbosa, Beti Rodrigues, Ivson Rainero, Gedeão Ferreira, Anderson Marcos, Bruno Oliveira, Eliana Figueiredo, Aelson Felinto e Cássia Lobão. Iluminação de Napoleão Gutemberg, sonoplastia de Juliana Santos, figurinos de Jeferson Souza, maquiagem e efeitos especiais de Inêlda de Cristo, adereços e acessórios de Haroldo Vidal e Sérgio Nascimento, arte gráfica de Mayara Silveira, fotografias de Clóvis Aladim, contrarregragem de Johnata Medeiros, assessoria de Moema Vilar e produção executiva de Ivson Rainero e Flávio Guilherme.

Serviço
Local: Teatro Municipal Severino Cabral, Centro, Campina Grande.
Hora: 20h
Dias: 04, 05 e 06 de novembro
Entrada: R$ 20 e R$ 10 (estudante).